Halloween C’est fini et ça veut dire une chose, le période de Noël a commencé. Dans un peu plus d’un mois, chaque coin et recoin sera décoré de décorations et de chants de Noël, ce qui signifie que la télévision s’adaptera également à ces dates avec des films et des séries qui nous feront vivre Noël à cent pour cent.

Le nouveau film Netflix a un casting composé d’Aimee Garcia, Freddie Prinze Jr., Gabriel Sloyer, Grace Dumdaw, Deja Monique Cruz, Helena Betancourt, Lawrence J. Hughes, Matthew Grimaldi, Cedric Cannon, Zenzi Williams, Elisa Bocanegra, Nicolette Stephanie Templier, Emily Davidson, Sammy Peralta, Alexander Ramirez et Benjamin Brody.

Noël avec toi raconte l’histoire d’un Angelina, un chanteur à la recherche d’inspiration pour créer une chanson de Noël. Au cours du processus de réflexion au cours duquel il a analysé comment composer la chanson, il a choisi de se connecter davantage avec ses fans, afin que découvrir via les réseaux sociaux qu’un jeune étudiant souhaite rencontrer le chanteur comme cadeau d’anniversaire de 15 ans.

D’autre part, nous voyons comment Miguel Oui Connyun couple père et fille, se consacrent à télécharger des chansons sur les réseaux sociaux pendant leur temps libre, donc, quand Angelina rencontre Miguel, elle remarquera qu’ils ont beaucoup de choses en communet motivée par sa fille à trouver un partenaire, quelque chose de plus qu’une amitié peut naître entre la chanteuse et le père.

Dirigée par Gabriela Tagliaviniécrit par Paco Farías, Jennifer C. Stetson, Michael Varrati et produit par German Michael, Noël avec toi Il est raconté dans une perspective latino, où nous pourrons observer comment les protagonistes coexistent dans cet environnement latino avec leurs proches parmi les tamales, les tacos et la tequila.

SYNOPSIS ORIGINAL

Une pop star à la recherche d’inspiration pour une chanson de Noël réalise le souhait d’un jeune fan qui veut la rencontrer et trouve une chance de trouver l’amour. @mundiario

SOURCE : Reviews News

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La série réalisée par Dennie Gordon et Nzingha Stewart est basée sur le livre du même nom de Tembi Locke., qui est une romance autobiographique sur une Américaine étudiant en Italie où elle tombe amoureuse d’un Sicilien avec qui elle cherche à construire sa vie aux États-Unis. La première saison de la mini-série Netflix mettra en vedette 8 épisodes.

Le casting est composé de Zoé Saldana (Amy Wheeler), Eugenio Mastrandrea (Lino Ortolano), Danielle Deadwyler (Zora Wheeler), Keith David (Hershel Wheeler), Kellita Smith (Lynn Wheeler), Judith Scott (Maxine Wheeler), Lucia Sardo (Filomena Ortolano), Paride Benassai ( Giacomo Ortolano) et Roberta Rigano (Biagia Orgolano).

Zoé Saldana sera son producteur exécutif, avec ses sœurs et coproducteurs Cisely Saldana Oui Mariel Saldana. Reese Witherspoon et son partenaire de production, Lauren Neustadter.

From Zero raconte l’histoire d’Amy, un artiste novice qui est critiquée par sa famille, car ils ne font pas confiance à un avenir prometteur. Amy se rend en Italie pour profiter de l’art européen, et en raison du destin, elle rencontre Linoun jeune chef qui tombe instantanément amoureux de l’Américaine.

La série montre à quel point il est difficile d’établir une relation où deux personnes viennent de pays différentspuisqu’il est difficile de s’attacher auculture, habitudes ou idées que tout le monde peut avoir.

From Zero a une bonne critique, car il vous montre les deux côtés de la médaille en amour. Cette série vous fera apprécier ce que vous avezcar en un clin d’œil, vous pouvez perdre ce que vous pensiez durer toute une vie.

SYNOPSIS ORIGINAL

Un artiste tombe amoureux d’un chef en Italie et se lance dans un voyage d’amour, de perte, de dépassement et d’espoir transcendantal entre différentes cultures et continents. Mais lorsque Lino fait face à des problèmes de santé inimaginables et que l’avenir du couple est menacé, les deux familles se réunissent pour créer une famille élargie comme aucune autre qu’ils n’auraient pu imaginer, prouvant que l’amour traverse toutes les frontières. @à l’échelle mondiale

SOURCE : Reviews News

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Aussi bien que Netflix la qualité de certaines de ses productions originales est critiquée, il faut aussi reconnaître qu’il a su sortir de très bons films qui valent le détour. Quels sont les meilleurs jusqu’à présent en 2022?

« Une ombre dans mes yeux », l’un des meilleurs films Netflix de 2022

Les sorties de cette année sont parmi les plus recommandées et les mieux notées sur les sites de films comme IMDb. Lorsque vous ne savez pas quoi regarder, ces films promettent de ne pas vous décevoir.

griffe – IMDb : 7.3

Adam Sandler a créé la surprise avec ce film qui figure déjà parmi les plus recommandés à regarder sur Netflix. Il s’agit d’un dépisteur de basket qui trouve un joueur très talentueux et veut le faire réussir en NBA.

monstre marin – IMDb : 7.1

L’un des meilleurs films Netflix de 2022 vient de l’animation, avec ce film sur une fille qui part à l’aventure avec un légendaire chasseur de monstres.

seigneurs du métal – IMDb : 6.7

Deux adolescents veulent former un groupe de heavy metal pour gagner un concours. Une comédie efficace avec de bonnes notes du public et des critiques.

Le projet Adam – IMDb : 6,7

Netflix a bien compris avec ce film de science-fiction divertissant mettant en vedette Ryan Reynolds. Pas de chef-d’œuvre, mais se réunit pour passer un bon moment.

Une ombre dans mes yeux – IMDb: 7.3

Drame danois basé sur des événements réels, sur l’attentat de Shellhuset, une opération militaire visant à attaquer le siège de la Gestapo à Copenhague. L’un des films Netflix les plus acclamés par la critique.

L’homme gris – IMDb : 6,5

Il ne sera pas nominé pour un Oscar, mais en tant que film de divertissement bourré d’action, cela fonctionne. Ryan Gosling, Chris Evans et Ana de Armas jouent dans ce film sur un agent de la CIA qu’ils cherchent à tuer.

Lire aussi : Les 10 meilleurs films de 2022 à ce jour, selon les critiques : Où peut-on les voir ?

Apollo 10 et 1/2 : Une enfance spatiale – IMDb : 7.3

Bien qu’il n’ait pas eu un tel impact, ce film d’animation avec Jack Black est l’un des mieux notés de l’année parmi les productions originales de Netflix.

L’arme de la tromperie – IMDb : 6.6

Un bon film d’espionnage se déroulant dans la Seconde Guerre mondiale et inspiré d’une histoire vraie. Avec Colin Firth et Matthew Macfadyen dans les rôles principaux.

Munich à la veille de la guerre – IMDb : 6,8

Dans la lignée du précédent, ce film s’inspire de faits réels et montre la tentative de deux anciens camarades d’université d’empêcher la guerre. Intrigue, drame et espionnage de qualité.

Le sauvetage de Ruby – IMDB 7.1

Drame familial sur un flic qui fait équipe avec un chiot d’un refuge pour tenter d’entrer dans une unité d’élite. Un film discret qui a mérité tous les éloges. Parfait pour les fans de films avec des chiens de tête.

Coeurs blessés – IMDb : 6,9

Un cas particulier est celui de ce film romantique qui a reçu des critiques bien partagées, en général avec des experts contre et des téléspectateurs pour. De quoi ça parle? Un chanteur en herbe épouse un Marine pour plus de commodité. Approuvé pour les amoureux de la romance.

Hex – IMDb : 6.2

Les fans de films d’horreur ont trouvé ce film original de Netflix l’une des surprises de l’année. Ou les frayeurs de l’année. Ce film taïwanais raconte l’histoire d’une femme qui tente de protéger sa fille d’une malédiction. Les critiques ne l’ont pas acclamé, mais les amateurs de sauts effrayants l’ont approuvé.

Continue de lire: 10 films classiques à regarder sur HBO Max : de belles histoires pour les cinéphiles

SOURCE : Reviews News

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Netflix a partagé l’affiche officielle du film « Quelle est la faute de Karma ? », qui mettra en vedette Aislinn Derbez et Renata Notni, sur ses différents réseaux sociaux, en plus d’annoncer sa sortie.

« Imaginez que votre béguin du passé revienne et épouse votre sœur !… Oh non. Sur Netflix le 3 août », a écrit le géant du Streaming sur l’un de ses comptes Twitter officiels.

Imaginez que votre béguin du passé revienne et épouse votre sœur !… Oh non. 🙁 ‘Quelle est la faute du Karma ?’ Sur Netflix le 3 août. pic.twitter.com/tOaeMNWFq6

– Netflix Amérique latine (@NetflixLAT) 29 juin 2022

« Qu’est-ce que Karma est à blâmer? » est une comédie romantique produite par Perro Azul pour Netflix, et réalisée par Elisa Miller, tandis que Juan Uruchurtu était en charge de la production.

L’intrigue tourne autour de Sara, interprétée par Aislinn Derbez, une créatrice de mode extrêmement frustrée par sa malchance, qu’elle attribue au karma.

Tout en essayant de maintenir à flot son commerce de souvenirs touristiques à Mérida, Yucatán, Aarón (Gil Cerezo), un musicien qui était son béguin et son meilleur ami quand il était adolescent, revient dans la ville, réussissant à déstabiliser son manque de stabilité émotionnelle.

Mais ce ne sera pas tout, car elle découvre que sa sœur à succès Lucy, jouée par Renata Notni, va bientôt se marier et que le fiancé s’avère être Aaron. Par conséquent, Sara devra faire face à son mauvais karma, se concentrer sur la prise de décision et vérifier si la chimie entre elle et Aaron pendant les derniers jours du lycée est toujours vivante ou non.

La bande peut être vue sur Netflix à partir du 3 août. De plus, il aura également la participation de Miriam Chi Chim, Carmen Madrid, Giuseppe Gamba et Mauricio García Lozano.

SOURCE : Reviews News

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La plus grande performance de Judy Garland est dans la version de 1954 de « A Star Is Born », mais son plus grand film est « The Clock » (diffusé sur plusieurs plateformes, y compris Criterion Channel), de 1945, qui a été réalisé par son futur être mari, Vincente Minnelli. C’est le film dans lequel Minnelli a d’abord libéré toute la force de son talent artistique, et il l’a fait grâce au pouvoir dramatique de Garland. Garland est née le 10 juin 1922 et « The Clock », tourné à la fin de 1944, alors que Garland avait vingt-deux ans, est le premier film dans lequel elle a joué mais n’a pas chanté. C’est strictement un drame romantique, et son drame est enraciné dans l’histoire primordiale du moment historique, la Seconde Guerre mondiale. La grandeur de « The Clock » s’étend dans de nombreuses dimensions : comme un film de la vie sur le front intérieur et dans le service militaire ; comme un film de New York ; et comme l’une des romances les plus ravissantes, les plus tendres et, en fait, les plus érotiques publiées par un studio hollywoodien de l’époque classique.

La perspicacité et l’influence de Garland sont à la base même du film. Elle avait fait pression sur ses patrons à la MGM pour un rôle dramatique et non chantant, et « The Clock » est entré en production sous la direction de Fred Zinnemann, un émigré juif autrichien qui était en quelque sorte un spécialiste des drames sociaux-réalistes. Garland n’était pas satisfait de l’avancement du tournage et a persuadé le producteur du film, Arthur Freed (le principal superviseur des comédies musicales du studio ainsi qu’un parolier de premier plan, dont les crédits incluent la chanson « Singin ‘in the Rain »), de remplacer Zinnemann par Minnelli. Elle avait déjà travaillé avec Minnelli pour la comédie musicale « Meet Me in St. Louis », et il était aussi son partenaire amoureux. (Ils se sont mariés en juin 1945.) Le choix s’est avéré inspiré. Minnelli et Garland partagent un lien émotionnel et artistique qui a suscité sa performance librement expressive et son talent artistique distinctif. S’il était un styliste cinématographique exquis, ses méthodes décoratives visent une sorte de réalisme qui lui est propre. « The Clock » offre un écheveau ininterrompu de performances poignantes, acidulées et sensibles dans une démonstration de virtuosité de réalisateur qui était rare à Hollywood ou, d’ailleurs, n’importe où. Loin d’être un simple exercice de style visuel, la mise en scène de Minnelli incarne une large vision philosophique du monde et une ardente intimité émotionnelle.

Garland joue Alice Maybery, une secrétaire qui vit à New York depuis trois ans. Un dimanche après-midi, alors qu’elle traverse Penn Station – une grande salle aux allures de cathédrale qui a été fermée en 1963 puis démolie – elle trébuche sur la jambe tendue par inadvertance du caporal Joe Allen (Robert Walker), qui vient de commencer une quarantaine congé de huit heures, après quoi il partira pour l’outre-mer. Joe, qui vient d’une petite ville de l’Indiana, n’a jamais mis les pieds à New York auparavant, et submergé par son premier aperçu de la ville, demande à Alice de lui faire visiter. Ce qui commence, pour elle, comme un devoir réticent et difficile s’épanouit rapidement en une connexion mutuelle chaleureuse et une romance à bout de souffle.

Il faut une ville pour réunir un couple de jeunes amoureux. Le film est construit autour d’un mécanisme Rube Goldberg-esque de connexions fortuites impliquant une série de rencontres fortuites avec des étrangers qui jouent des rôles importants ou petits dans la vie du couple alors que les liens de la romance se resserrent et qu’ils se précipitent vers un mariage en temps de guerre. Apparemment, Minnelli lui-même a modifié le scénario pour qu’il s’ouvre sur une multitude de personnages fortuits, des inconnus que Joe croise, de l’un à l’autre, avant de tomber sur Alice (ou vice versa) : un cordonnier fermant boutique, un chef d’orchestre sur le haut d’un bus à impériale, les enfants dans le parc et le musée, les serveurs des restaurants ou les nombreux passants qui s’immiscent au hasard des moments personnels et conduisent le couple dans des silences gênés, un laitier qui emmène le couple sur une joyeuse mais sérieuse aventure nocturne, la chaîne des fonctionnaires dont les tournées quotidiennes et les efforts exceptionnels sont essentiels à l’union ultime du couple.

Dans une carrière de réalisateur qui s’est déroulée de 1942 à 1976, Minnelli était le poète des institutions, un précurseur dans la fiction de Frederick Wiseman, dramatisant le fonctionnement interne des théâtres, des écoles, des familles, d’un hôpital psychiatrique, de l’Ouest américain et d’Hollywood lui-même. Dans « The Clock », Minnelli s’attaque à l’institution majestueuse et puissante de la ville et dévoile son fonctionnement interne avec un sentiment d’émerveillement. Les interconnexions délicates d’apparentes coïncidences, le sens résumé de simples pratiques, virent au métaphysique et rehaussent chaque moment banal d’un air de destin. (Même le garde-temps du titre est à la fois un véritable monument new-yorkais – celui de l’hôtel Astor (démoli en 1967), où Alice dit à Joe de la rencontrer ce soir-là – et un métaphorique, dévorant le bref et précieux temps avant Le départ de Joe.) La vision urbaine du film est d’autant plus frappante par son artifice essentiel : il a été réalisé en studio, sur des décors colossaux, impliquant des rétroprojections et d’énormes peintures hyperréalistes qui servaient de décors. Minnelli amène la gare, l’hôtel, le parc, les rues, les églises, les appartements et même les couloirs et les bureaux de l’hôtel de ville et les dédales des bureaux du quartier des affaires du centre-ville à la vie cinématographique avec une vivacité en synergie avec les passions des gens qui les traversent et dépendent d’eux.

Minnelli est le plus célèbre pour ses comédies musicales, bien que je considère ses drames et comédies non musicales comme ses plus grandes réalisations. Dans « The Clock », il donne au drame une splendeur chorégraphique musicale, à grande échelle, comme dans la caméra itinérante au milieu de l’agitation de Penn Station, et dans une scène de métro élaborée qui est d’autant plus puissante pour son mélange de quasi- l’exactitude documentaire et la terreur trépidante de la séparation et de la perte dans la marée montante de la foule. L’ironie quasi ratée de ces coïncidences donne au film une verve frénétique et tragi-comique. Plusieurs des moments les plus mémorables du film appartiennent à des figurants, comme une paire d’hommes de l’assainissement qui, par leur posture uniquement, transmettent de manière vivante – grâce à la précision astucieuse du cadrage aérien – leur étonnement de voir un soldat en uniforme et une femme en costume du soir livrant du lait avant le lever du soleil. Minnelli remplit le film de ces plans en plongée, scrutant Alice et Joe, que ce soit en panoramique ou en très gros plan, comme s’il les enracinait dans les rues et la foule de la ville. Au cours d’une scène du couple partageant une effusion silencieuse mais puissante de dévotion spirituelle sur le banc d’une église, Minnelli déploie un sacristain, passant silencieusement entre la caméra et le couple, pour effacer Garland et Walker à un moment d’amour sanctifié qui dépasse la possibilité qu’elle soit jouée et, ainsi, est simplement suggérée à l’imagination des téléspectateurs.

Mais, bien sûr, le centre du film, son moteur même, est Garland. Elle investit Alice d’un mélange de détermination et de méfiance, de solitude lasse et d’énergie refoulée. Elle construit le rôle avec des gestes gravés chorégraphiquement et des inflexions vocales qui, avec leur rythme et leur hauteur et leurs accents, l’espace et le silence de la musique, sont elles-mêmes une sorte de chant. Le film est rempli de ses touches infinitésimales mais puissantes, comme dans la combinaison du geste et de la cadence lorsqu’elle s’exhibe, à sa colocataire Helen (Ruth Brady), un cadeau de Joe. Et Minnelli est clairement consciente de la force de sa performance, créant de longues prises qui servent comme une sorte de proscenium ainsi que des gros plans urgents qui éclatent avec sa puissance tremblante.

Avant tout, « The Clock » est un film d’intimité, nulle part plus que dans une séquence que je considère comme l’une des plus grandes jamais tournées. C’est une scène nocturne dans un parc, où Alice et Joe reconnaissent d’abord, l’un à l’autre et, apparemment, à eux-mêmes, qu’ils sont amoureux. Minnelli crée une série étendue et complexe d’images d’immobilité furieuse et de manœuvres gracieuses, presque ballétiques, jusqu’à ce que les amants convergent et s’embrassent, sous la lueur des lampadaires, dans une série assortie de certains des gros plans les plus extatiques que j’aie jamais vus. Au moment de la passion la plus fervente, le sourcil droit de Garland se contracte, et ce tremblement – amplifié par l’examen attentif de Minnelli – résonne visuellement comme une vague déferlante de désir incontrôlable. « The Clock » ressemble à la chose la plus proche d’un documentaire érotique qu’Hollywood pouvait offrir à l’époque du code Hays ; le fait qu’il ait été publié sans contestation suggère l’insignifiance et la faiblesse du code, et, plus encore, des réalisateurs qui ont pris ses diktats comme des contraintes à leur art.

En tant que Joe, Walker a une intensité presque campante qui capture la peur inexprimable des conséquences de la guerre à la racine du rôle – et que le scénario lui-même, de Robert Nathan et Joseph Schrank, attrape. Joe a une envie irrépressible de parler; il raconte à Alice ses rêves et ses ambitions, sa vie dans l’Indiana, ses souvenirs d’enfance. C’est comme s’il téléchargeait sa mémoire sur un étranger pour qu’il la garde, au cas où il ne reviendrait pas. Le soupçon de l’héritage des mariages en temps de guerre – des enfants pour perpétuer la lignée d’hommes qui ne survivent pas à la bataille, d’enfants sans père et de jeunes veuves – hante l’action dès le début. « The Clock » est un film sur la construction sociale de la vie privée, de l’amour et de la perte, du sexe et de la mort – d’une beauté ineffable et de son lien inexorable avec l’horreur. Sa vision du cinéma comme incarnation vivante d’un moment crucial de l’histoire est elle-même historique. ♦

SOURCE : Reviews News

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Fin avril dernier, Netflix a créé la série coup de cœur, qui raconte la vie d’un garçon de 14 ans nommé charlie printemps qui sait Nick Nelson, son camarade de classe qui a un an de plus, avec qui il développe une amitié étroite qui devient bientôt rien d’autre.

C’est une production britannique créée en collaboration par le studio Voir Saw Films, et depuis sa sortie, il est devenu l’un des plus réussis sur la plateforme de divertissement cette année, puisqu’on estime qu’il a été plus de 50 millions d’heures de reproductions, entrant dans le Top 10 de 54 pays, dont Mexique.

De plus, c’est l’un des rares projets du site à avoir obtenu une note quasi parfaite sur le portail. Tomates pourries; tandis que le public l’a marqué avec le 98%, critiques spécialisés lui ont donné une Approbation à 100 %. Ce programme traite de la diversité sexuelle chez les jeunes, puisque ses personnages racontent différentes histoires qui racontent les expériences de Communauté LGBT+.

PLUS DE SAISONS ANNONCÉES POUR HEARTSTOPPER

Le spectacle est inspiré d’un roman graphique écrit par Alice Osman, pour l’instant il n’a qu’une saison de huit épisodes, qui traite de la deux premiers tomesaprès sa première, aucun autre détail n’a été donné sur son avenir au sein de cette plateforme de Diffusion, on pensait même qu’ils ne feraient plus de chapitres.

Cependant, récemment le créateur des livres informés via leurs réseaux sociaux, que la société a approuvé la création de plus de chapitres, il sera donc renouvelé pour encore deux saisons.

Il a été indiqué que ces épisodes servira à donner une continuité aux tomes suivants du roman, où la construction de leur relation se poursuit, mais parle aussi de la vie des autres personnages, de leur voyage à France ou même des sujets liés à la les troubles alimentaires.

Pour l’instant, ils n’ont pas donné plus d’informations sur le Date première estimée, bien que Netflix prenne généralement au moins un an dans la création de nouvelles saisons, comme cela s’est déjà produit avec ‘Sex Education’ ou ‘Young Royals’.

SOURCE : Reviews News

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Fin avril dernier, Netflix a créé la série coup de cœur, qui raconte la vie d’un garçon de 14 ans nommé charlie printemps qui sait Nick Nelson, son camarade de classe qui a un an de plus, avec qui il développe une amitié étroite qui devient bientôt rien d’autre.

C’est une production britannique créée en collaboration par le studio Voir Saw Films, et depuis sa sortie, il est devenu l’un des plus réussis sur la plateforme de divertissement cette année, puisqu’on estime qu’il a été plus de 50 millions d’heures de reproductions, entrant dans le Top 10 de 54 pays, dont Mexique.

De plus, c’est l’un des rares projets du site à avoir obtenu une note quasi parfaite sur le portail. Tomates pourries; tandis que le public l’a marqué avec le 98%, critiques spécialisés lui ont donné une Approbation à 100 %. Ce programme traite de la diversité sexuelle chez les jeunes, puisque ses personnages racontent différentes histoires qui racontent les expériences de Communauté LGBT+.

PLUS DE SAISONS ANNONCÉES POUR HEARTSTOPPER

Le spectacle est inspiré d’un roman graphique écrit par Alice Osman, pour l’instant il n’a qu’une saison de huit épisodes, qui traite de la deux premiers tomesaprès sa première, aucun autre détail n’a été donné sur son avenir au sein de cette plateforme de Diffusion, on pensait même qu’ils ne feraient plus de chapitres.

Cependant, récemment le créateur des livres informés via leurs réseaux sociaux, que la société a approuvé la création de plus de chapitres, il sera donc renouvelé pour encore deux saisons.

Il a été indiqué que ces épisodes servira à donner une continuité aux tomes suivants du roman, où la construction de leur relation se poursuit, mais parle aussi de la vie des autres personnages, de leur voyage à France ou même des sujets liés à la les troubles alimentaires.

Pour l’instant, ils n’ont pas donné plus d’informations sur le Date première estimée, bien que Netflix prenne généralement au moins un an dans la création de nouvelles saisons, comme cela s’est déjà produit avec ‘Sex Education’ ou ‘Young Royals’.

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Film Netflix Sans dire au revoir est un drame romantique aux tendances comiques et plein de beaux paysages. Alors préparez-vous à vous perdre dans d’innombrables clichés de drones des sommets des montagnes péruviennes et des paysages urbains de Cuzco, et peut-être vous retrouver perdu dans une romance entre un architecte et un artiste. Vous savez, les contraires s’attirent et tout ça, mais ils semblent certainement être plus fortement magnétisés lorsque la toile de fond est aussi belle.

L’essentiel: Salvador Campodonico (Maxi Iglesias) se réveille dans l’obscurité, sa liste de choses à faire explosant sur son téléphone. Il va au gymnase et prend une douche afin que nous puissions comprendre comment il maintient le physique déchiré que nous aurons plusieurs occasions de lorgner tout au long du film. Puis il se met au travail – il est architecte pour le conglomérat hôtelier de son père, le plus grand d’Espagne. Salvador transforme les hôtels en monstruosités ou beautés urbaines étincelantes de grande classe, selon votre point de vue. Il travaille tellement qu’il fait ressembler votre bourreau de travail moyen à Brad Pitt dans Vrai romance.

Son rêve est de construire un hôtel sept étoiles à Cuzco, au Pérou, mais son père exigeant le tient en laisse courte, alors il vaut mieux faire construire ce monument du progrès illico, sinon. Il s’envole pour Cuzco pour explorer l’endroit et détermine qu’une grande chose faite de verre et de béton aurait l’air sacrément pêche au milieu d’une ville du vieux monde explosant de couleurs, de culture et de traditions. Il veut donner une énorme somme d’argent à Lichi (Wendy Ramos) pour sa propriété, et elle est déchirée entre devenir riche comme tout l’enfer et maintenir l’auberge pittoresque qu’elle dirige depuis de nombreuses années maintenant.

Le destin intervient lorsque Salvador casse accidentellement la clé dans la serrure de son Airbnb. Il se rend à une fête en plein air où il rencontre la nièce de Lichi, Ariana (Stephanie Cayo), qui chante, danse, peint et aime un style de vie sans attaches. Étant donné qu’Ariana et Salvador sont les personnes les plus attirantes à l’écran, ils dorment bien sûr ensemble cette nuit-là, puis échangent timidement des barbes pendant la majeure partie du reste du film. Vous voyez, c’est une sorte de hippie qui pense que construire un hôtel monstre en plein milieu de cette ville magnifique est une idée horrible. Et c’est un gars moderne qui ne peut que penser aux dollars du tourisme que l’hôtel apporterait à la région. Va-t-elle le transformer en hippie de passage ? Va-t-il la transformer en le type de personne qui (halètement) a un emploi du temps ? Pas de spoilers, amigos.

Photo : Netflix

Quels films cela vous rappellera-t-il ? : Ce film est certainement une vision différente de la nature péruvienne que la description de Werner Herzog de L’obscénité de la jungle dans Fitzcarraldo. Non, dans Sans dire au revoir, les oiseaux ne crient pas de douleur ; ils sont probablement en train de s’accoupler. Mais je m’égare : vous verrez des éléments de Sous le soleil de Toscane et Avant le lever du soleil dans ce récit de voyage rom-dram.

Performances à surveiller : Cayo est magnétique comme une bohème insolente dont la joie de vivre est coupée de la mélancolie de son passé tragique. Elle trouve des nuances dans son personnage et, surtout, transcende les clichés.

Dialogue mémorable : Ariana : « Vous aimez gagner de l’argent. J’aime prendre du temps pour moi. Voilà pourquoi je suis riche. »

Sexe et peau : Certains sidebutt homme très bref et sideboob dame.

Notre avis : Remerciez la divinité de votre choix que l’office du tourisme péruvien semble avoir réalisé ce film, car son plus grand attrait est le Pérou lui-même. Les montagnes, les vallées, le beau terrain accidenté, les nuages ​​embrassant les sommets, les ruisseaux chuintants, les paisibles étendues boisées. Et Cuzco déborde de charme – une cuisine délicieuse, des gens animés, des textures culturelles riches. Réservez vos vacances maintenant et imaginez à quoi ressemblerait un hôtel plein de chambres à 400 $ / nuit parmi les églises en pierre et autres délices architecturaux historiques préservés avec amour. Droit. Ça ressemblerait à de la merde.

Alors peut-être que Salvador a quelque chose à apprendre ici, et Ariana peut lui apprendre. Bâiller? Ouais, peut-être, mais Cayo et Iglesias rassemblent suffisamment d’étincelles pour empêcher leur amitié tour à tour épineuse et affectueuse d’être un cliché à part entière. Vous savez, deux personnes de deux mondes différents et jamais les deux ne se rencontreront, et tout ça. Ils se séparent, ils se détestent, elle accepte un peu à contrecœur de l’emmener dans un voyage de cinq jours en sac à dos à travers les montagnes, elle lui apprend à méditer, etc., et ils empruntent la route panoramique quoi qu’ils fassent alors nous peuvent profiter de paysages de cartes postales photographiés avec amour et, dans la scène où ils visitent les sources chaudes, de leurs corps photographiés avec amour dans leurs skivvies.

Sans dire au revoir n’innove en rien, mais les personnages raffinés, en particulier Ariana, s’assurent qu’il s’agit d’un peu plus qu’un simple récit de voyage romantique et moelleux. Sa comédie légère ne devient jamais trop large ou irritante; la romance ne devient pas un mashfest inutilement torride; le drame évite vivement d’être feuilleton. Il trouve un juste milieu et reste cohérent sur le plan tonal – une histoire de deux personnes qui apprennent à se connaître. Cayo et Iglesias résistent aux tropes de cornball du scénario et parviennent à nous faire sentir investis dans leur relation. C’est un beau film, et pour une fois, je ne dis pas ça de façon désobligeante.

Notre appel : DIFFUSEZ-LE. Donner Sans dire au revoir une chance, et vous serez peut-être charmé.

John Serba est un écrivain indépendant et critique de cinéma basé à Grand Rapids, Michigan. En savoir plus sur son travail sur johnserbaatlarge.com.

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