Special Interest a transmis l’amour d’une multitude de façons dans leur musique. Le groupe met les côtés négatifs du chagrin d’amour et comment on peut agir après l’avoir vécu en plein écran aux côtés de Mykki Blanco dans leur nouvelle vidéo pour « Midnight Legend ».

La vidéo « Midnight Legend » présente les différentes étapes du deuil, montrant des participants à une soirée clandestine arrêtés pour possession de drogue, harcelant des barmans ivres qui ne sont pas satisfaits de leur négligence et se demandant pourquoi ils consacrent du temps à un partenaire qui ne le fait pas. le mérite. Le matin venu, une fois que les gens au cœur brisé se rassemblent et semblent heureux alors que le ton passe de l’obscurité à la lumière, exprimant l’espoir pour leur avenir.

Alli Logout, leader de Special Interest, décrit la vidéo comme « une chanson d’amour pour toutes les filles qui quittent le club à 6 heures du matin, une chanson d’amour pour toutes celles qui n’ont pas d’amour autour d’elles. La façon dont nous nous engourdissons ou participons à des comportements à haut risque parce que nous nous sentons tous si isolés et seuls est également très favorisée par les clubs, les institutions et les « amis » du parti. Cette chanson parle d’écouter des gens qui ne se font jamais entendre. Bref, une histoire accessible à tous.

« Midnight Legend » est le single phare du prochain album de Special Interest Supporter sortie prévue le 4 novembre. Supporter arriveront plus d’un an après leur sortie en 2021 Ne faites confiance à aucune vaguequi présente huit démos différentes de 2016 du groupe.

Découvrez la vidéo de « Midnight Legend » ci-dessus.

Supporter est sorti le 11/4 via Rough Trade Records. Précommandez-le ici.

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Megan Thee Stallion n’hésite pas à parler de son amour de l’anime et de la télévision et du cinéma japonais. Ce week-end, au Summer Sonic Festival de Tokyo, Megan est montée sur scène habillée en Sailor Moon, interprétant plusieurs de ses tubes, dont plusieurs morceaux de son dernier album, Traumazine.

Depuis qu’elle est entrée en scène pour la première fois, Megan a exprimé son amour de l’anime et est devenue plus amoureuse de l’art à l’âge adulte. Lors d’une session Instagram Live 2020 avec Tim Lyu du studio d’anime Crunchyroll, elle a déclaré: «Êtant un adulte et regardant des anime, j’aime vraiment les intrigues. Vous voyez un personnage qui n’est peut-être pas le plus fort. Vous grandissez avec ce personnage… vous rencontrez de nouvelles personnes en cours de route alors qu’elles essaient d’être le héros / devenir la personne qu’elles doivent être.

Ailleurs dans le chat, elle a révélé que pendant qu’elle avait regardé Sailor Moonelle ne pouvait pas tout à fait entrer dedans.

« Chaque fois qu’il y a une bagarre, son petit ami vient sauver la situation », a déclaré Megan.

Quoi qu’il en soit, elle a certainement tué sa tenue, et plus encore, sa performance, qui, selon elle, a reçu une grande réaction positive de la part de ses fans japonais.

« Tout ce stade au JAPON montait pour moi », a déclaré Megan dans un tweet. « Tu ne peux pas simuler ton amour… je suis reconnaissant. »

Megan Thee Stallion est une artiste de Warner Music. Uproxx est une filiale indépendante de Warner Music Group.

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La nouvelle saison de Choses étranges a apporté au monde beaucoup de choses dont il faut parler et dont il faut tenir compte. La quatrième saison de l’émission a absolument écrasé les records de visionnage sur Netflix. Cela a également fait ressortir une référence amusante à « Weird Al » Yankovic dont le roi de la chanson de nouveauté parodie lui-même a rapidement eu vent. Le nouveau Choses étranges La saison a également aidé « Running Up That Hill » de Kate Bush à grimper dans les charts après que la chanson ait joué un grand rôle dans la série. Il est apparu au n ° 1 sur le graphique quotidien mondial de Spotify et sur le graphique des singles d’iTunes. Suite au succès inattendu de la chanson, Kate Bush a partagé une rare déclaration remerciant les fans.

« Vous avez peut-être entendu dire que la première partie de la nouvelle série fantastique et captivante de Choses étranges a récemment été publié sur Netflix », a-t-elle écrit dans un message qu’elle a publié sur son site Web. « Il contient la chanson ‘Running Up That Hill’ à laquelle les jeunes fans qui aiment la série donnent un tout nouveau souffle – je l’aime aussi! »

Elle a poursuivi: « A cause de cela, ‘Running Up That Hill’ fait le tour du monde et est entré dans le classement britannique au n ° 8. C’est vraiment excitant! Merci beaucoup à tous ceux qui ont soutenu la chanson. J’attends avec impatience le reste de la série en juillet.

Vous pouvez voir le message sur son site Web ici.

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Plusieurs fois par semaine, nos experts de la télévision et du cinéma répertorient les dix sélections de Streaming les plus importantes pour que vous les inscriviez dans vos files d’attente. Nous ne fonctionnons pas strictement sur les critiques ou les clics de Streaming accumulés (bien que oui, nous avons parcouru les graphiques et les notes du site de Streaming) mais, à la place, sur les sélections qui valent vraiment la peine d’être remarquées au milieu de la mer bouillonnante de contenu. Il y en a beaucoup, après tout, et votre temps est précieux.

10. (ÉGALITÉ) Les Kardashian (Série Hulu)

Oui, cela se reproduit. Kim Kardashian et sa famille sont de retour, et au-delà de la controverse qui a précédé, il y a de nombreuses raisons de s’amuser à spéculer si c’est réel ou non réel dans le premier épisode. Vous saurez la scène en question quand vous la verrez (Tristan Thompson panique étonnamment parce qu’il pense que c’est à propos de lui, alors que ce n’est pas le cas), et le gang essaie de ressembler à Le parrain tandis que Kim Kardashian jure d’aller sur la terre brûlée contre quiconque va à l’encontre de la famille Kris Jenner est un cerveau sauvage.

10. (ÉGALITÉ) Devenir rouge (Film Pixar sur Disney+)

Les offres de Pixar ont été inégales ces derniers temps, c’est le moins qu’on puisse dire, mais elles sont de retour en pleine forme avec ce rager qui est l’une de leurs meilleures offres depuis une décennie. L’adolescence féminine est au premier plan, et les choses redeviennent existentielles, un peu comme dans Âme. Soyez prêt à rire et à pleurer et à vous sentir décomposé tout en remerciant ce film pour l’expérience. Celui-ci fait bien mieux l’affaire que celui de Judy Blume Es-tu là Dieu ? C’est moi Marguerite si vous savez ce que je dis. Abandonnez-vous et rendez-vous au panda. Vous ne le regretterez pas et vous gagnerez peut-être un peu de recul en plongeant dans ce délicieux fil.

9. Mauvais végétalien (série Netflix)

L’histoire de la célèbre restauratrice végétalienne Sarma Melngailis, qui est tombée en disgrâce entre les griffes d’Anthony Strangis, est vraiment l’une des histoires les plus étranges de nos jours. Le sujet de l’émission a suivi sa notoriété ravivée en protestant contre la façon dont Netflix a commercialisé cette émission est au moins une manière apparemment peu orthodoxe. Il y a une étrange connexion avec Alec Baldwin là-dedans, et la nourriture de Sarma a enchanté Gisele et Tom, Woody Harrelson et Owen Wilson pendant qu’il faisait chaud. Ensuite, Sarma et son faux type d’immortalité de chien / black-ops ont gaspillé 2 millions de dollars en dollars d’investisseurs et d’employés, mais au moins le vieux Leon continue de donner des coups de pied.

8. Tabou (série BBC One/FX sur Hulu)

Tom Hardy est presque toujours intense, mais il devient énigmatique ici dans cette série 2017 que beaucoup de gens découvrent récemment. Il dépeint The Devil Delaney avec des intérêts romantiques « tabous », alors qu’il est de retour pour reprendre les intérêts commerciaux de son futur père, si seulement il peut rester en vie il y a longtemps pour le faire. Et s’il peut aussi se débarrasser du personnage super confiant incarné par Jessie Buckley. Ils forment un combo captivant tandis que les touches atmosphériques de cette émission compensent toutes les lacunes de la narration.

7. Réveillé (Série Hulu)

La série créée par Marshall Todd et Keith Knight sur « Keef Knight », dessinateur, reprend dans un monde où affaires = réveil. Keef et son groupe hétéroclite d’amis tentent de faire le truc d’activiste tout en gravissant cette échelle plus loin en tant qu’artiste commercialisable. Ces mondes entrent en collision dans un monde où il existe également des poubelles parlantes, alors attendez-vous à un nerd lourd ici et à une satire acérée. Lamorne Morris, T. Murph, Blake Anderson, Sasheer Zamata et JB Smoove sont les vedettes, et Maurice « Mo » Marable est toujours producteur exécutif, vous êtes donc entre de bonnes mains.

6. Bridgerton (série Netflix)

D’accord, donc cette saison n’est pas aussi sexuée que la sortie originale, mais la vie amoureuse d’Anthony Bridgerton est toujours captivante alors que la série, dans l’ensemble, maintient son élan sans le MVP de la première saison de la série. Vraiment, cependant, ils auraient dû au moins parler davantage du duc, ou faire savoir aux gens comment lui et Daphné vont ensemble alors qu’ils sont physiquement séparés. Pourtant, on ne peut pas résister à ce joyau, qui durera encore plusieurs saisons, alors rattrapez-vous déjà.

5. Plage extérieure (Amazon Premium)

Ce n’est pas Yellowstone, mais il pourrait attirer une foule enragée par ses propres mérites. Josh Brolin dépeint un éleveur dans le Wyoming, et quelque chose de très étrange se passe sur ce terrain. Et sauvagement, ce terrain pourrait vous faire penser momentanément à ces vastes scènes dans Il n’y a pas de pays pour les vieillards avec le personnage de Brolin. Ici, il a affaire à un mystère surnaturel et à une jeune femme disparue, et il y a d’autres forces à l’œuvre, naturellement, où les humains pourraient être plus effrayants que tout ce qu’un vide noir traite. Restez à l’écoute des révélations et d’une famille avide de profit, donc en d’autres termes, il y a beaucoup de drame.

4. Vice-Tokyo (série HBO Max)

Chaleur et Miami Vice le réalisateur de redémarrage Michael Mann se dirige vers la granularité imbibée de néons de la pègre japonaise. Un journaliste américain (Ansel Elgort) et un détective obstiné (Ken Watanabe) font de leur mieux pour mettre un terme à une action de yakuza, et Elgort a mis une tonne de préparation dans ce rôle, notamment en apprenant une bonne quantité de japonais. C’est un thriller policier astucieux avec moins Chaleur que l’on préférerait, mais c’est une combustion lente captivante d’une montre jusqu’à présent.

3. Atlanta (série FX sur Hulu)

L’idée originale de Donald Glover est de retour après quatre ans, et bien sûr, c’est bien d’avoir le noyau quatre de retour. Ce serait Glover comme Earn, LaKeith Stanfield comme Darius, Zazie Beetz comme Van et Brian Tyree Henry comme Paper Boi. Une partie de la saison se déroule en Europe, ce qui ajoute plusieurs nouvelles nuances à la marque spéciale de critique culturelle de l’émission, et il sera triste de voir cette émission partir, mais sûrement, la grande finale finira par toucher les bonnes notes de cinglant et surréaliste.

2. Chevalier de la lune (Série Disney+)

Oscar Isaac et Ethan Hawke sont maintenant dans le MCU, bébé. Si vous pouvez dépasser le travail d’accent douteux ici et profiter du dieu égyptien sournois, tout le reste se met en place. Oscar fait ici un travail extrêmement difficile, traversant tous les rythmes mentaux et émotionnels d’un personnage en proie à un trouble dissociatif de l’identité. Il est également capable de devenir physique, et son héros (notamment) devient un Avenger dans les bandes dessinées. Espérons qu’il s’associera à eux dans les films. Doigts croisés.

1. Tu ferais mieux d’appeler Saul (série AMC sur Netflix)

Les nuages ​​​​d’orage de la saison 6 sont sur nous, alors préparez-vous à toute la folie Jimmy / Gene / Saul qui s’ensuit en vous rendant sur Netflix pour vous gaver du dernier épisode. Oui, tout le monde semble très inquiet pour Kim Wexler, et le show va bientôt entrer en collision avec le Breaking Bad chronologie, il y a donc beaucoup de détails à régler entre-temps. De plus, il y a un camée incroyable en préparation, alors restez assis, observateurs de Cinnabon.

SOURCE : Reviews News

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Plus tôt cette année, quelques jours seulement avant de monter sur scène pour le Super Bowl Halftime Show avec Kendrick Lamar, Dr. Dre, Eminem, Mary J. Blige, et bien d’autres, Snoop Dogg a annoncé qu’il avait acquis les droits de Death Row Records. Le label, tristement célèbre fondé par le DOC, le Dr Dre, Suge Knight et Dick Griffey, était la maison de Tupac’s Tous les yeux sur moi ainsi que les deux premiers albums solo de Snoop : Levrette et Le père du chien. Cependant, peu de temps après l’acquisition de Death Row, Snoop a décidé de retirer plusieurs albums du catalogue du label des services de Streaming. Lors d’une récente apparition sur Champions de la boissonDogg a expliqué pourquoi.

« La première chose que j’ai faite a été de retirer toute la musique de ces plates-formes traditionnellement connues des gens, car ces plates-formes ne paient pas », a-t-il déclaré vers 1:51:00 de l’épisode. « Et ces plateformes reçoivent des millions de millions de flux, et personne n’est payé à part les maisons de disques. » Il a ajouté: «Donc, ce que je voulais faire, c’est arracher ma musique, créer une plate-forme similaire à Amazon, Netflix, Hulu. Ce sera une application Death Row, et la musique, en attendant, vivra dans le métaverse.

L’explication de Snoop vient après qu’il ait apparemment obtenu les droits de Dr. Dre’s La Chroniquesorti dans Death Row en 1992.

Vous pouvez regarder l’intégralité Champions de la boisson épisode dans la vidéo ci-dessus.

SOURCE : Reviews News

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Malgré ses sorties prolifiques, Kurt Vile a souvent été épinglé avec une réputation de fainéant. Peut-être que c’est son personnage de « mec cool » ou ses ballades errantes, mais sur le dernier album de Vile (Regardez mes mouvements), l’ancien guitariste de War On Drugs prouve que sa musique a évolué ces dernières années. Sur le dernier épisode de Indiecastles hôtes Steven Hyden et Ian Cohen partagent leurs réflexions sur (Regardez mes mouvements)le dernier effort de Vile depuis 2018.

Cette semaine dans la musique indépendante a également vu de superbes nouveautés et des faux pas sur Twitter. Le supergroupe Conor Oberst/Phoebe Bridgers Better Oblivion Community Center a envoyé un tweet très sarcastique au musicien Kississippi, qualifiant sa musique d’« ennuyeuse » en réponse à une blague très légère sur les chaussures d’Oberst. Steven et Ian discutent du retour de flamme et se remémorent les moments où ils ont appris à leurs dépens que tout sur Internet est permanent. Indiecast plonge également dans le dernier album de Built To Spill Quand le vent oublie ton nomle retour de 100 Gecs, et se demande si le duo hyperpop sonne un peu trop 2019 à ce stade.

Dans le coin des recommandations de cette semaine, Ian montre son amour pour Prince Daddy & The Hyena, dont l’album éponyme est sorti aujourd’hui. Pendant ce temps, Steven met en lumière le troisième album studio de Wet Tuna Déformer tout seulqui vire dans le funk et le jazz fusion des années 70.

Nouveaux épisodes de Indiecast déposer tous les vendredis. Écoutez l’épisode 85 sur Spotify ci-dessous et abonnez-vous partout où vous obtenez vos podcasts. Vous pouvez soumettre des questions à Steve et Ian à indiecastmailbag@gmail.com, et assurez-vous de nous suivre sur Instagram et Twitter pour toutes les dernières nouvelles. Nous avons également récemment lancé un visualiseur pour notre favori Indiecast des moments. Vérifiez-les ici.

SOURCE : Reviews News

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Près de trois semaines se sont écoulées depuis le décès tragique de Taylor Hawkins, mais la nouvelle est toujours difficile à traiter. Regarder une vidéo de sa dernière performance avec Foo Fighters cinq jours seulement avant sa mort le 25 mars ne fait qu’aggraver la dissonance cognitive. Le batteur de 50 ans a l’air bronzé, maigre et au moins 10 ans plus jeune que son âge réel. Il est grégaire, magnétique et affectueux avec charme envers son chef de groupe et meilleur ami, Dave Grohl. C’est une rock star au sommet de ses pouvoirs. Apparemment invincible. Mais seulement en apparence.

Parmi les derniers groupes de rock de stade absurdement populaires, les Foo Fighters sont si omniprésents depuis si longtemps qu’il est facile de les tenir pour acquis. Mais la réaction à la mort de Hawkins au cours des dernières semaines témoigne de leur portée. Même si vous ne vous considérez pas comme un fan, vous connaissez probablement au moins quelques-uns de leurs hymnes conquérants de la radio : « Everlong », « My Hero », « Best Of You », « Times Like These ». « Apprendre à voler. » Quand j’ai écrit l’année dernière sur les meilleures chansons des Foo Fighters, j’ai réalisé que mon engagement avec eux était moins décontracté que je ne l’imaginais. Comme Tom Petty & The Heartbreakers l’ont fait pour une génération précédente, les Foo Fighters se sont spécialisés dans le genre de chansons rock largement attrayantes que les gens intègrent dans leur vie souvent sans s’en rendre compte, comme par osmose culturelle. Pas besoin de travailler pour aimer leur musique. Vous venez de le faire.

Alors qu’ils ont été forgés par Grohl en 1994 en tant que projet individuel à la suite d’une autre tragédie célèbre impliquant un autre membre du groupe, les Foo Fighters ont évolué au fil du temps pour devenir un véritable groupe qui a constitué quelque chose de plus qu’un simple véhicule pour leur célèbre leader. Et Hawkins y est pour beaucoup. Batteur dans un groupe fondé par le batteur le plus admiré de sa génération, Hawkins a rapidement établi une dynamique avec Grohl qui était à la fois petit frère et complice.

Il serait exagéré d’appeler Hawkins le co-leader de Foo Fighters, mais il était clairement le deuxième gars le plus en vue du groupe, encore plus que l’autre ancien membre de Nirvana dans Foo Fighters, Pat Smear. Cela a été communiqué sur scène chaque fois que Hawkins est sorti de derrière la batterie pour chanter « Somebody To Love » de Queen, avec une gymnastique vocale de style Freddie Mercury. Et cela est apparu dans des interviews, dans lesquelles Hawkins était généralement le seul autre Foo assis à côté de Grohl en tant que figures de proue du groupe.

Hawkins était, en un sens, la identité de groupe pour Foo Fighters, la personne qui a fait de cette entreprise solo unique l’impression d’être un vrai gang. Mais plus que cela, Hawkins a gagné sa part des projecteurs. Si vous avez une belle blonde qui peut encore jouer de la batterie torse nu jusqu’à l’âge mûr, vous le mettez là où le public peut le voir et l’apprécier. Rien de moins serait une faute professionnelle du rock ‘n’ roll.

Tout cela soulève une question délicate et inconfortable à laquelle seuls Grohl et ses partenaires peuvent répondre. Il n’y a bien sûr aucune urgence à y répondre. Le deuil est une route longue et difficile, et il faudra la parcourir avant de pouvoir réfléchir à cette question. Cela peut prendre un mois. Soit un an. Ou 10 ans. Mais finalement, les questions suivantes devront être abordées : Foo Fighters peut-il continuer en tant que groupe sans Taylor Hawkins ?

En tant que personne qui passe une grande partie de sa vie professionnelle (et même une bonne partie de ma vie non professionnelle) à penser aux groupes de rock, j’avoue que cette question me trotte dans la tête ces derniers temps. Mais il semblait inapproprié d’en parler immédiatement après le décès de Hawkins. Certains pourraient dire que c’est inapproprié même maintenant. La mort en général est le seul sujet qui dérange universellement ceux d’entre nous qui restent parmi les vivants. Je ne suis pas différent à cet égard. Penser à la mort de Taylor Hawkins à un si jeune âge me serre l’estomac.

Dans le contexte d’un groupe, la bonne façon d’aborder la perte d’un membre se résume à une autre question délicate et inconfortable : est-il plus respectueux de rompre ou de continuer ? Est-ce un meilleur hommage de reconnaître à quel point cette personne était vitale en l’emballant? Ou est-ce un honneur plus approprié de continuer et de garder la mémoire de cette personne vivante dans les arènes et les stades du monde entier ? Cela ne veut rien dire de peser le bilan personnel de jouer dans un groupe sans votre ami proche ou d’abandonner la chose même qui a défini votre vie musicale pendant des décennies. Rien de tout cela n’est facile, et je ressens pour ceux qui sont les plus proches de Hawkins alors qu’ils essaient d’avancer sans lui.

Grohl et Hawkins se sont liés par leurs obsessions ringardes pour l’histoire du rock, ils étaient donc sûrement au courant des anciens groupes hérités qui ont perdu leurs célèbres batteurs et de la réaction de ces groupes. Ces exemples, inévitablement, n’offrent aucune voie cohérente vers l’avant. En 1978, Keith Moon de The Who est décédé à l’âge cruel de 32 ans et a été rapidement remplacé par Kenney Jones et, bien plus tard, Zak Starkey. Deux ans plus tard, John Bonham de Led Zeppelin est décédé, également à l’âge de 32 ans. Mais contrairement à The Who, Zeppelin a été fermé presque immédiatement. Robert Plant, le meilleur ami de Bonham dans le groupe, était très catégorique sur le fait de ne pas continuer sans lui. Sur son podcast l’année dernière, Plant a admis qu’il rêvait toujours de sortir avec Bonham, plus de quatre décennies après son décès.

Des exemples plus récents proposent des modèles tout aussi contradictoires. Lorsque Neil Peart est décédé en 2020, cela a effectivement mis fin à Rush, le trio de puissance canadien qu’il a rejoint et élevé 46 ans auparavant. Mais lorsque Charlie Watts est décédé en 2021, les Rolling Stones se sont rapidement engagés à tourner avec le nouveau batteur Steve Jordan, qui avait déjà été annoncé comme remplaçant des Watts malades avant de succomber à un cancer. Mick et Keith se sont assurés de saluer Watts tous les soirs via un montage vidéo diffusé avant leur arrivée sur scène. Et puis le spectacle a continué sans lui.

Ni aussi jeune que Moon et Bonham ni aussi titularisé que Peart et Watts, Hawkins était solidement dans la fleur de l’âge. Lorsque les Foos ont joué leur dernier concert avec Hawkins au Chili, ils semblaient être les héritiers les plus évidents de l’héritage des Stones consistant à visiter régulièrement les plus grandes salles du monde jusque dans vos années de vieillesse en tant qu’ambassadeurs du stade de la viande et des pommes de terre. Il semblait possible, sinon probable, que Hawkins ait encore 20 ou même 30 ans de célébrité rock devant lui. Pour un homme qui était aussi mari, père, frère et ami, la perte d’une carrière ne devrait peut-être pas être comptée parmi les déchéances les plus coûteuses à sa mort. Mais étant donné à quel point Taylor Hawkins aimait clairement être une rock star, c’est néanmoins un gâchis profondément triste.

Quant aux personnes qu’il a laissées derrière lui, j’ai ressenti des affres de sympathie écœurantes cette semaine après avoir revisité le documentaire de 2011 Foo Fighters : aller et retour. Le film rappelle que pendant une grande partie des années 90, le groupe était une porte tournante de membres rejoignant et sortant rapidement. Cela inclut le batteur qui a précédé Hawkins, William Goldsmith, qui a démissionné avec acrimonie en 1997 après que Grohl ait refait toutes ses pistes de batterie pour le deuxième (et à mon avis le meilleur) album de Foo Fighters, La couleur et la forme. Grohl a partagé les tâches de chronométrage avec Hawkins sur le prochain album, 1999 Il n’y a rien à perdre, mais après cela, il a cédé la chaise du batteur à Hawkins, un témoignage de ses côtelettes indéniables et de son flair musical.

Mais le signe le plus sûr de la place de Hawkins dans le groupe s’est produit en 2001, lorsqu’il a fait une overdose d’héroïne à Londres et est tombé dans le coma pendant deux semaines. Dans le film, Grohl parle d’être assis au chevet de Hawkins à l’époque. Le souvenir le fait suffoquer. Et puis vous voyez le soulagement l’envahir quand il se souvient du moment où Hawkins s’est finalement réveillé. Son âme sœur ne lui avait pas échappé après tout.

Cette scène est maintenant pratiquement inattaquable, car le groupe de Grohl reste embourbé dans des limbes surréalistes dans lesquels ils annulent en quelque sorte, simultanément, des tournées et remportent des Grammys. Foo Fighters est toujours techniquement un groupe, mais ils se sentent actuellement comme un corps sans âme. Voir Grohl s’effondrer à l’idée de perdre Hawkins en 2001 rend l’idée de continuer en tant que Foo Fighters semble désormais impossible. Bien que tout scénario dans lequel les Foo Fighters ne jouent pas pour des dizaines de milliers de personnes quelque part dans le monde semble également inconcevable. Peut-être que Dave savait chanter et jouer de la batterie à l’époque ? Peut-être qu’un casting tournant d’amis de Hawkins – Chad Smith, Stewart Copeland, Stephen Perkins – pourrait temporairement combler le vide ?

En tant que fans, nous ne prenons pas de décision. Pour cela, nous avons de la chance. Il n’y a pas de bons choix à un moment comme celui-ci. Dans un monde profondément injuste dans lequel des personnes vitales et aimées périssent bien avant l’heure, tout parvient à se sentir mal.

SOURCE : Reviews News

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Lorsque Kurt Vile avait la vingtaine, il était connu sur la scène musicale de Philadelphie comme « le gars du CD-R », un arnaqueur excentrique essayant constamment d’attirer l’attention des gens sur ses chansons psych-folk mélancoliques et lo-fi doublées à bas prix. plastique circulaire. Mais maintenant que Vile est dans la quarantaine et a fermement établi une carrière bien respectée en tant que l’un des auteurs-compositeurs-interprètes les plus cohérents et les plus uniques du rock indépendant, il sait qu’il n’a pas à pousser si fort.

« Je ne suis vraiment pas trop inquiet pour quoi que ce soit », me dit-il lors d’une récente interview. « J’ai l’impression d’avoir beaucoup prouvé sur cet album, pour être honnête. Mais en même temps, je n’ai rien à prouver.

L’album auquel il fait référence est (Regardez mes mouvements), son huitième album solo attendu vendredi. Alors que Vile est à juste titre fier du disque, il admet que les auditeurs pourraient avoir besoin de passer du temps avec lui avant qu’il ne s’enfonce complètement. « Baby’s Arms », « Wakin On A Pretty Day » et « Pretty Pimpin ». Mais ces derniers temps, il privilégie les grooves plus rêveurs et les arrangements flottants qui laissent les chansons dériver pendant plusieurs minutes, comme perdues dans une rêverie défoncée. Les épopées langoureuses de 2018 Mettez-le en bouteille signalé ce changement de direction, et (Regardez mes mouvements) le fortifie.

En 20 ans, Vile a compilé un vaste catalogue d’albums et d’EP collaboratifs, dont ceux de 2017 Lotta poux de mer avec Courtney Barnett et l’effort teinté de country tout à fait charmant de 2020 Vitesse, son, Lonely KV, qui mettait en vedette le regretté John Prine. Mais lorsque nous nous sommes rencontrés pour discuter de sa discographie, par souci de brièveté relative, nous avons choisi de nous concentrer uniquement sur ses albums solo, dont Vile a discuté avec joie (et fierté).

Hitmaker constant (2008)

Je suis honnêtement assez fier de toutes mes phases. Je ne suis gêné par rien. C’est juste une chronologie pour moi, de ce dans quoi j’étais et où j’en étais. J’ai une mémoire photographique/audiographique folle. Je peux même voir les albums. Vous voyez beaucoup de choses à la fois. C’est vraiment cool. L’esprit est un outil très psychédélique.

De la façon dont je parle maintenant, je parlais de la même manière à l’époque. Je parle du même jeu. C’est pourquoi sur Hitmaker constant, je parlais d’écrire des chansons à succès. Des chansons comme « Freeway » qui auraient pu être un tube. Devrait ont été un succès. « Don’t Get Cute », « Freeway », « Breathin Out » – ce sont toutes des chansons pop accrocheuses. C’était toutes les meilleures chansons de mes CD-R précédemment sortis que peu de gens avaient entendus.

J’aime la façon dont il a une étendue de chansons pop. Ensuite, ça devient un peu psychédélique, comme une version folk/pop américaine de la musique shoegaze où ça monte et descend. Si vous écoutez ces enchaînements et que vous passez ensuite au nouveau disque, ils sont toujours là. Ils ont toujours, finalement, été là. Mais surtout lorsque vous travaillez à domicile, j’ai l’impression que ces choses s’infiltrent beaucoup plus. Lorsque vous êtes à la maison, vous avez tendance à jouer des synthés plus étranges à la volée. Ou vous passez juste votre journée et vous commencez à déconner avec quelque chose. Parce que c’est tout votre équipement. Alors que si tu vas en studio, tu apportes tout. Tout cela a déjà été modifié d’une manière ou d’une autre. Tout d’un coup, votre cerveau s’est altéré.

Que ce soit sur votre bel équipement ou sur un magnétophone à l’étage ou sur un enregistreur Zoom ou votre iPhone, la seule leçon que j’ai apprise est que cela n’a pas vraiment d’importance. À la fin de la journée, vous pouvez tout mélanger. Les gens ne remarquent pas ou ne s’en soucient pas. Ou s’ils remarquent que cela semble souvent cool s’il y a un petit sifflement.

Dieu vous dit ceci… (2009)

Keith [Abrahamsson] à Mexican Summer, qui a sorti le disque, dit qu’il y a quelque chose de spécial sur lequel j’étais alors, que je n’ai jamais refait. Il a raison. Des chansons comme « Beach On The Moon », vous pouvez entendre la mélancolie dans les paroles. Et vous pouvez entendre l’urgence dans « My Sympathy » et ce sélecteur de doigts « Songs For John In D ». Je pense vraiment que je suis revenu là-dessus. Parce que je peux entendre le même son dans ma voix dans « Flyin’ Like A Fast Train », la même urgence rapide. J’ai l’impression d’être là. J’ai l’impression d’être hors réseau. J’ai l’impression que ma garde est à nouveau complètement baissée. J’ai l’impression de pouvoir puiser dans le passé, le présent et l’avenir. Je sens que je peux le faire maintenant.

Hitmaker constant est sorti, puis Keith m’a contacté et a voulu sortir un disque. J’étais comme, « Oh, ça a l’air cool. Je vais devoir parcourir mes CD-R. J’étais sur le point de faire ma première tournée européenne, en première partie de The War On Drugs. j’étais dans The War On Drugs, et je faisais la première partie en tant que Kurt Vile.

Dieu vous dit ceci… est sorti un peu avant Enfant prodige. Le Bossu EP est également sorti en 2009. Tout cela était le résultat d’un tas d’offres. Matador n’était certainement pas trop content, je dirais, qu’ils soient tous sortis en même temps. Mais c’était comme une tempête parfaite de sortir de cette scène de bricolage et de lo-fi. Sortir des albums obscurs, puis recevoir des offres pour des sorties vinyles plus cool.

Enfant prodige (2009)

j’ai eu la plupart Enfant prodige dans la boîte depuis 2007 environ, et je l’avais magasiné sans succès. C’était mon album « studio » que je gardais pour un plus gros label. Sauf que la chanson la plus à jour était « He’s Alright », qui est une excellente chanson. Cela a été ajouté à la dernière minute.

Nous avons demandé à Matador de le sortir, mais nous leur avons envoyé le même disque deux fois. Nous l’avons envoyé une fois et je suppose qu’ils l’ont entendu. Ensuite, nous avons joué un concert à New York où ils sont venus voir s’ils voulaient signer ce groupe Tyvek. Mais nous avons ouvert et mon manager Rennie leur a renvoyé le disque. Vous voulez entendre le nouveau Kurt Vile ? Je fais juste l’idiot. Puis ils ont écouté la deuxième fois.

C’était mon nouveau son. Je savais juste que c’était là où j’en étais. C’est là qu’Adam [Granduciel] a travaillé avec Jeff Ziegler pour la première fois. Jeff a tout fait Ambiance Esclave et certains de Perdu dans le rêve. Mais cette connexion a d’abord commencé quand Adam a travaillé avec moi sur Enfant prodige. En septembre 2005, Adam et moi avons pris quelques semaines de congé pour enregistrer. Nous avons des chansons comme « Overnite Religion » et « Blackberry Song ». Ce sont les retours en arrière qui l’ont fait sur Enfant prodige. Mais ils ressentaient la même chose. Ils avaient ce même truc psychédélique.

J’aime ça Enfant prodige est le plus proche d’un disque punk que j’ai fait. C’est comme un disque punk psychédélique qui a aussi du blues. Il y a du doigté et de la livraison à la Charley Patton dans des chansons comme « Dead Alive ». Mais il y a aussi du bruit et des trucs comme ça. C’est définitivement un disque sous-estimé, si vous parlez en Fourche termes. Mais je sais que c’est devenu le disque préféré de Kim Gordon. Je sais que c’est devenu le disque préféré de Bradford Cox. Je sais que c’était un disque influent.

Anneau de fumée pour mon halo (2011)

Je remarquais avoir plus de spectacles et prendre toutes les offres que je pouvais. Et je pouvais voir une différence chez mes fans. Je me souviens avoir joué au Primavera Fest et les Européens m’ont crié dessus. C’était surréaliste, mais c’était beau. Mais c’est un disque mélancolique et je pense que c’est mon seul disque « classique » de style conventionnel. La version la plus proche d’une sorte de disque de rock classique

Il y a aussi beaucoup de gens. La musique folk était probablement ma plus grande influence à l’époque. Comme Bert Jansch et John Martyn. Certainement dans Joni Mitchell et des choses comme ça. Il y a une livraison de Joni Mitchell sur « Ghost Town », il y a des vibrations « La dernière fois que j’ai vu Richard ». J’ai écrit « On Tour » lors de cette première tournée rudimentaire. Ce fut une tournée difficile pour le groupe. J’ai bien aimé, mais tout le monde dans le groupe n’a pas aimé. Il y a eu quelques désaccords. Puis je me souviens que je me sentais sensible après un combat. J’ai écrit « On Tour » dans les coulisses. Seigneur des mouches. « Faites attention à celui-ci, il vous poignardera dans le dos pour s’amuser. Je joue juste. Je te connais mec. Le plus souvent. »

Mais « Baby’s Arms », ça aurait dû être un succès. C’était une chanson plus ancienne. Ça sonnait cinématographique. Cette chanson est vraiment une chanson spéciale. Il n’y a pas de tourner autour du pot avec celui-là.

Wakin sur une jolie Daze (2013)

Je suppose qu’on pourrait dire que c’est mon disque classique épique. Il est entièrement produit par John Agnello, comme Anneau de fumée. Mais nous avons passé plus de temps en studio. J’avais de grandes idées. J’étais beaucoup sur la route pendant Anneau de fumée. C’était le genre de chansons que j’écrivais au soundcheck. « Réveillez-vous par une jolie journée. » « Was All Talk » – ils ont eu beaucoup de rôles.

J’aimais juste l’idée des chansons classiques des années 70 à la radio que vous voudriez jouer encore et encore, sauf que vous n’avez pas à appuyer sur play. Vous n’avez pas à recommencer autant de fois, car les chansons sont plus longues. Je ne pensais pas nécessairement que « Wakin On A Pretty Day » durerait 10 minutes. Je ne pensais pas que « Goldtone » durerait 10 minutes. Mais je savais juste qu’ils avaient une qualité hypnotique, comme un dauphin ou quelque chose comme ça. Allez sous l’eau, remontez prendre l’air. Je voulais que ça paraisse désorientant, et j’ai réussi.

John Agnello était là pour nous filmer en train de nous balancer. C’est la seule chose que tu puisses vraiment faire, juste te défouler. Il suffit de jouer ces clubs et de jouer fort et de secouer. C’est peut-être en partie pour cela qu’il y a tant de solos de guitare sur ce disque. Mais je n’y pense pas de cette façon. Sur Je crois que je descends, j’ai continué à supprimer les solos de guitare parce que quelque chose me dérangeait à propos de l’overdubbing. J’aime juste être plus en direct et si ce n’est pas en direct, je voulais jouer avec des gens pendant que nous faisions des overdubs ensemble.

Je crois que je descends (2015)

Nous n’avons pas utilisé de producteur conventionnel. Nous ne savions pas ce que nous allions faire. Mon coéquipier Rob a fait une grande partie de l’ingénierie. Et aussi mon batteur Kyle, qui a un home studio à Athènes, on l’a utilisé pour certains morceaux. Ensuite, je suis allé dans le désert pour renouer avec le fermier Dave Scher de Beachwood Sparks et All Night Radio. C’est mon pote californien. C’est un personnage. Il a beaucoup joué sur Wakin. Nous sommes allés à Los Angeles pour la première fois Wakin pour certaines séances et a amené John avec nous. Puis Stella [Mozgowa] s’est présenté et elle a sauvegardé ce disque. Donc, je savais que je voulais aller dans le désert et enregistrer et faire venir Stella, ainsi que Farmer Dave et Rob. J’ai l’impression d’avoir écrit « Wheelhouse » dès que je suis arrivé dans le désert. Je pense que ce n’était même pas écrit.

Avec ce disque, je pense que c’était moi qui savais que je ne pouvais pas faire qu’une seule chose. Je sais que j’ai des points forts ici avec les Violators, mais j’ai aussi ces autres amis avec qui je veux jouer. La chose la plus West Coast. Mais à un moment donné, nous nous sommes heurtés à un mur. À cette époque, j’ai enregistré la chanson « All In A Daze Work » et c’est juste un solo acoustique. Il y avait cette ambiance déchirante. Nous sommes retournés à Los Angeles pour essayer d’entretenir la flamme. C’est alors que, par coïncidence, Rob Schnapf est entré en contact avec Chris Lombardi au label. Il était comme, « J’aimerais travailler avec Kurt. » J’étais comme, « Oh wow. Le mec qui travaillait Or doux veut travailler avec moi. Puis, pendant que j’étais là-bas, totalement inspiré, j’ai écrit « Pretty Pimpin ». C’est mon plus gros succès à ce jour.

Mettez-le en bouteille (2018)

je suis vraiment fier de Mettez-le en bouteille. C’est un disque de transition. Il s’agissait d’être là-bas sur la route et de capturer une sensation sur bande et de continuer à essayer de faire le truc en direct. J’ai fait préenregistrer les claviers. Je connaissais les paroles. Mais je suis arrivé à Los Angeles essentiellement après avoir joué avec The…

SOURCE : Reviews News

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Tout comme Justin Bieber Tournée mondiale de la justice démarrait en février, la pop star a annoncé l’initiative « Justice en action ». L’effort connecte les fans en tournée avec des organisations locales et nationales de justice sociale, pour les amener à interagir, à faire des dons et à s’engager à fond dans ces causes. Il montre une réelle reconnaissance de la part du chanteur « Love Yourself » de l’influence qu’il a sur près de 100 étapes de tournée dans 20 pays à travers le monde. Maintenant, Bieber ajoute à son effort altruiste avec sa dernière initiative pour offrir des séances de thérapie gratuites aux Beliebers et à son équipe de tournée.

Bieber s’est associé à la plateforme de thérapie en ligne BetterHelp, la plus grande plateforme de thérapie au monde, pour offrir des séances de thérapie en ligne gratuites à ses fans et à son équipe de tournée de plus de 250 personnes. Le partenariat offre un mois gratuit de thérapie en ligne aux fans, qu’ils peuvent également choisir de partager avec un ami ou un être cher dans le besoin. Pendant ce temps, l’équipe de tournée a un accès illimité à des thérapeutes agréés pendant 18 mois. Il s’agit d’un effort de plus de 3 millions de dollars de BetterHelp, dont le site Web indique que Bieber « n’est pas rémunéré pour cette initiative ».

« La seule chose que j’ai apprise au fil des ans, c’est que nous traversons tous des hauts et des bas et que nous avons tous parfois besoin d’aide », a déclaré Bieber dans un communiqué. « Pouvoir offrir un accès à une thérapie gratuite à mes fans et à ma famille de tournée est une véritable bénédiction, et je suis honoré de pouvoir le faire. »

C’est une entreprise incroyable de la part de Bieber et de BetterHelp. Pour l’équipe de tournée en particulier, qui fait face au stress physique et mental de la mise en place quotidienne de cette tournée complexe. Sans parler de ce à quoi l’industrie du tourisme a dû faire face à la suite de la pandémie, qui a ravagé les moyens de subsistance de nombreuses personnes.

Vous pouvez en savoir plus ici.

SOURCE : Reviews News

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Qu’est-ce qui fait un bon documentaire musical ?

S’agit-il d’interviews directes non filtrées du cercle restreint d’un artiste, racontant son ascension vers la gloire et comblant les lacunes avec des histoires inédites de tragédie et de triomphe ? S’agit-il de centaines d’heures d’images d’archives qui ramènent les fans dans les bus de tournée et les motels et le marathon chaotique des concerts sur la route dans les petites villes ? Est-ce l’artiste lui-même qui prend le contrôle de la caméra pour nous donner un regard plus intime et perspicace sur son processus créatif – les hauts, les bas, les sacrifices et les avantages de la renommée ?

Est-ce une combinaison de tout cela ?

Quel que soit ce facteur magique, tous les documents de cette liste – des sessions d’enregistrement tranquilles aux films cinématographiques de road trip aux reconstitutions dramatiques aux bobines de film cachées pendant des décennies – l’ont sous une forme ou une autre.

Ce sont les meilleurs documentaires musicaux diffusés sur Disney + et Hulu.

Disney+

Les Beatles : Revenez (2021)

Durée d’exécution : 468 minutes

Il y a une sorte de mythe entourant les Beatles, leur ascension fulgurante et leur rupture compliquée. Une grande partie de cela est alimentée par la mort prématurée de leur membre fondateur, John Lennon, mais plus encore découle de la production lyrique prolifique du groupe – quelque chose qui est pleinement affiché dans l’épopée biographique de Peter Jackson, Revenir. Le documentaire en trois parties, d’une durée de six heures, est une odyssée musicale, qui décolle le vernis de la nostalgie et nous donne un regard brut, émouvant et parfois insupportablement intime sur les quatre garçons dont l’influence se fait encore sentir, des décennies après leur apogée initiale de célébrité. Douce et déstructurée mais faite avec un but, la série nous donne un aperçu de ces personnages avec des épisodes de génie en plein écran – comme lorsque Paul riffe sur sa basse et produit l’un des plus grands succès du groupe en quelques minutes seulement. Les meilleurs moments viennent quand nous avons un regard inédit sur les conflits, la tension et le lien profond que ces icônes musicales partageaient, cependant.

Disney+

Billie Eilish : plus heureuse que jamais, une lettre d’amour à Los Angeles (2021)

Durée d’exécution : 65 minutes

Billie Eilish a eu une carrière prodigieuse. Ce n’est pas une hyperbole, c’est simplement un fait. Elle a tout coché, des victoires aux Grammy et aux trophées des Oscars à la tête d’affiche des principaux festivals de musique du monde et est suffisamment intéressante pour que pas un, mais deux documentaires aient tenté de distiller son pouvoir de star à quelque chose que nous, simples mortels, pouvons comprendre. Dans ce doc, qui est la lettre d’amour de Billie à sa ville natale, le réalisateur Robert Rodriguez ajoute de l’animation au mélange, créant une sorte de film concept hybride doc/album qui est à la fois magnifiquement simple et trompeusement perspicace.

HULU

L’été de l’âme (2021)

Durée d’exécution : 118 minutes

Remontez jusqu’à l’été 1969 alors que le batteur de l’équipe Roots, Ahmir « Questlove » Thompson, donne vie à l’incomparable Festival culturel de Harlem avec son album primé aux Oscars. L’été de l’âme. Rempli d’une collection de performances de musiciens emblématiques comme Stevie Wonder et Gladys Knight, ce doc récompense doublement les téléspectateurs en plongeant dans l’intersection entre l’actualité et la musique, mettant en valeur le pouvoir de la musique et un événement qui a été scandaleusement sous-souvenu jusqu’à présent.

Disney+

Olivia Rodrigo: Conduite à la maison 2 U (2022)

Durée d’exécution : 76 minutes

La seule artiste féminine qui a eu une plus grande évasion que Billie Eilish est cette star de Disney dont le morceau de rupture accrocheur comme l’enfer, Le permis de conduire l’a catapultée au sommet des palmarès lors d’une pandémie qui nous a tous fait nous sentir un peu bleus. Ce doc partage certaines des mêmes qualités qui ont fait de cette chanson et du clip vidéo qui l’accompagne un tel succès. Il y a un sentiment de stérilité dans tous les déserts et les plaines que Rodrigo traverse alors qu’il quitte le studio d’enregistrement où elle a créé son premier album Acide, de retour en Californie. Il y a aussi un filtre vintage et granuleux imposé à toutes les vues auxquelles elle s’arrête en cours de route, interprétant certains des plus grands succès de l’album devant des foules intimes et des rassemblements de fans. C’est une ambiance – et une entrée digne dans l’espace de documentation musicale d’un artiste qui ne fait que commencer.

Disney+

Folklore : les sessions de l’étang (2020)

Durée d’exécution : 105 minutes

Des deux albums stellaires que Taylor Swift a sortis en 2020, Folklore était celui avec le moins de fanfare qui l’entourait – un disque que Swift a discrètement dévoilé qui a guidé les fans encore plus profondément dans le bois fantastique dans lequel elle s’était échappée pendant la quarantaine. Et avec ce doc – une session d’enregistrement intime et sans fioritures dans une cabane rustique au bord d’un lac, quelque part au nord de New York – Swift double cette nouvelle ère de sa carrière dans laquelle elle est sciemment entrée. Ceci est un doc sur Taylor Swift, l’auteur-compositeur – pas la pop star ou la cible des tabloïds. Dépouillé et brut, le doc fusionne quelques vidéos personnelles de Swift enregistrant l’album des années plus tôt avec un collaborateur fréquent Jack Antonoff et le nouveau venu (sur la scène Swift) Aaron Dessner avec des performances en direct de Swift, tenues entre des discussions qui plongent profondément dans ses connaissances musicales et sa démarche artistique. C’est éclairant de la meilleure façon et Swift n’a jamais été aussi bon.

Hulu

Nous sommes le Freestyle Suprême (2020)

Durée d’exécution : 90 minutes

Avant que Lin Manuel-Miranda ne crée des bops nominés aux Oscars pour des films Disney et ne remporte des prix Peabody pour les comédies musicales historiques de Broadway, il n’était qu’un gars au coin d’une rue dans les hauteurs, faisant du freestyle avec ses amis. Ce documentaire, qui s’appuie fortement sur des images d’archives de Miranda et d’autres membres de Freestyle Supreme comme Thomas Kail, Christopher Jackson et d’autres, retrace l’ascension du groupe dont l’astuce sur scène consiste à prendre les suggestions du public et à les transformer en longs métrages. et des bops et des sketchs pour notre divertissement. Il y a un talent incroyable à l’affiche ici alors que nous voyons le groupe se produire lors de festivals marginaux et de caves au sous-sol, mais d’une manière ou d’une autre, connaître le succès que chacun de ces gars trouvera un jour rend la visualisation de leurs humbles débuts encore plus excitante.

Néon

Incroyable grâce : Aretha Franklin (2018)

Durée d’exécution : 89 minutes

En 1972, Aretha Franklin a donné une performance de deux nuits de certains de ses plus grands succès dans une église baptiste bondée. Des décennies plus tard, nous obtenons enfin ces images. Filmée par Sydney Pollock, voici Aretha Franklin avant que les gens ne la reconnaissent universellement comme une icône. Sa voix est inégalée, son énergie contagieuse, son talent évident, mais ce documentaire montre la synergie entre son éducation religieuse et la musique qu’elle apporterait au monde. Cela pourrait vous émouvoir aux larmes.

Image Getty

Blackpink : le film (2021)

Durée d’exécution : 100 minutes

Parmi les deux documentaires Blackpink circulant dans le monde du Streaming, cette entrée Hulu met en évidence la présence scénique indéniable du groupe de filles, tissant des images de concert de leur plus récente performance sur Internet, « The Show » avec des clips plus anciens datant du moment où ils commençaient tout juste leur règne en tant que reines de la KPop. Il y a un peu de commentaires des femmes alors qu’elles réfléchissent à leur lien et à la façon dont elles sont arrivées jusqu’ici, mais les moments les plus forts sont lorsque les fans peuvent les regarder dans leur élément, tuant des numéros chorégraphiés de manière complexe et servant certains des meilleurs live spectacles que nous avons encore vus.

Hulu

Madonna : le club des petits déjeuners (2019)

Durée d’exécution : 105 minutes | IMDb : 6,5/10

Les documentaires musicaux les plus fascinants racontent l’histoire des stars avant qu’elles ne deviennent elles-mêmes. De nombreuses entrées sur cette liste correspondent à la facture, mais aucune ne le fait comme ce film hybride qui mélange des images d’archives et des aperçus de l’ancien terrain de jeu de Madonna à Detroit avec des reconstitutions dramatiques des premiers jours de l’artiste à New York. Le voyage est captivant, du deuil de sa mère et de l’espoir d’échapper à la tristesse de sa ville natale, à la scène du Queens lors d’une renaissance musicale lorsque la mode, l’art et la culture de la rue se sont heurtés pour former un environnement créatif suffisamment unique pour devenir un talentueux ancien danseur en un géant de la musique pop.

Photos de Magnolia

Zappa (2020)

Durée d’exécution : 169 minutes

Les fans de musique ont probablement entendu le nom de Frank Zappa, mais peu comprennent vraiment à quel point sa carrière était unique et idiosyncratique. Ce doc vise à rectifier cela, en passant au peigne fin des centaines d’heures d’images d’archives fournies par la succession de Zappa pour brosser un tableau du musicien parfois acclamé, parfois controversé, que nous n’avons tout simplement jamais vu auparavant. Depuis ses débuts en vénérant les bizarreries musicales jusqu’à l’usurpation de disques à succès des Beatles en passant par la lutte contre la censure américaine, Zappa était un individu dans tous les sens du terme, ce qui rend la cartographie de son parcours musical d’autant plus intéressante.

Certains artistes couverts ici sont des artistes de Warner Music. Uproxx est une filiale indépendante de Warner Music Group.

SOURCE : Reviews News

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