Cette semaine, BOATS (Based On A True Story) Theatre est Sans limites (maintenant sur Netflix), un drame français « inspiré par » la vie d’Audrey Mestre, une apnéiste record qui – eh bien, les événements de sa vie sont largement connus mais pas ce largement connu, nous allons donc garder cela pour le film. Ce qu’il faut savoir avant de s’y plonger : les apnéistes s’affrontent pour voir qui peut retenir leur souffle et s’enfoncer le plus profondément dans l’océan. Pas d’équipement de plongée, juste vos poumons. Plus précisément, la plongée sans limite voit le plongeur tenir un traîneau lesté attaché à une ligne et plonger à une profondeur spécifiée – bien au-delà de 500 pieds, si vous visez le record – puis utiliser un réservoir de propulsion pour les renvoyer vers le surface. Cela met beaucoup de pression sur vos facultés physiques et mentales et crée un drame raisonnablement intrigant, comme nous l’apprenons dans ce film.

SANS LIMITES: STREAM IT OU SKIP IT ?

L’essentiel: Roxana (Camille Rowe) a appris l’apnée auprès de son grand-père. C’est une jeune quand nous la rencontrons; elle plonge sous la surface ; hé, regarde, une tortue de mer ; et soudain, elle est adulte. Elle est assise dans la salle de conférence, écoutant son prof parler dans des tons ultradramatiques des créatures qui vivent dans les profondeurs les plus sombres de l’océan, où la pression est si intense qu’elle écrasera vos poumons et vous mourrez immédiatement, c’est notre temps pour aujourd’hui, bonne semaine ! Roxana espionne un dépliant pour un cours d’apnée enseigné par le plongeur record Pascal Gauthier (Sofiane Zermani), se dispute avec sa mère (Roxana a sauté la thérapie) et des camions à la plage pour le cours.

Elle rencontre l’un des instructeurs, Tom (Cesar Domboy), qui est un gars sympa, et il y a une petite étincelle entre eux. Sur le bateau, Pascal fait une entrée assez torse nu – pas de manque de confiance là-bas, sur tous les fronts. Tom invite Roxana à dîner avec Pascal et l’équipage, et Pascal est assis de l’autre côté de la table et lui perce des trous avec son regard et dégage le type d’ambiance skeezy qui vous fait vous demander si nous devrions chum son slip et trouver la frénésie de requin la plus proche. Elle va aux toilettes des dames et il la suit et hé maintenant, que diriez-vous de ça, quelques minutes plus tard, la femme avec laquelle il est venu à la fête avec des tempêtes en colère.

Pascal invite Roxana à venir avec l’équipe pour leur prochaine excursion et laisse à son entraîneur grisonnant Stéphane (Laurent Fernandez) le soin de lui dire que Pascal s’entraîne aujourd’hui pour un plongeon record du monde de 172 mètres. Pas grave ! Il réussit, mais la tragédie qui frappe l’un de ses plongeurs de sécurité ne fait pas surface. Ils sortent le gars et Roxane pratique la RCR mais il est trop tard. Ce qui signifie qu’il y a un poste à pourvoir dans l’équipe et que Roxana est présente, malgré son inexpérience. Elle est partie plonger avec Pascal, voyez-vous, et il sait qu’elle est douée – elle peut retenir son souffle et rester calme et comprend l’économie de mouvement nécessaire pour être une grande apnéiste.

Il ne faut pas longtemps à Roxana pour quitter l’université et partir sur la route à travers l’Europe avec Pascal pour des compétitions, d’abord en équipe, puis pour concourir elle-même. Pascal semble un peu jaloux, puis semble encore plus jaloux lorsqu’il commence à s’évanouir pendant les plongeons et ne peut plus concourir. Il passe à l’entraînement de Roxane, qui explose vers la notoriété de l’apnée. Elle bat un record de plongeon avec palmes. Elle est qualifiée de sex-symbol. Elle est en extase avec Pascal un soir où il lui met la main autour de la gorge et la serre un peu. Elle n’est pas dedans. Peut-être qu’il n’est pas trop tard pour se procurer un ami et une promenade en bateau.

Quels films cela vous rappellera-t-il ? : Mélangez les scripts pour Dans le bleu, Le grand bleu, Suffisant et – je sais pas, c’est quoi un film sur un sport obscur ? boules de fureur? balle au prisonnier? Ouais, balle au prisonnier – balle au prisonnieret vous obtiendrez une approximation approximative de Sans limites.

Performances à surveiller : Rowe donne une performance empathique en tant que Roxana, malgré le scénario qui ne lui donne guère plus qu’un brin de personnage avec lequel travailler.

Dialogue mémorable : Stéphane renforce la confiance de Roxane : « Roxy. Vous n’avez pas besoin de lui. Vous n’avez besoin de personne.

Sexe et peau : Quelques scènes de sexe classées moyennement dures, chacune plus torride et graphique qu’auparavant.

Notre avis : Sans limites reflète quelques-uns des grands traits de la vie de Mestre, qui a eu sa part de – comment dire sans rien gâcher – ambiguïtés. Ces ambiguïtés attirent la fascination sur un film autrement fastidieux, au ton larmoyant et peuplé de personnages fragiles. Il y a peu de sens de la passion de Roxana pour le sport, de son ambition ou de son amour pour Pascal, qui projette son vrai moi laid et mégalomane là-haut pour que tout le monde puisse le voir comme Bat-Signal. Nos deux protagonistes reçoivent chacun un monologue confessionnel et de multiples scènes dans lesquelles ils plongent dans la noirceur d’encre de l’océan – tellement, y compris de multiples séquences de rêves, que leur répétition devient lassante et presque comique.

Cela ne veut pas dire qu’une telle imagerie n’est pas poétique. Le calme étouffé et les vastes espaces ouverts peuvent inspirer l’admiration, l’émerveillement, la peur et l’introspection. Mais la propension du scénariste-réalisateur David M. Rosenthal pour la photographie sous-marine dramatique et les scènes de sexe semi-torrides ne peut compenser le rythme langoureux et l’impuissance dramatique du film. Il a souvent l’air magnifique, mais c’est une longue et lente descente dans des eaux presque vides.

Notre appel : SAUTER. Sans limites existe dans une zone nulle part entre le drame sportif et la romance vouée à l’échec.

John Serba est un écrivain indépendant et critique de cinéma basé à Grand Rapids, Michigan. En savoir plus sur son travail sur johnserbaatlarge.com.

SOURCE : Reviews News

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Maintenant sur Netflix, Diorama est la tentative de l’écrivain/réalisatrice suédoise Tuva Novotny de décomposer la pente désordonnée et incohérente des relations amoureuses humaines via une analyse contextuelle et scientifique. Alors oui, c’est une comédie. Une sorte de comédie, au moins – Novotny utilise un mariage fictif condamné comme base pour se demander ce qui se passe avec les gens, et pourquoi diable ils font ce qu’ils font, puisqu’ils se rebellent si souvent contre leurs propres besoins, désirs et nature . Elle coupe le fourrage tragi-comique habituel avec des «dioramas» fantaisistes véhiculant la sagesse factuelle conventionnelle, qui est une nouvelle approche de la relation dramatique. Mais est-ce que ça marche ?

DIORAMA: STREAM IT OU SKIP IT ?

L’essentiel: Saviez-vous que les bonobos sont assez promiscueux ? Eh bien, vous le faites maintenant. Ici, ayez des images du parent génétique le plus proche d’homo sapiens souriant et hululant tout en faisant des trios. Soigné! Cela fait partie de Dioramas’ouvre sur l’histoire de la monogamie parmi les humains à travers les âges, et ce qui suit est une réflexion sur l’aspect pratique et le but d’une telle chose, via l’histoire de Bjorn (David Dencik) et Frida (Pia Tjelta). Nous les rencontrons alors qu’ils sont encore relativement jeunes dans la vingtaine, se faufilant dans une pièce adjacente à une fête pour un coup rapide. Ils se professent verbalement leur amour, puis nous obtenons un sketch étrange dans lequel les humains sont habillés comme des rongeurs et un narrateur partage des faits scientifiques sur comment, pourquoi et quand lesdits rongeurs font l’ancienne promenade de procréation.

Ensuite, un écran noir. Nous entendons les voix de Bjorn et Frida dans le noir alors qu’ils commencent maladroitement les rapports sexuels, mais sont interrompus : « Maman ! » fait une voix de petite fille. Un tas d’années ont passé. Ils ont trois enfants. Ils vivent dans un appartement. Elle travaille comme institutrice et il a un emploi de bureau à durée indéterminée. Il y a les tensions familiales habituelles à la table du dîner et à la porte pendant que les enfants se préparent pour l’école, etc. C’est un boulot pour Bjorn et Frida, et l’autre boulot – vous savez, le bien grind – a été broyé dès la sortie de leur vie. Un autre intermède se produit quelque part ici, avec des humains vêtus de costumes de ouistiti à fourrure (ou peut-être de lémurien ?), Parlant de la baisse des niveaux de testostérone.

Une carte de titre : L’ENNUI, il lit. Bjorn fait toujours des choses pour lui-même, par exemple planifier un voyage à moto à travers l’Europe avec un copain. Frida non. Peut-être qu’elle devrait, suggère Bjorn. Elle sort avec un ami divorcé et elle raconte à quel point c’est formidable d’être parent à temps partiel. Frida et Bjorn se disputent. Peut-être, suggère-t-elle, qu’ils devraient suivre une thérapie ou essayer une séparation d’essai ou amener une troisième personne au lit avec eux. Il saborde toutes ces idées, mais quand elle organise enfin une soirée avec ses amis, lui dit de laisser tomber et qu’il s’occupera des enfants le matin, pour changer. Elle tombe sur un vieil ami – une ancienne flamme ? – qui est grand et beau où Bjorn ressemble de plus en plus à l’un de ces marmousets maladroits. Pendant ce temps, il sort boire un verre avec un pote et il y a une femme de son âge qui lui propose. Il refuse. Mais chaque fois qu’il veut une petite tête, faites-le lui savoir. Alors ok!

Bjorn et Frida sont-ils condamnés ? Eh bien, nous entendons Tammy Wynette chanter la chanson où elle énonce le mot qui se produit si fréquemment dans ces situations ; Je pense qu’il y a une scène ici où un adulte en costume d’animal crache des statistiques sur le nombre de mariages qui durent réellement. Il y a aussi une séquence dans laquelle les scientifiques discutent de la physiologie de l’attirance et des différences entre les hommes et les femmes – la dopamine ceci et l’ocytocine cela, la nature ici et l’éducation là-bas, qui contribuent toutes au mélange délicieusement commun de bonheur et de misère de Bjorn et Frida.

Quels films cela vous rappellera-t-il ? : Diorama c’est un peu quoi Scènes d’un mariage serait comme si Bergman avait laissé tomber des morceaux de blague avec des acteurs habillés comme des campagnols, ou quoi Annie Salle serait comme si Woody Allen avait, eh bien, laissé tomber des morceaux de blague avec des acteurs habillés comme des campagnols.

Performances à surveiller : Le scénario de Novotny profite le plus à Tjelta. Frida est le personnage le plus cohérent et le plus complet du film, et rendu beaucoup plus sympathique et complexe que le Bjorn rigide et en colère.

Dialogue mémorable : Un narrateur résume l’émerveillement de la créature humaine : « Nous, les humains, après tout, sommes un mélange fantastique de biologie et d’intellect. »

Sexe et peau : Quelques scènes de sexe avec juste un petit bout de fesses.

Notre avis : Novotny ne cherche pas à comprendre en profondeur les mystères des partenariats humains avec Diorama – L’angle bizarre du film sur le sujet s’empêche de s’amuser plus que de percées. Elle décrit Bjorn et Frida comme un couple marié stéréotypé naviguant dans l’agitation de la crise de la quarantaine, un scénario trop familier, à la fois dans les films et dans la vraie vie, qui est néanmoins modérément engageant; vous vous retrouverez probablement du côté de Frida pour être la plus raisonnable des deux une fois que leur merde dérapera latéralement vers le désastre.

L’histoire du couple glisse lentement d’amusante à tragique alors qu’ils se lâchent avec un vicieux Kramer contre Kramer échange ou deux. Cela laisse aux séquences en coupe le fardeau d’alléger l’ensemble de l’effort, et compte tenu de leur maladresse, la vanité ne fonctionne pas vraiment; ces moments, plus loufoques que spirituels, se veulent poétiques mais finissent par déconcerter. Dans l’esprit des apartés analytiques scientifiques du film, il s’agit d’un équilibre drame / comédie à peu près 60/40, et la comédie semble faible et sans engagement. Tjelta et Dencik sont des foils dramatiques relativement forts et sont parfaitement capables de nous emmener dans un voyage émotionnel, mais, eh bien, ils ne cessent d’être interrompus par des furries. Et cela saperait l’énergie de pratiquement n’importe lequel d’entre nous.

Notre appel : DIFFUSEZ-LE. Crédit à Diorama pour avoir adopté une approche inhabituelle des matériaux conventionnels, même s’ils ne sont jamais entièrement fonctionnels. Heureusement, le film a une ancre dramatique solide à Tjelta, ce qui vaut la peine d’être regardé.

John Serba est un écrivain indépendant et critique de cinéma basé à Grand Rapids, Michigan. En savoir plus sur son travail sur johnserbaatlarge.com.

SOURCE : Reviews News

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Le film de comédie fantastique de 2014 Académie des vampires arrive sur Netflix un mois après la première de Peacock de Académie des vampires, une refonte sous forme de série également basée sur le roman YA original de Richelle Mead. La série, notamment, a été principalement développée par Julie Plec, qui a également apporté Les journaux de vampires à la CW. Mais cette version du film est aléatoire, obstruée par une terminologie surnaturelle maladroite et généralement peu convaincante, bien que Zoey Deutch fasse de son mieux pour animer les débats.

L’essentiel: Rose (Zoey Deutch) n’est pas seulement la meilleure amie de Lissa (Lucy Fry). Elle est aussi sa protectrice jurée, ou une Dhampir pour son propre Moroi, dans le jargon de Académie des vampires. Les Moroi sont des vampires non immortels qui sont également cool avec la lumière du jour, même s’ils ont ajusté leur horaire pour qu’il soit principalement nocturne, tandis que les Dhampir sont leurs protecteurs – leurs « gardiens » – et la progéniture d’un parent humain et Moroi. Mais ce qui rend Lissa et Rose encore plus proches, c’est leur connexion à un niveau intrinsèque. Grâce à de mystérieuses circonstances magiques, Rose peut entendre les pensées de Lissa, s’immerger dans ses rêves, ressentir ses émotions et même voir à travers les yeux de son amie. « Tu m’as déjà vu aller aux toilettes ? » Lissa demande à un moment donné. Ces deux-là partagent tout.

Pendant un an, Rose et Lissa ont fui Saint-Vladimir, également connue sous le nom d’académie des vampires, qui est un internat réservé aux jeunes Morois et Dhampirs. Maintenant, ils ont été renvoyés à l’entraînement et au travail en classe par le gardien stoïque Dimitri (Danila Kozlovsky), et la directrice Ellen Kirova (Olga Kurylenko) est prête à les punir – eh bien, punir Rose ; Lissa est de sang royal Moroi et pourrait être reine un jour – mais le prince âgé et malade Victor Dashkov (Gabriel Byrne) la convainc d’être indulgent avec les filles. St. Vlad’s regorge des drames habituels du lycée – comportement cliquey, geeks et parias, drame de filles méchantes – mais il a aussi un « programme d’alimentation humaine » pour son corps étudiant suceur de sang et une apparition occasionnelle de la reine Tatiana (Joely Richardson), le souverain suprême de ces anciennes races de vampires.

Rose prend son rôle de protectrice au sérieux, et quand quelqu’un ou quelque chose continue de harceler Lissa, elle prend des mesures pour essayer de faire sortir le coupable. Elle se rapproche également de Dimitri lors de sa formation des Gardiens et veille sur Natalie (Sarah Hyland), la fille ringard de Victor. Avec un drame de garçon concernant Christian (Dominic Sherwood), Mason (Cameron Monaghan) et Jesse (Ashley Charles), les circonstances étranges entourant la disparition de la professeure excentrique Mme Karp (Claire Foy) et Kirova la détestant à chaque mouvement, Rose a beaucoup à gérer car elle garde sa meilleure amie en sécurité et elle-même à l’abri du groupe de vampires maléfiques connus sous le nom de Strigoi qui continuent d’attaquer Saint-Vladimir.

Photo: Everett Collection

Quels films cela vous rappellera-t-il ? Eh bien, le nom des personnages eux-mêmes tombe Crépusculeet notre introduction aux directeurs et aux couloirs animés de l’Académie St. Vladimir est tout droit sortie du Harry Potter manuel. Mais ce sont les plaisanteries adolescentes contemporaines de Académie des vampires film du réalisateur Mark Waters Méchantes filles qui percolent ici, même si Deutch est le seul acteur à pouvoir accéder de manière convaincante au matériel.

Performances à surveiller : « Dieu, qu’est-ce qu’une fille doit faire pour obtenir une définition de ‘shadowkissed’ dans cette garce? » Zoey Deutch est toujours la meilleure chose à propos de Académie des vampiresmais Sarah Hyland de Famille moderne la célébrité a ses moments en tant que gaffe à la bouche motrice Natalie, tout comme Cameron Monaghan de Éhonté et Gotham en tant que Mason, le collègue gardien de Rose en formation.

Dialogue mémorable : Rose devient le seul personnage vraiment superposé ici, car Deutch mélange si habilement les riffs de la culture pop et du courage avec les leçons de langue tendues qui suivent la demande de trame de fond chargée du film. « Ce n’est pas tordu », dit Rose à Lissa. « Je suis votre Dhampir et vous êtes mon Moroï. Fait. Certains jours, nous sommes des adolescents fous et d’autres jours, je risque ma tête pour te protéger d’une ancienne race de vampires prédateurs, ou de qui que ce soit d’autre. Et c’est la vie.

Sexe et peau : Il y a des caresses lourdes qui se transforment en vampire – euh, Moroi – mordant, et une brève rencontre entre Rose et Dimitri quand ils sont sous l’influence de quelque chose appelé un « charme d’amour », mais sinon, rien.

Notre avis : Dieu, il y a tellement de choses à suivre. Il y a les Moroï – pas vampires des vampires, mais des vampires mortels avec des formes mineures des afflictions des suceurs de sang dont nous sommes tous conscients. Il y a les Dhampirs, mi-humains et mi-Moroi, qui s’entraînent comme les initiés des Audacieux dans Divergent. Il y a les Strigoi, des vampires maléfiques standard aux yeux rouges brillants et aux veines saillantes. Oh, attendez, avons-nous mentionné que les Moroi ont également des lignées royales concurrentes et des querelles politiques sur la succession ? Et qu’en est-il de « Spirit », une forme de magie qui puise dans les stigmates et les pouvoirs miraculeux de guérison ? Ou la nature controversée de la mastication dhampir-moroi. Ou « putains de sang ». Ou se faire baiser par l’ombre. Ou terre-majicking. Et attendre, qu’en est-il des chiens psi?! Académie des vampires est basé sur le best-seller de Richelle Mead, et il y aurait certainement plus de place dans un roman pour explorer et contextualiser tout ce langage spécialisé. Mais le scénario de la version cinématographique, de Bruyères le scénariste Daniel Waters (il est aussi le frère du réalisateur), ne cesse de jeter paresseusement ces termes dans une pile au hasard. Et puisque si peu de membres de la distribution souhaitent élaborer sur l’interaction de leurs personnages avec l’un d’entre eux – le vieux royal maladif et gâteux de Gabriel Byrne est un non-facteur, le directeur d’Olga Kurylenko est un méchant caricatural – toute la magie et le charabia secret de la race ancienne dans Académie des vampires est tellement bouillie.

Notre appel : SAUTER. Le jury ne sait toujours pas comment Académie des vampires se comportera comme une série sur petit écran. Mais le fait qu’il y ait un redémarrage suggère le swing et un échec que représente cette version cinématographique encombrée du matériel.

Johnny Loftus est un écrivain et éditeur indépendant vivant à Chicagoland. Son travail est apparu dans The Village Voice, All Music Guide, Pitchfork Media et Nicki Swift. Suivez-le sur Twitter : @glennganges

SOURCE : Reviews News

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Film Netflix Clôturé porte ce titre parce que la traduction directe de son surnom portugais, Vizinhosest Voisins, et il y a déjà trop de films qui s’appellent comme ça. Par exemple, la paire de comédies Seth Rogen / Rose Byrne, le classique de Buster Keaton et le chef-d’œuvre de la comédie décalée Belushi / Aykroyd (plus sur celui-ci dans une minute ici). Ce film brésilien dépose un couple apprivoisé Ned-et-Maude-Flander à côté dans un hippodrome hurlant de folie, une vanité trop familière dont on espère qu’elle fera rire ou trois.

CLÔTURÉ: STREAM IT OU SKIP IT ?

L’essentiel: Nous ouvrons l’intérieur du crâne de Walter (Leandro Hassum). Les synapses tirent et étincellent et je pense que son marteau, son enclume et son étrier sont sur le point de se briser et de déchirer son cerveau et de le tuer. C’est une raison aussi viable que n’importe quel film en ce qui concerne sa sensibilité au bruit, ce qui l’oblige à quitter son travail dans le commerce de détail, où il vend des batteries et des guitares à des nonnes qui ne sont pas vraiment des nonnes, mais des rockeurs de heavy metal hurlants portant des habitudes juste pour le plaisir d’un blague horriblement torturée. Son médecin dit que s’il ne quitte pas la ville surstimulante, il mourra, alors lui et sa femme Joana (Julia Rabello) font ce que n’importe qui dans cette situation ferait – ils déménagent à la campagne et plantent un jardin et élèvent des poulets dans une subdivision où ils ont des voisins qu’ils ne prennent pas la peine d’examiner à l’avance au cas où ils seraient des gens incroyablement bruyants qui organisent de gigantesques mégaparties et jouent de la batterie à l’extérieur et ont des centaines d’animaux de compagnie et s’habillent comme des clowns de cirque sur des cintreuses de sel de bain.

Mais cela n’arrive pas et ils vivent heureux et tranquillement après la fin. Non! Je mens! À côté se trouve Tony (Mauricio Manfrini), un musicien de samba qui accueille des dizaines de batteurs chez lui pour s’entraîner à 125 dB pendant des heures et des heures. La seule chose qui peut couper le vacarme est la femme de Tony, Kelly (Marlei Cevada), une reine de beauté en convalescence dont la voix aiguë et le comportement ennuyeux font ressembler Peg Bundy à un portrait d’équilibre et de retenue. Ce n’est qu’une question de temps avant que Walter et Joana n’aillent à côté pour leur demander de se calmer un peu et Walter se retrouve couvert de merde de chat avec un perroquet accroché à sa langue alors que plusieurs lignes de batterie s’éloignent et le poussent dans le précipice précaire de sa tombe. Ils l’appellent également Wally et leur grand-mère dit à plusieurs reprises qu’il est « simple d’esprit ». C’est une scène difficile.

Joana exhorte Walter à simplement prendre plus de sédatifs, sauf qu’il l’avertit que cela le rendra impuissant. Elle halète, et à ce stade, nous devenons de plus en plus conscients des défauts de personnalité vastes et tentaculaires de Joana et Walter, et de la façon dont leur mariage apparemment doux et aimant souffre de nombreux problèmes fondamentaux. Ils communiquent mal et traitent les conflits et les problèmes d’une manière qui va à l’encontre de la logique et du bon sens. Le film n’aborde pas vraiment tout cela, remarquez, et un tel sous-texte n’est pas non plus intentionnel, mais il devient de plus en plus courant qu’ils aient besoin de conseils psychologiques intensifs alors qu’ils font face à une série de situations qui commencent de manière ridicule et se développent à part entière. la manie.

Quels films cela vous rappellera-t-il ? : La comédie ultime des terribles voisins est celle de John Avildsen Voisins, un floparoo perdu de 1981 dans lequel John Belushi joue le type aux manières douces et Dan Aykroyd est le maniaque qui emménage à côté. Cathy Moriarty y est TERRIFIANTE. C’est l’un des films les plus étranges que vous verrez jamais.

Performances à surveiller : Le tiens. Mais seulement si vous atteignez la fin, car cela nécessite une tolérance de niveau olympique pour les jeux de chevaux à haut volume.

Dialogue mémorable : « Nous aimons mélanger la banane dans cette salade, Wally. » – Tony

Sexe et peau : Seulement une avalanche ennuyeuse de doubles sens parlés.

Notre avis : Donc, vous pouvez demander, Walter et Joana se sont levés et se sont déplacés assez facilement une fois auparavant, pourquoi ne le font-ils pas encore ? J’ai une réponse : Parce qu’alors Clôturé n’aurait pas un conflit de troisième acte manufacturé à jeter comme un morceau de papier froissé sur l’épaule d’un scénariste frustré (oui, il rate l’atterrissage à la poubelle) au lieu d’un conflit de troisième acte manufacturé différent qui est tellement très beaucoup plus farfelu, celui qui est télégraphié à l’avance lorsque Walter décide que la meilleure façon de contrôler la situation incontrôlable de l’animal de compagnie des voisins est d’acheter un pistolet qui tire des fléchettes tranquillisantes. Vous verrez l’inévitable résolution de cette configuration venir droit dans votre tête, juste à temps comme le train de banlieue de 3h20 de Poughkeepsie.

Ici, chaque situation est prévisible : les culottes de Walter et Joana se tordent alors que leur fille se mêle génitalement au fils de Tony et Kelly, les tentatives d’amitié entre les parties hostiles qui se retournent contre eux, l’inévitable déviation tonale vers un sentiment épais et sirupeux, les blagues sur les compagnies d’assurance qui ne couvrent pas les procédures médicales qui ne sont pas vraiment des blagues mais des réflexions sur des défauts sociétaux profonds et cruels, etc. Extrayez les malentendus, les malentendus, les détournements d’animaux, les fusillades, les doubles sens et autres fourrages comiques ennuyeux, et il ne resterait plus rien de ce film. Hassum frappe en tant que comédien physique doué – quelque part entre M. Bean et Jerry Lewis – laissé pour mugir et bégayer, mugir et bégayer, mugir et bégayer son chemin à travers un scénario impitoyable avec des clichés. Il broie le caillou occasionnel d’inspiration d’improvisation, mais sa performance n’évoque que de tristes images de Sisyphe et du rocher.

Notre appel : Clôturé est coloré, dans le sens où se faire jeter un seau de peinture sur la tête est également coloré. C’est strident et ennuyeux et ça fait à peine rire. SAUTER.

John Serba est un écrivain indépendant et critique de cinéma basé à Grand Rapids, Michigan. En savoir plus sur son travail sur johnserbaatlarge.com.

SOURCE : Reviews News

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Owen Wilson est un gaucher débile devenu super-héros dans Quartier général secret, un film familial joyeux maintenant sur Paramount +. Les réalisateurs Ariel Schulman et Henry Joost sont passés de l’horreur (quelques Activité paranormales) aux films humains surpuissants sans franchise, à commencer par la sortie Netflix de 2020 Puissance du projet, qui était bien plus violemment notée R. Ainsi va QG secret être convenablement divertissant POUR LES ENFANTS DE TOUS ÂGES, ou quoi ?

L’essentiel: La nuit. Un lieu boisé éloigné. La famille Kincaid fait rôtir des plats à rôtir sur son feu de camp lorsque zoomcrashbangboom, les lumières traversent le ciel et frappent la terre avec un whoomph enflammé à proximité. Jack (Owen Wilson) dit à tout le monde de rester assis pendant qu’il vérifie, car aucune aide d’urgence n’arrivera bientôt. Il saute dans sa camionnette VW vert armée avec l’autocollant de pare-chocs « rendez l’Amérique verte à nouveau » – veuillez noter que le gars est un gaucher – et trouve le site de l’accident. Un pilote de l’Armée de l’Air (Jesse Williams) est toujours en vie et regarde, eh bien Goldarnit, un maudit OVNI, pouvez-vous le croire ? Une chose orbe rougeoyante émerge de l’engin et enveloppe Jack dans une sorte de bulle folle et hé, devinez quoi, je pense que c’est une HISTOIRE D’ORIGINE !

Sous-titre : 10 ANS PLUS TARD. Jack n’est jamais jamais jamais jamais jamais là. Manque toujours les matchs de baseball de son fils de 13 ans, Charlie (Walker Scobell). «Un travail très important à faire», est son excuse. Dans les rares occasions où Jack fait des projets avec Charlie, il doit presque toujours annuler. Jack a une maman, Lily (Jessie Mueller), et je pense qu’elle et Jack sont divorcés ou quelque chose comme ça ; cette partie est pâteuse et floue comme une vieille pêche moisie. Charlie a un meilleur ami nommé Berger (Keith L. Williams), et ils écrasent totalement leurs camarades de classe Maya (Momona Tamada) et Lizzie (Abby James Witherspoon, nièce de Reese). Il y a un reportage télévisé dans la maison de Charlie sur un super-héros surnommé The Guard – une fusion visuelle d’Iron Man et d’un Power Ranger – qui prend à lui seul une part importante du crime et de la guerre à l’échelle mondiale, quelque chose Ansel Argon (Michael Pena), PDG d’un fabricant d’armes militaires, ne dit pas qu’il n’aime pas beaucoup, mais c’est sous-entendu.

Là. Vous avez maintenant toutes les pièces. Veuillez les assembler dans un scénario de film. Ici, je vais vous aider à démarrer : c’est l’anniversaire de Charlie, et Jack a enfin le temps de créer des liens père-fils. Ils vont à la garçonnière de Jack, qui se trouve dans un endroit éloigné, et juste au moment où ils sont en train de jouer à des jeux vidéo sur une console de marque spécifique et de manger une pizza surgelée de marque spécifique, Jack est appelé pour faire un peu plus travail très important. Quel genre de travail Jack dit-il faire ? Vous l’avez compris – des trucs informatiques! Alors, quand Jack vamoose, Charlie appelle ses copains susmentionnés pour sortir, et que pensez-vous qu’ils découvrent ? (Indice : c’est juste là dans le titre du film.) Et est-ce un moment loin d’être opportun pour eux d’être dans un certain endroit quand un certain méchant précédemment établi veut violer ledit certain endroit pour trouver certaines choses qui pourraient presque certainement résoudre certains de ses problèmes de solvabilité ? PAS DE SPOILERS FRÈRE.

Photo : Paramount+

Quels films cela vous rappellera-t-il ? : Quartier général secret prend le Ciel haut scénario et la Homme de fer scénario et les mélange comme un jeu de cartes.

Performances à surveiller : Avouons-le – personne ne fait de gros efforts ici, de manière dramatique ou, malheureusement, comique. Walker Scobell gère habilement le rôle de protagoniste du film, mais le matériau assez fade ne lui permet pas de montrer les éclairs de couleur et d’esprit que nous avons vus de lui dans Le projet Adam.

Dialogue mémorable : Le personnage de Pena n’est pas au-dessus des insultes du collège : « Tu me rappelles un pet. »

Sexe et peau : Aucun.

Notre avis : Quartier général secret vise l’amabilité, l’affabilité et l’agréabilité (et probablement quelques autres capacités), et pour cette seule raison, c’est un film familial parfaitement consommable pour l’ère du Streaming. Le script contient quelques doublures moyennement vives (« Je ne savais pas que c’était Zéro sombre trente ici ! », « Ce n’est pas le moment d’exprimer des griefs ! »), met une distribution diversifiée de jeunes acteurs au centre de certaines manigances à forte teneur en effets spéciaux (que pensez-vous qu’il se passe quand ils découvrent des jetpacks et des baguettes magnétiques ? ) et jette quelques égratignures rapprochées modérément violentes qui ne sont pas particulièrement suspensives car la conclusion du conflit est tellement perdue que vous l’avez vue venir dès que vous avez lu le résumé en une ligne de Paramount. Le tout dans une journée de travail de création de produits !

Il s’agit donc d’un divertissement de malbouffe, exécuté par des professionnels avec un budget modeste, sain et non offensant, coloré et bref d’un peu plus de 90 minutes. (Le véhicule de la Garde déploie une arme surnommée The Discombobulator, et c’est un soulagement de regarder un film d’action qui ne tire pas son équivalent de montage de film sur nous, conservant sa clarté visuelle même lorsque les choses deviennent mouvementées.) C’est aussi sans défi, trop familier et susceptible d’inspirer tout téléspectateur de plus de 13 ans environ après environ une heure. Schulman et Joost le gardent lisse et vif, travaillant à travers le fourrage de l’intrigue passe-partout – béguins d’adolescents, légère discorde familiale, le destin du monde et autres divers. banalités – d’autant plus facile pour le film de glisser et de ne pas laisser beaucoup d’impression, mais bon, au moins les enfants ne regardent pas les bouches à moteur hurlantes de YouTube, n’est-ce pas?

Notre appel : Je sais. Faible éloge pour Quartier général secret. C’est bon. Utiliser une fois et détruire. Allez-y et STREAM IT et soyez à 51% amusé et à 49% sans émerveillement.

John Serba est un écrivain indépendant et critique de cinéma basé à Grand Rapids, Michigan. En savoir plus sur son travail sur johnserbaatlarge.com.

Flux Quartier général secret sur Paramount+

SOURCE : Reviews News

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Exclusivité Paramount+ Jerry et Marge deviennent grands dépose les gros frappeurs Bryan Cranston et Annette Bening dans un film BOATS (basé sur une histoire vraie, mon frère) tout doux, jouant les retraités d’une petite ville du Michigan qui ont compris comment jouer le système de loterie à leur avantage. Un article du HuffPo de 2018 a détaillé comment un as de la résolution d’énigmes et sa femme ont rapporté 27 millions de dollars, ce qui est exactement le type d’histoire qui pourrait être transformée en un film sur un couple qui a utilisé cette pâte pour revitaliser leur ville en difficulté, et sur un math Un type intelligent qui apprend enfin comment mieux se comporter avec les autres êtres humains.

L’essentiel: Jerry (Cranston) travaille à l’usine de flocons de céréales depuis 42 ans. C’est un supérieur hiérarchique, mais la ligne qu’il gère est en train d’être fermée, donc ses options sont la retraite, ou bien la retraite. Il préfère ne pas le faire, mais c’est comme ça que les flocons de céréales s’effritent. Marge (Bening) est ravie d’avoir enfin beaucoup de temps de qualité à passer avec son mari, mais l’air mélancolique qui l’entoure signifie qu’il n’y a pas beaucoup de sucre saupoudré sur ce bol de flocons de céréales. Il marmonne et marmonne à travers son mécontentement. Le bateau de pêche que son fils Ben (Jake McDorman) et sa fille Dawn (Anna Camp) ont mis à contribution pour l’acheter pour un cadeau de retraite n’est tout simplement pas le lait dont il a besoin pour ramollir adéquatement ses flocons de céréales, et je promets de mettre le kibosh sur cette métaphore à partir de maintenant, mais je dois également mentionner qu’un accident avec le bateau trouve Gerry donnant un coup de pied au bateau dans une affaire presque aussi comique que lorsqu’un Walter White agité a jeté une pizza sur le toit.

Jerry a toujours été un absolu maniaque quand il s’agit de chiffres. Il peut calculer la merde sur une serviette comme très peu le peuvent. Un jour, il prend une brochure de loterie et découvre une faille dans le jeu WinFall, alors, sans le dire à Marge, il retire quelques mille dollars, achète quelques milliers de billets et fait un joli profit. La prochaine fois, il dépense plus et gagne plus, 15 700 $, qu’il cache dans une boîte de céréales de blé-biscuit enrobées de sucre. (Cette entreprise de petit-déjeuner en particulier obtient beaucoup de placement de produit dans ce film.) Il n’est pas du genre à être sournois, alors il avoue sa petite entreprise à Marge, dont les yeux s’illuminent. Elle veut en faire partie. Ils ont vraiment besoin d’excitation dans leur vie. Jouer au gin avec les voisins, c’est pas cool. Et en plus, ils ne prennent jamais de risques, et ils n’ont pas eu de relations sexuelles depuis très longtemps. « Soyons un peu stupides », dit-elle. « Nous nous sommes mariés quand nous avions 17 ans, donc nous savons comment faire. »

Et donc Jerry et Marge prennent les gains WinFall et achètent plus de billets de loterie – plus l’investissement est important, plus le retour est important. Le Michigan ferme le jeu WinFall, mais il est toujours actif dans le Massachusetts, alors ils emballent leurs coupons et leurs casseroles surgelées pour des voyages à travers le pays dans leur bonne vieille camionnette, ravivant leur relation en cours de route. Pendant ce temps, leur petite ville d’Evart, dans le Michigan, est en difficulté. Le comptable local n’a pas assez de clients, il travaille donc à temps partiel comme agent de voyages en ligne. Le glacier est fermé. Le pavillon où ils avaient l’habitude d’avoir Jazz Fest est délabré. Jerry et Marge forment un partenariat avec des amis et des citadins, leur permettant d’investir encore plus dans leur système de loterie – qui est totalement légal, notez-le – afin qu’ils puissent aider à faire d’Evart la communauté dynamique qu’elle était; ils enchaînent même le gérant du dépanneur goofball (Rainn Wilson) avec qui ils se lient d’amitié, puisqu’il les aide à imprimer des milliers de billets.

Pendant ce temps également, un journaliste chargé d’écrire des histoires de loterie pour les pages vues (un événement 100% légitime et peut-être assez triste dont j’ai été témoin de première main alors que je travaillais dans un journal) repère des anomalies intéressantes dans les résultats de WinFall. Et En plus pendant ce temps, un pissant arrogant d’un étudiant de Harvard, Tyler (Uly Schlesinger) décode également l’échappatoire WinFall, créant ainsi un drame dans le film, qui ne peut pas simplement être heureux-heureux-joie-joie tout le temps – tu dois en avoir enjeux de peur que ce ne soit qu’un bol de cerceaux secs multicolores aromatisés aux fruits, n’est-ce pas ?

Photo : Jake Giles Netter/Paramount+

Quels films cela vous rappellera-t-il ? : Cet épisode de Seinfeld avec le système de dépôt de bouteilles croisé avec les accents familiers loufoques et la langue de Fargo et le titre qui rime (et les accents et la langue familière maladroits, même si c’est totalement fictif) de Barb et Star vont à Vista del Mar.

Performances à surveiller : Vous ne pouvez pas vous empêcher de reculer un peu en regardant Cranston et Bening se pencher sur les caractérisations idiomatiques gee-whiz fuddy-duddy des Michiganders, qui sont à environ 30% précises, 70% des perceptions caricaturales de ce que les gens sur les côtes pensent Midwesters sont comme.

Dialogue mémorable : L’état du mariage de Jerry et Marge :

Marge : J’ai attendu 40 ans pour qu’il n’y ait que nous, et jusqu’à présent, nous sommes un peu nuls.

Jerry : Nous avons Péril.

Sexe et peau : Jerry et Marge s’embrassent et tombent dans un lit hors cadre. Donc, aucun.

Notre avis : Bien sûr, nos deux directeurs bien-aimés vont grand et large, parce que c’est ce qu’on leur demande de faire, Jerry et Marge étant un film calculé pour générer une bouillie chaude et agréable – c’est plus de la farine d’avoine au micro-ondes que le petit-déjeuner à base de son de lait qui reste croustillant, optimal pour la santé du côlon. Ce qui ne veut pas dire que ça a mauvais goût ; c’est juste trop familier, la même propagation avec laquelle nous avons rompu notre jeûne plusieurs fois auparavant.

Il y a une comédie digne d’un demi-sourire à avoir ici, dans le dialogue parfois amusant du scénario, les excentricités de Wilson, les manières pointilleuses de Cranston et notre incapacité à éviter Breaking Bad comparaisons, en particulier lorsque Jerry empile des bacs sur des bacs de billets de loterie dans le garage (faut être prêt pour l’appel du fisc !), qui commence à ressembler à l’unité de stockage de Walter White pleine d’argent. La différence est, Jerry et Marge remue dans des montages optimistes, des discours inspirants et suffisamment de schmaltz sirupeux pour faire un type de petit-déjeuner totalement différent. Votre tolérance pour de telles choses peut varier, mais en ce qui concerne les formules populaires, ce n’est pas indigeste.

Notre appel : DIFFUSEZ-LE. Jerry et Marge deviennent grands est regardable, un film agréable, tout à fait adéquat et copacétique, assez pour lui valoir une recommandation incroyablement marginale.

John Serba est un écrivain indépendant et critique de cinéma basé à Grand Rapids, Michigan. En savoir plus sur son travail sur johnserbaatlarge.com.

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Netflix lance des films comme La colère de Dieu aplomb vicieux. Il y a probablement un thriller générique parfois macabre, écrit à la hâte comme celui-ci pour chaque langue sur le marché international du streamer, rendu rapidement consommable afin qu’il puisse monter en flèche dans le top 10 des films pendant un jour ou trois, puis se fondre dans le jamais- approfondissement de la fosse de goudron d’un menu à l’écran, où il peut mi-vie jusqu’à la désintégration. Celui-ci est argentin, basé sur un roman de Guillermo Martinez et, comme vous êtes sur le point de le découvrir, se soucie à peine de se différencier des innombrables autres films.

L’essentiel: Cela commence par des applaudissements enthousiastes pour Kloster (Diego Peretti), un romancier riche et célèbre qui vient de lire une partie de son nouveau livre pour une foule en adoration. Ils veulent tous une photo ou un autographe, sauf Esteban Rey (Juan Minujin), qui fait un geste vers un balcon. Luciana (Macarena Achaga) est là-haut. Elle a l’air désespérée, comme si elle n’avait pas dormi depuis des semaines. Si elle ne voit pas Kloster, elle fera une scène. Il monte là-haut. Coupé à Rey, et hors écran, quelque chose fait un bruit sourd. Maintenant, avant d’aller plus loin, il semble important de vous faire savoir qu’il s’agit de l’une de ces offres de type serre-livre narratif, où le film passe à une autre scène avec une musique très dramatique et un sous-titre qui lit quelque chose comme 12 ANS PLUS TÔT. Et à partir de là, le film revient à la scène de l’ouverture. Vous savez comment cela se passe – pourquoi commencer avec une chose ennuyeuse et passer à la chose excitante quand vous pouvez couper la chose excitante en deux et mettre un morceau à l’avant et un morceau à la fin ?

Donc : 12 ANS PLUS TÔT. C’est alors que Luciana était l’assistante de Kloster, prenant la dictée d’un de ses romans. Il arpente la pièce et articule pendant qu’elle tape. Est-ce que les gens écrivent comme ça ? Je pensais que cela avait plus à voir avec la misérable sueur de l’écrivain qui s’infiltrait dans le clavier. Quoi qu’il en soit, Luciana aime la petite fille de Kloster, et ils jouent à la poupée ensemble, et la femme de Kloster semble un peu décalée, peut-être parce qu’une blessure fatale a détruit sa carrière de ballet. Coupure sur : AUJOURD’HUI, mais c’est un mensonge ! Un putain de mensonge ! Parce que si c’est le jour présent, alors la scène d’ouverture avec la lecture du livre et le bruit sourd serait une scène de (cue eerie theremin music) LE FUTUR. En vérité, nous devons encore travailler jusqu’à la scène du coup, à partir de cette scène, dans laquelle Rey est assis à son bureau au journal, ce qui est clairement un jour ou 10 avant le jour actuel.

Mais! Nous ne restons pas très longtemps dans le (PAS VRAIMENT LE) JOUR PRÉSENT avant qu’il ne revienne 12 ANS PLUS TÔT, lorsque Luciana aussi a travaillé comme assistant de Rey, car lui aussi, à l’époque, dictait ses romans au lieu de se torturer intensément en solitaire sur un ordinateur portable. Revenons ensuite aux jours précédant le JOUR PRÉSENT, lorsque Luciana demande de l’aide à Rey, maintenant une journaliste hagarde atteinte d’une halitose permanente liée à l’alcool, car elle est absolument certaine que Kloster a assassiné sa famille une par une au cours de la dernière (vous avez deviné il) 12 ANS.

Revenons donc à 12 ANS PLUS TÔT (note : ces sous-titres n’apparaissent pas à chaque fois ; je suis reconnaissant d’avoir pris des notes), lorsque Kloster interprète mal un geste innocent de Luciana et dépose un gros bisou sur sa bouche. Elle sort, dépose une plainte pour harcèlement sexuel, s’assoit pour une médiation avec des avocats et autres, et Kloster entre juste en ressemblant à quelques kilomètres de mauvaise route, lui fait un chèque et sort. Hein. C’est alors que Luciana apprend que la femme et la fille de Kloster sont mortes, et comment cela s’est passé, je ne peux pas gâcher. Le temps passe, mais pas tellement de temps que nous rattrapons le JOUR PRÉSENT, peut-être plus comme un mois ou trois ou un an, et Luciana et sa famille – maman, papa, deux frères aînés, une sœur cadette – sont en vacances au plage et son frère le sauveteur se noie et qui se tient là sauf Kloster. L’intrigue s’épaissit !

Photo : Netflix

Quels films cela vous rappellera-t-il ? : Pas Aguirré ou Khan — pas du tout, merci. Choisissez un film générique de vengeance ou de tueur en série, n’importe quel film générique de vengeance ou de tueur en série. De préférence celui qui a d’abord été diffusé sur le câble de base. J’ai dû rechercher des films dont j’avais oublié l’existence afin de me souvenir qu’ils existaient : M. Brooks peut-être, ou Manoir de Cold Creekpoubelle comme ça.

Performances à surveiller : Peretti et Minujin semblent organiser un concours pour voir qui peut dégager les vibrations les plus intenses de Gabriel Byrne. Appel difficile, mais j’irais avec Peretti.

Dialogue mémorable : Kloster s’enflamme : « Pendant des années, j’ai essayé d’imaginer pourquoi elle inventait ces histoires contre moi… L’une des trois raisons – la folie, la cruauté ou la culpabilité. »

Sexe et peau : Pas grand-chose – un plan POV effrayant de Kloster regardant la chemise de Luciana.

Notre avis : La colère de Dieu est une sacrée page-chaudière, je vous le dis, un vrai pot-turner. C’est l’équivalent cinématographique d’un roman à suspense que vous ramasseriez à l’aéroport, que vous liriez en deux heures, que vous laisseriez dans la poche du siège et que vous oublieriez complètement avant que l’agent de bord ne dise au revoir. Mais on a l’impression que le film souhaite que ce soit plus que cela, avec ses fréquentes références à la bêtise biblique œil pour œil, et ce titre, qui pourrait avoir du sens si vous étirez la ceinture élastique d’une paire d’interprétation littéraire de sous-vêtements jusqu’à ce qu’il se brise et laisse une marque rouge sur votre cul. Le film caractérise Kloster comme un génie littéraire qui s’exprime fréquemment dans des tons insupportablement prétentieux sur les thèmes grandioses de son travail, mais ce qu’il dicte à Luciana ressemble à un passe-partout sombre et meurtrier – une métaphore involontaire du film lui-même, peut-être.

Le film nous demande de rester à bord pour voir si l’accusation de Luciana est vraie ou si elle est vraiment folle. Kloster est-elle derrière l’horrible dépeuplement de sa famille ? Ou ce scénario n’est-il qu’un empilement fou de coïncidences de 40 voitures ? Nous sommes tentés de croire la chaste fille d’un pasteur plus que le vieux crétin lugubre et sinistre hanté par la mort de sa propre famille. Pourquoi autre s’amuserait-il constamment dans la merde douteuse de la moralité de l’Ancien Testament ? Mais difficile de se sentir investi dans cette dynamique trop cuite quand les personnages sont ténus, le ton nous étouffe de sérieux, la chronologie est piratée pour le barbecue (mon ROYAUME pour un récit LINÉAIRE !) et la conclusion n’est pas surprenante ou provocateur ou particulièrement satisfaisant, même à un niveau superficiel. C’est un truc couleur par chiffres qui se fait passer pour un Rembrandt. OK, peut-être juste mineure Rembrandt. Mais l’idée reste risible.

Notre appel : Colère de Dieu? Plus comme Souffle de chien! SAUTER.

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L’essentiel: Cela commence par des applaudissements enthousiastes pour Kloster (Diego Peretti), un romancier riche et célèbre qui vient de lire une partie de son nouveau livre pour une foule en adoration. Ils veulent tous une photo ou un autographe, sauf Esteban Rey (Juan Minujin), qui fait un geste vers un balcon. Luciana (Macarena Achaga) est là-haut. Elle a l’air désespérée, comme si elle n’avait pas dormi depuis des semaines. Si elle ne voit pas Kloster, elle fera une scène. Il monte là-haut. Coupé à Rey, et hors écran, quelque chose fait un bruit sourd. Maintenant, avant d’aller plus loin, il semble important de vous faire savoir qu’il s’agit de l’une de ces offres de type serre-livre narratif, où le film passe à une autre scène avec une musique très dramatique et un sous-titre qui lit quelque chose comme 12 ANS PLUS TÔT. Et à partir de là, le film revient à la scène de l’ouverture. Vous savez comment cela se passe – pourquoi commencer avec une chose ennuyeuse et passer à la chose excitante quand vous pouvez couper la chose excitante en deux et mettre un morceau à l’avant et un morceau à la fin ?

Donc : 12 ANS PLUS TÔT. C’est alors que Luciana était l’assistante de Kloster, prenant la dictée d’un de ses romans. Il arpente la pièce et articule pendant qu’elle tape. Est-ce que les gens écrivent comme ça ? Je pensais que cela avait plus à voir avec la misérable sueur de l’écrivain qui s’infiltrait dans le clavier. Quoi qu’il en soit, Luciana aime la petite fille de Kloster, et ils jouent à la poupée ensemble, et la femme de Kloster semble un peu décalée, peut-être parce qu’une blessure fatale a détruit sa carrière de ballet. Coupure sur : AUJOURD’HUI, mais c’est un mensonge ! Un putain de mensonge ! Parce que si c’est le jour présent, alors la scène d’ouverture avec la lecture du livre et le bruit sourd serait une scène de (cue eerie theremin music) LE FUTUR. En vérité, nous devons encore travailler jusqu’à la scène du coup, à partir de cette scène, dans laquelle Rey est assis à son bureau au journal, ce qui est clairement un jour ou 10 avant le jour actuel.

Mais! Nous ne restons pas très longtemps dans le (PAS VRAIMENT LE) JOUR PRÉSENT avant qu’il ne revienne 12 ANS PLUS TÔT, lorsque Luciana aussi a travaillé comme assistant de Rey, car lui aussi, à l’époque, dictait ses romans au lieu de se torturer intensément en solitaire sur un ordinateur portable. Revenons ensuite aux jours précédant le JOUR PRÉSENT, lorsque Luciana demande de l’aide à Rey, maintenant une journaliste hagarde atteinte d’une halitose permanente liée à l’alcool, car elle est absolument certaine que Kloster a assassiné sa famille une par une au cours de la dernière (vous avez deviné il) 12 ANS.

Revenons donc à 12 ANS PLUS TÔT (note : ces sous-titres n’apparaissent pas à chaque fois ; je suis reconnaissant d’avoir pris des notes), lorsque Kloster interprète mal un geste innocent de Luciana et dépose un gros bisou sur sa bouche. Elle sort, dépose une plainte pour harcèlement sexuel, s’assoit pour une médiation avec des avocats et autres, et Kloster entre juste en ressemblant à quelques kilomètres de mauvaise route, lui fait un chèque et sort. Hein. C’est alors que Luciana apprend que la femme et la fille de Kloster sont mortes, et comment cela s’est passé, je ne peux pas gâcher. Le temps passe, mais pas tellement de temps que nous rattrapons le JOUR PRÉSENT, peut-être plus comme un mois ou trois ou un an, et Luciana et sa famille – maman, papa, deux frères aînés, une sœur cadette – sont en vacances au plage et son frère le sauveteur se noie et qui se tient là sauf Kloster. L’intrigue s’épaissit !

Photo : Netflix

Quels films cela vous rappellera-t-il ? : Pas Aguirré ou Khan — pas du tout, merci. Choisissez un film générique de vengeance ou de tueur en série, n’importe quel film générique de vengeance ou de tueur en série. De préférence celui qui a d’abord été diffusé sur le câble de base. J’ai dû rechercher des films dont j’avais oublié l’existence afin de me souvenir qu’ils existaient : M. Brooks peut-être, ou Manoir de Cold Creekpoubelle comme ça.

Performances à surveiller : Peretti et Minujin semblent organiser un concours pour voir qui peut dégager les vibrations les plus intenses de Gabriel Byrne. Appel difficile, mais j’irais avec Peretti.

Dialogue mémorable : Kloster s’enflamme : « Pendant des années, j’ai essayé d’imaginer pourquoi elle inventait ces histoires contre moi… L’une des trois raisons – la folie, la cruauté ou la culpabilité. »

Sexe et peau : Pas grand-chose – un plan POV effrayant de Kloster regardant la chemise de Luciana.

Notre avis : La colère de Dieu est une sacrée page-chaudière, je vous le dis, un vrai pot-turner. C’est l’équivalent cinématographique d’un roman à suspense que vous ramasseriez à l’aéroport, que vous liriez en deux heures, que vous laisseriez dans la poche du siège et que vous oublieriez complètement avant que l’agent de bord ne dise au revoir. Mais on a l’impression que le film souhaite que ce soit plus que cela, avec ses fréquentes références à la bêtise biblique œil pour œil, et ce titre, qui pourrait avoir du sens si vous étirez la ceinture élastique d’une paire d’interprétation littéraire de sous-vêtements jusqu’à ce qu’il se brise et laisse une marque rouge sur votre cul. Le film caractérise Kloster comme un génie littéraire qui s’exprime fréquemment dans des tons insupportablement prétentieux sur les thèmes grandioses de son travail, mais ce qu’il dicte à Luciana ressemble à un passe-partout sombre et meurtrier – une métaphore involontaire du film lui-même, peut-être.

Le film nous demande de rester à bord pour voir si l’accusation de Luciana est vraie ou si elle est vraiment folle. Kloster est-elle derrière l’horrible dépeuplement de sa famille ? Ou ce scénario n’est-il qu’un empilement fou de coïncidences de 40 voitures ? Nous sommes tentés de croire la chaste fille d’un pasteur plus que le vieux crétin lugubre et sinistre hanté par la mort de sa propre famille. Pourquoi autre s’amuserait-il constamment dans la merde douteuse de la moralité de l’Ancien Testament ? Mais difficile de se sentir investi dans cette dynamique trop cuite quand les personnages sont ténus, le ton nous étouffe de sérieux, la chronologie est piratée pour le barbecue (mon ROYAUME pour un récit LINÉAIRE !) et la conclusion n’est pas surprenante ou provocateur ou particulièrement satisfaisant, même à un niveau superficiel. C’est un truc couleur par chiffres qui se fait passer pour un Rembrandt. OK, peut-être juste mineure Rembrandt. Mais l’idée reste risible.

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Après une dizaine d’années d’obscurité, une sorte de film d’éclaboussures de culte de camp perdu depuis longtemps Tout sur le mal fait ses débuts officiels en Streaming, et le film doit sûrement remercier la carrière renaissante de Natasha Lyonne. Initialement sorti en 2010, le film met en vedette un post-Tarte américaine et –Mais je suis une pom-pom girlpré-Orange est le nouveau noir et –Poupée russe Lyonne en tant que propriétaire de cinéma homicide qui réalise des courts métrages de ses crimes odieux afin de sauver l’entreprise. Il est écrit et réalisé par Joshua Grannell, mieux connu sous le nom de Peaches Christ, interprète de drag de San Francisco, qui avait assez de poids pour décrocher Mink Stole, un habitué de John Waters, et Elvira elle-même, Cassandra Peterson, pour des rôles de soutien. Cela semble amusant, n’est-ce pas?

L’essentiel: Papa a toujours voulu que la petite Debbie soit actrice, mais un incident malheureux – elle s’est mouillée sur scène devant un théâtre plein de monde, amortissant le cordon du microphone et s’électrocutant, je DÉTESTE quand cela arrive – semble l’avoir fait coucou en permanence . Deb (Lyonne) grandit pour devenir une (pouah) bibliothécaire avec une moyenne Fiancée de Frankenstein mèche dans les cheveux qui dirige des films d’horreur cultes (par exemple Festin de sang) au cinéma bien-aimé de son père à San Fran, le Victoria Theatre, à une poignée de cinglés géniaux qui apprécient ce genre de choses. Mais une poignée de cinglés ne garde pas l’endroit hors du rouge. Lorsque la harpie violente d’une mère de Deb (Julie Caitlin Brown) se déplace pour vendre l’endroit et inflige sa énième insulte cruelle à sa fille, Deb claque et plante son stylo Bic dans le cou de maman. Et le torse. Beaucoup de temps. Le sang gicle partout, et il y a l’adorable visage espiègle de Natasha Lyonne tout enduit et éclaboussé de substance rouge. Soigné!

Le destin/coïncidence prend alors part à l’histoire : cet incident merveilleusement horrible a été filmé par des caméras de sécurité et diffusé ensuite sur l’écran du théâtre par une douzaine des cinglés susmentionnés, qui pensent que c’est super cool. L’un de ces crétins est Steve (Thomas Dekker), un lycéen dont la mère (Peterson) s’inquiète qu’il regarde trop de films sanglants – et dont le directeur pense qu’il est sur le point de (préparez-vous à serrer les dents ici) tirer sur l’école . Pendant ce temps, Deb commence à se faire passer pour la cinéaste / actrice Deborah Tennis (rime avec « Denise »), recrutant son projectionniste décrépit (Jack Donner) et quelques autres perdants pour aider à faire des courts métrages meurtriers avec des titres punny comme Une histoire de deux seins coupés, qu’elle montre à des publics de plus en plus nombreux – des publics qui ne savent pas qu’ils regardent des films à priser. PAS DE SPOILERS, mais ça ne va probablement pas bien finir.

Photo: frisson

Quels films cela vous rappellera-t-il ? : Tout sur le mal pourrait être à peu près aussi proche que possible d’un film de John Waters ces jours-ci, étant donné qu’il n’en a pas réalisé un depuis 18 très longues années. Alors pense Maman en série si c’était plus giallo.

Performances à surveiller : Donner – décédé en 2019 à l’âge de 90 ans – est le type de gentleman à l’allure distinctive dont la notoriété en partie dans Star Trek, Syfy originaux et plus encore, lui ont sûrement valu de nombreuses chaises sur des panneaux lors de conventions de science-fiction et d’horreur. Il vole une scène ou trois dans Tout sur le mal et est un peu plus charismatique que Lyonne, qui ne va pas aussi loin que nous le voudrions.

Dialogue mémorable : « Pourquoi n’allez-vous pas trouver la mère de Theresa et harceler son! » – Déborah

Sexe et peau : Seins féminins pré et post-coupés.

Notre avis : Tout sur le mal est un hommage/satire/parodie à/de toutes sortes de films d’horreur, de Psycho à Le brillant à n’importe quel nombre de slashers merdiques des années 80. Grannell copie son ton ironique en gros de Waters, et même si le film est parfois excessivement sanglant, il ne correspond pas tout à fait à la soif d’extrémité tabou du maître du cinéma culte – pas que quiconque devrait même essayer, puisque nous avons vu assez de coprophagie pour durer toute une vie, n’est-ce pas ?

Le but ici est des rires macabres, et Grannell réussit la plupart du temps, même si les gags et les meurtres manquent de créativité et d’originalité pour inspirer de grands rires et des halètements. L’intrigue semble rembourrée avec le drame ringard du lycée du personnage de Steve, une autre couche de parodie dont le film n’a probablement pas besoin. Mais nous sommes probablement ici pour regarder Lyonne, qui se penche sur le schlock parce qu’elle le doit à peu près, mais maintient suffisamment le noyau mélancolique de son personnage pour faire de l’histoire de Deborah une tragédie silencieuse. Son approche ne fonctionne pas tout à fait; vous pouvez vous retrouver à essayer de la pousser à manger un peu plus le paysage, à perdre une vis et à y aller. Ce n’est pas un dealbreaker, cependant – Grannell compense largement avec une énergie aimablement gonzo-camp.

Notre appel : Il y a suffisamment de doublures délibérément ringardes et quasi pleines d’esprit et d’amour général pour les films d’horreur dans le scénario de Grannell pour faire Tout sur le mal mérite une montre pour le bon public – et vous savez qui vous êtes. DIFFUSEZ-LE.

John Serba est un écrivain indépendant et critique de cinéma basé à Grand Rapids, Michigan. En savoir plus sur son travail sur johnserbaatlarge.com.
Diffusez-le ou sautez-le: ‘All About Evil’ sur Shudder, XXXXXXXXXXxx

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Maintenant en VOD, Petite Maman est la suite de la cinéaste Céline Sciamma au magistral de 2019 Portrait d’une dame en feu, alors oui, hé là, prenez note, s’il vous plaît. Les deux sont des films calmes, réfléchis, contemplatifs, mais où Portrait était richement sensuelle de manière sexy et non sexy, Petite MamanLe charme de découle de son innocence juvénile, étant l’histoire d’une fillette de huit ans faisant face à une perte importante et rencontrant quelque chose de magique dans la forêt.

L’essentiel: Nelly (Josephine Sanz) va de chambre en chambre dans la maison de retraite, disant au revoir, au revoir, au revoir aux femmes âgées avec lesquelles elle s’est liée d’amitié. La dernière pièce dans laquelle elle entre est vide à l’exception de sa mère (Nina Meurisse) et d’un lourd sentiment de perte. Nelly demande si elle peut garder la canne appuyée contre le lit. Maman dit oui. Ils montent dans la voiture et suivent le père de Nelly (Stéphane Varupenne) dans un gros camion. Nelly sort quelques collations et grignote. Gros plan sur Mère pendant qu’elle conduit : une petite main sort de l’écran pour lui donner des gribouillis au fromage, puis une gorgée d’une boîte de jus. Maman sourit un peu et deux petites mains passent autour du dossier du siège pour la serrer dans ses bras.

Il est tard quand ils arrivent à la maison. Maman porte Nelly. Il fait noir et les meubles sont recouverts de draps. Le lendemain, Nelly interroge sa mère sur la cabane dans les bois dans laquelle elle a joué lorsqu’elle était enfant. Elle le lui montrera quand elle aura le temps, dit maman, mais maintenant, papa et elle doivent nettoyer la maison de grand-mère. Nelly erre seule dans les bois, trouve un grand arbre déraciné, trouve une clairière paisible, trouve une souche avec un trou pour pouvoir reculer de quelques pas et y jeter des glands. Elle revient et s’assoit avec sa mère pendant qu’elle regarde à travers ses affaires d’enfance. Cette nuit-là, Nelly et Mère sont assises dans le noir. « Le dernier au revoir n’a pas été bon. Parce que je ne le savais pas », dit Nelly. Mais elle ne pouvait pas savoir, personne ne pouvait savoir, répond Mère. Ils finissent par dormir ensemble sur un canapé et quand Nelly se réveille, maman est partie. Il fallait qu’elle parte, dit Père, en laissant dans le flou, bien que nous sachions peut-être tous à quel point c’était dur pour elle d’être là.

Nelly sort pour explorer, passe devant l’arbre déraciné et se dégage jusqu’à l’endroit avec les quatre arbres où se trouvait la hutte de Mère. Correction : est. Une collection de membres forme un abri de fortune et une petite fille travaille à le construire. Nous louchons l’écran. Est-elle le sosie de Nelly ? Oui, oui, mais Nelly ne semble pas du tout surprise ou bouleversée. Perplexe peut-être, tranquillement ravi, presque certainement. Elle s’appelle Marion (Gabrielle Sanz) et elle aussi a huit ans. Le tonnerre gronde et la pluie tombe et ils se précipitent sur le chemin menant à la maison de Marion, qui ressemble exactement à la maison de grand-mère, sauf qu’elle ne semble pas si froide et vide. Ils se sèchent, prennent du cacao ensemble. Nelly marche dans le couloir pour utiliser la salle de bain et entre dans une chambre et voit une femme plus âgée (Margo Abascal) endormie dans le lit et c’est enfin ce qui effraie Nelly, au moins pour un moment, car elle semble bien la regarder Grand-mère, décédée quelques jours auparavant.

Photo: Everett Collection

Quels films cela vous rappellera-t-il ? : Petite Maman réalise ce que Benh Zeitlin n’a pas tout à fait atteint avec son interprétation de Peter Pan Wendy; Sciamma puise dans un puits de réalisme magique plus pur et plus propre qui répond au désir de se souvenir des choses telles qu’elles étaient parce que c’est préférable à la façon dont elles sont maintenant.

Performances à surveiller : Gabrielle et Joséphine Sanz occupent toutes les images de ce film – ensemble ou séparément – ​​et font preuve d’une remarquable capacité de performance naturaliste. Peu d’enfants acteurs peuvent ignorer la caméra et travailler avec une authenticité aussi mémorable.

Dialogue mémorable : « Vous savez, les secrets ne sont pas toujours des choses que nous essayons de cacher », dit Marion. « Parfois, il n’y a personne à qui le dire. »

Sexe et peau : Aucun.

Notre avis : Convient pour un film sur une période de transition, notez les subtiles transitions de scènes de Sciamma et du monteur Julien Lacheray, et comment elles dénotent le contraste entre les «mondes» respectifs de Marion et Nelly. Nous existons à une époque où les histoires de « multivers » et de voyage dans le temps sont une tendance, et sont souvent un fourrage conceptuel à la recherche d’une base émotionnelle solide. Petite Maman construit à partir de zéro, en commençant par le banal, une famille en deuil, et en travaillant avec un but, à travers le désir et la dysphorie, vers le fantastique. La magie ne commence pas par un éclair ou un bang, mais par ce qui semble être une coïncidence ordinaire, le départ de Mère et l’arrivée de Marion, qui se révèle bientôt tout à fait extraordinaire.

Sciamma nous maintient intensément ancrés dans les prosaïques du moment avec un accent délibéré sur la conception sonore; le craquement de Nelly en train de manger des céréales, le grattage du crayon sur le papier et le bruit des cheveux brossés sont tous répandus, et le seul exemple de musique se produit une heure après le début de ce film de 72 minutes d’une finesse exquise, rendant le moment d’élévation émotionnelle vraiment compter. La simple intimité rend chaque scène résonnante : Mère racontant à Nelly la « panthère noire » qui a émergé de l’ombre pour se reposer sur son lit la nuit ; Nelly enduisant de crème à raser le visage de son père ; Marion et Nelly jouent comme les adorables enfants qu’elles sont, rigolant en cassant imprudemment des œufs et en remuant la pâte à crêpes. Le film reconnaît la douleur que nous ressentons à la suite de la mort, une notion universelle, et la rend profondément empathique dans ses détails et sa spécificité, et ses implications sur la féminité générationnelle. Le film ne construit pas une catharsis calculée et artificielle, mais plutôt une compréhension plus profonde de ce que signifie aimer.

Notre appel : Petite Maman est une exploration calme et tendre de la perte, racontée avec une grande clarté et un but précis. Et peut-être le plus important, Sciamma trouve la joie et l’émerveillement au milieu de la mélancolie. DIFFUSEZ-LE.

John Serba est un écrivain indépendant et critique de cinéma basé à Grand Rapids, Michigan. En savoir plus sur son travail sur johnserbaatlarge.com.

SOURCE : Reviews News

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