Photo : Andrey Armyagov (Shutterstock)

Êtes-vous déjà allé au karaoké et avez-vous regardé avec envie les autres monter sur scène alors que vous étiez trop piégé par votre propre anxiété pour tenter le coup ? Ou, pire, avez-vous réellement vaincu votre peur de monter là-haut pour découvrir en temps réel que vous ne pouvez pas chanter une note et que vous avez la présence scénique de pâtes détrempées ? Je peux vous sauver avec un seul conseil : la chanson de karaoké parfaite pour les non-chanteurs qui manquent de charisme : « Tequila » de The Champs.

Même s’il est presque entièrement instrumental, ce morceau universellement apprécié devrait figurer dans la bibliothèque de tout DJ de karaoké qui se respecte. (Ils n’ont peut-être jamais demandé à quelqu’un avant vous, cependant.)

Pourquoi « Tequila » est-elle la chanson de karaoké parfaite ?

« Tequila » est la chanson parfaite pour une performance publique comique et sans talent pour quatre raisons :

• Tout le monde connaît et aime la « Tequila », mais peu l’ont entendue au karaoké.
• Les Champs ont utilement structuré leur chanson autour de trois crochets culminants qui peuvent être livrés sans aucune compétence musicale par un interprète extrêmement ivre. C’est même sur biberonner.

• C’est une chanson à participation du public – tout le monde veut crier « Tequila! » avec vous.
• C’est très court, un peu plus de 2 minutes. Vous ne voulez pas prolonger votre accueil avec quelque chose comme ça.

Comment (et quand) chanter « Tequila »

Quand et où vous chantez « Tequila » est important. Ce n’est pas génial dans une pièce clairsemée ou en début de nuit. Il s’agit d’une chanson « du milieu de la soirée » qui fonctionne mieux dans une pièce pleine de gens qui sont détendus et commencent à s’ennuyer avec des gens nerveux qui mutilent des ballades populaires.

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Se détendre
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Quiconque choisit cette chanson et crie « Tequila! » à quelque chose comme le bon moment, la plupart des foules de karaoké en finiront, mais vous pouvez élever «Tequila» si vous êtes extraverti, engagé et d’accord pour être un goofball public. En d’autres termes : faites-en une performance.

L’engagement est l’ingrédient principal de toute performance publique. Si vous vous attendez à ce que les autres fassent attention à vous dans n’importe quelle situation – un bar karaoké, une prise de parole en public, peu importe – vous devez au moins faire semblant d’avoir confiance en ce que vous faites ou dites, alors abandonnez vos inhibitions et laissez-le voler. N’oubliez pas : tout le monde est venu dans ce bar pour s’amuser, se ridiculiser et regarder les autres se ridiculiser. La seule chose que vous pouvez vraiment faire de mal est d’avoir l’air mal à l’aise.

J’ai fourni quelques suggestions de performances ci-dessous pour vous aider à démarrer, mais ne pratique pas. Vous optez pour une sensation d’improvisation qui devrait jouer comme si vous n’y mettiez aucun effort – je veux dire, quel genre de cinglé pratiquerait sérieusement quelque chose d’aussi ridicule que chanter « Tequila » dans un bar karaoké, sans parler d’analyser pourquoi c’est le chanson de karaoké parfaite ?

Verset un

Pour la première section de la chanson, vous allez garder votre énergie aussi contenue que possible. Vous voulez avoir l’air d’anticiper le grand moment. Tenez-vous droit et hochez légèrement la tête et bougez vos lèvres comme si vous comptiez chaque mesure. Regardez votre poignet de temps en temps, c’est plus drôle si vous ne portez pas de montre.

Quand la « Téquila! » la partie vient, cassez complètement le caractère et livrez votre ligne avec un grand sourire et un grand geste. Vous êtes en train d’arnaquer le morceau « Mighty Mouse » d’Andy Kaufman.

Verset deux

Ici, vous allez vous détendre un peu. Vous n’avez pas besoin d’être énorme, mais donnez l’impression que vous vous amusez. Applaudissez si vous parvenez à bien frapper les contretemps. Bougez un peu vos épaules. Bob votre tête. Établissez un contact visuel avec le public. Pointez les gens lorsque vous criez « Tequila! »

Verset trois

Vous avez probablement deviné où cela mène : vous allez faire la danse Pee Wee Herman. La foule t’a attendu pour faire ça pendant toute la chanson, et tu vas donner aux gens ce qu’ils veulent. Pas nécessairement tout (sauf si vous êtes du genre à danser). Le point derrière vous/point devant vous est suffisant.

À l’approche de la fin de la chanson, n’hésitez pas à dire « Tout le monde ! » Et pointez/pointez du doigt votre auditoire. À moins que vous ne soyez dans le bar karaoké le plus tendu du monde, tout le monde criera le « TEQUILA » final et culminant ! avec vous.

Non, vous ne devriez pas simplement choisir une chanson de rap à la place

Vous pensez peut-être : « Si je voulais faire une chanson de karaoké qui ne nécessite pas de chant, je choisirais simplement une chanson de rap. Je vous prie de ne pas faire cela.

Les voix nécessitent à la fois une hauteur et un mètre, et les voix de rap sont presque toujours très complexes sur le plan rythmique (contrairement à « Tequila ») et l’essentiel est de bien faire les choses. À moins que vous ne sachiez que vous pouvez faire une chanson spécifique, vous gâcherez le rap, même une piste que vous avez entendue un million de fois, et vous finirez par marmonner sur scène pendant des minutes interminables.

SOURCE : Reviews News

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Bret McKenzieCrédit photo : Rebecca McMillan/Avec l’aimable autorisation de Sub Pop

Bret McKenzie est un gars drôle. Que ce soit en tant que moitié de Flight Of The Conchords, que lui et son partenaire musical Jemaine Clement ont qualifié en plaisantant de « quatrième duo folk digi-bongo acapella-rap-funk-comedy basé sur la guitare le plus populaire de Nouvelle-Zélande », ou en composant des chansons primées aux Oscars pour des films comme Les Muppets, McKenzie a fait carrière en écrivant de la musique amusante. Mais son premier album solo Chansons sans blaguesqui est sorti via Sub Pop la semaine dernière, est une affaire sérieuse.

Écrit principalement au domicile de McKenzie à Wellington au cours des dernières années, puis enregistré avec une équipe de musiciens de session légendaires à Los Angeles, Chansons sans blagues n’est décidément pas un album de comédie. Au lieu de cela, il trouve Kiwi, 46 ans, en train de réfléchir à la façon dont le monde est gâché dans des chansons luxueusement orchestrées et faussement amusantes inspirées de l’auteur-compositeur-interprète studio-pop de la fin des années 1970 d’artistes comme Harry Nilsson et Randy Newman, avec un soupçon de  » mode de musique de conduite de synthé complet des années 80 »de Dire Straits.

Cela ne veut pas dire que Chansons sans blagues n’est pas drôle. Comme ses idoles musicales, McKenzie excelle à aborder des sujets lourds avec une touche légère, en créant des chansons sérieuses avec un humour ironique indubitable. Heureusement, ce même sens de l’humour était à l’honneur lorsqu’il s’est assis avec Le club audiovisuel pour discuter du nouvel album, de sa tournée à l’appui de la sortie et de la liste interminable de projets sur lesquels il travaille.

The AV Club : Tout d’abord, félicitations pour la sortie de l’album. Qu’est-ce que ça fait maintenant que Chansons sans blagues est dans le monde pour tout le monde à entendre?

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Bret McKenzie : C’est génial. Parce que je l’ai commencé vers 2018, la première session d’enregistrement a eu lieu en 2019. Je pensais que cela allait me prendre environ six mois. Je disais aux gens, ‘Ouais, j’ai les morceaux, je vais le faire dans environ trois mois, on va le mixer, ça va sortir’. Quoi qu’il en soit, cela a pris trois ans et demi ou quelque chose comme ça.

C’est super excitant parce que c’est dans ma tête et chez moi depuis longtemps et c’est vraiment cool maintenant, les gens l’entendent et s’y connectent à leur manière. Parce que vous ne savez pas quelles chansons vont résonner avec les gens. C’est drôle, parce que mes enfants, pendant des lustres, je jouais une chanson au piano et ils disaient « Pourquoi n’est-ce pas sur Spotify? » C’est donc génial qu’ils soient maintenant sur Spotify pour que mes enfants pensent que c’est réel.

AVC : Quelle a été la première chanson que vous avez écrite pour le disque ?

BM : « That’s LA » était la première chanson. Tout a commencé avec cette idée. Mickey Petralia est le producteur, et nous travaillons toujours sur des chansons pour des films. Une fois, nous avons pensé que ce serait drôle de faire de la musique qui n’était pas pour les films. Il a un studio à Pasadena, à Los Angeles, et je lui ai joué l’idée de « That’s LA ». Nous avons une boîte à rythme et une partie de synthé. Cela a commencé à avoir un peu une sensation Steely Dan. Nous étions vraiment excités. C’était le noyau de « Oh, nous pourrions faire tout un disque! »

AVC : Y a-t-il une différence dans le processus d’écriture entre écrire des chansons de comédie, ou des chansons pour des films, et écrire ces chansons qui ne sont que des chansons pour elles-mêmes ?

BM : Normalement, pour mon travail, on me demande d’écrire pour ces situations, pour ces histoires, pour des films. Et je reçois un e-mail, et ils décrivent ce qu’ils veulent dans la chanson. J’ai ces paramètres très clairs de ce que la chanson doit être. Donc, ce qui m’intéressait, c’était de ne pas avoir de restrictions ou de ne pas avoir à raconter une histoire. Même aussi simple que de répéter un refrain. Vous ne pouvez pas faire grand-chose dans les chansons au cinéma ou à la télévision. C’était donc un vrai plaisir de dire : « Ouais, fais un double refrain ! Triple refrain ! Fondu au troisième refrain ! » [Laughs]

Bret McKenzieCrédit photo : Rebecca McMilan/Avec l’aimable autorisation de Sub Pop

AVC : Alors était-ce libérateur de ne pas avoir à se soucier de tout ça ?

BM : Massivement libérateur. Tellement amusant pour moi. En même temps, un peu effrayant. Je me souviens être allé au studio et avoir joué les chansons, et j’avais tellement l’habitude de jouer des chansons protégées par des blagues. Et jouer une chanson qui n’a pas été écrite pour faire rire les gens, c’était pour capturer un sentiment – ​​et un sentiment personnel – était assez vulnérable. Mais tous les musiciens étaient positifs et je me suis senti plus à l’aise.

AVC : Avez-vous déjà dû vous empêcher de mettre des blagues ? Du genre « Non, je n’ai pas le droit d’être drôle ! »

BM : J’étais assez obsédé par le fait que ce n’était pas drôle. C’est un peu comme un acteur de comédie qui obtient un rôle dramatique et le prend juste un peu trop au sérieux. La première fois qu’ils le font, ils se disent : « Oh, je dois être vraiment sérieux. » Et puis je pense que les acteurs réalisent que les comédiens peuvent faire du drame. Vous n’avez pas à faire autant d’efforts pour être dramatique. J’étais assez obsessionnel car le projet était de faire des chansons qui ne soient pas un projet de comédie. Depuis lors, j’ai écrit plus de chansons, et je me suis un peu allégé. Je ne suis pas aussi obsessionnel. C’est bon. Vous pouvez avoir des blagues dans des chansons qui sont toujours des chansons sérieuses. Beaucoup de mes héros, des auteurs-compositeurs qui ont des chansons très drôles comme Leonard Cohen, Harry Nilsson et Randy Newman – j’aime cette musique, et j’aime les chansons qui ont de petites histoires et des personnages et de petits moments drôles, c’est juste qu’ils ‘ re pas écrit pour un club de comédie.

AVC : En parlant de Harry Nilsson et de Randy Newman, l’album semble très inspiré par cette époque studio-pop des années 1970 à Los Angeles. Avec Flight Of The Conchords et, disons, cette fausse chanson de Morrissey pour laquelle vous avez écrit Les Simpsons, vous avez écrit tellement de chansons qui sonnent comme tellement de choses différentes. Qu’est-ce qui vous a attiré vers ce son en particulier pour ce projet ?

BM : Une partie de cela était les musiciens de session. L’idée de départ du disque était de le faire avec des musiciens de LA session, parce que je les avais rencontrés en travaillant sur les bandes sonores des films. Des joueurs vraiment incroyables. Nous enregistrions dans les studios où la musique des années 70 et 80 était enregistrée, et ces joueurs jouaient sur ces disques. Nous avions donc l’impression de viser ce véritable son de session de studio qui est ce genre de son LA de la fin des années 70. Cela a commencé par sonner les années 70, et nous avons essayé de le rendre plus contemporain et nous sommes allés aussi loin que les années 80. Mais je pense qu’il y a quelque chose dans ce monde sonore que j’aime vraiment.

En travaillant en studio, vous recherchez des sons, puis vous en trouvez un qui vous semble cool ou qui vous convient, et nous avons en quelque sorte suivi ce chemin. C’est drôle, parfois nous travaillions, et je me disais, « Oh non, ça ressemble trop à Dire Straits. » Parce que j’avais tellement l’habitude de faire des parodies de genres et des répliques vraiment fidèles. C’était différent de la même manière avec l’écriture de chansons. Je prenais des sons de certains de mes artistes préférés, je les absorbais et j’essayais de les transformer en quelque chose qui m’appartenait. Je pense que « If You Wanna Go » en est un bon exemple. C’est un peu Elton John-y, mais c’est aussi un peu Starbuck, et puis c’est aussi… qui sait ? Nous étions comme, « Oh bien, ça vient de décoller tout seul, allez-y. »

AVC : Comment était-ce d’enregistrer votre propre musique avec tous ces musiciens de session légendaires ?

BM : C’était si beau. J’avais travaillé avec eux sur les chansons du film. Et c’est probablement ce que je préfère faire dans mon travail à Hollywood. Ce sont des joueurs tellement incroyables que vous entrez là-dedans avec une chanson, puis ils la soulèvent et améliorent votre chanson. Mais ce qui était incroyable, c’était de travailler non pas sur des chansons de films mais sur mes propres chansons. J’avais l’idée, puis ils la soulevaient et suggéraient des choses. Dean Parks disait: « Parfois, sur les morceaux de Steely Dan, nous mettions une piste rythmique acoustique juste pour le coller ensemble. » Je disais : « Oh, eh bien, ça sonne bien, faisons ça ! » Juste de belles, belles idées. Lee Sklar, incroyable bassiste, parfois il commençait un morceau et tout le monde disait : « Quel est ce son ? et il a mis une pédale de chorus sur sa basse. Exactement le genre de jeu que vous obtenez en jouant dans des stades avec Phil Collins. Il sait comment obtenir ce son de basse moelleux. Des trucs de décennies de jeu dans les studios. Il n’y a rien de tel. J’ai donc un peu l’impression d’être apprenti dans un studio de musique. Et apprendre de cela. C’était vraiment magique.

Bret McKenzieCrédit photo : Anna Briggs/Avec l’aimable autorisation de Sub Pop

AVC : Je ne dirais pas que l’album est déprimant, mais il touche à beaucoup de choses lourdes – la pandémie, le changement climatique…

BM : C’est un peu déprimant. Je suis sur le point de partir en tournée. J’ai monté ce groupe en Nouvelle-Zélande d’incroyables joueurs de Wellington, et nous nous préparons à sortir. Et dès que j’ai commencé à répéter, j’ai pensé: « Oh. » La moitié de l’album est un peu plus lourde, plutôt lente. Et même certaines des pistes uptempo, comme « This World » est une chanson assez déprimante même si elle est enveloppée dans une mélodie très enjouée et entraînante.

AVC : J’aime que l’album ait ces moments sombres mais cela les rend amusants. Il se sent comme pas nécessairement un plaisanter mais une sorte de punchline musicale, en quelque sorte.
BM : Oui, ce contraste. J’adore cette superposition. Même dans Concordes, Je me souviens que parfois nous faisions une scène, et s’il y avait quelque chose de sérieux, ou pas sérieux, mais une histoire au premier plan, parfois nous mettions quelque chose de vraiment idiot en arrière-plan. Et j’adore ça à Morrissey. Les chansons des Smith le font très bien. Des chansons tragiques mais on a envie de danser dessus.

J’écrivais beaucoup de ces chansons le soir. Je lisais bêtement les nouvelles le soir, ce qu’on vous déconseille maintenant de faire. [Laughs] Je jouais de ma guitare et j’absorbais ce sentiment de ce qui se passait dans le monde. Et les sentiments de l’avenir du monde. Il y a quelque chose à propos d’avoir des enfants, quelque chose à savoir où en sont les choses. Je veux dire, j’ai écrit « This World Is Broken » il y a quatre ans. C’est comme avec COVID, le monde craquait au moment où j’ai commencé à écrire ceci, puis il s’est effondré. [Laughs]

AVC : Vous avez écrit la majeure partie de l’album avant COVID, mais vous en avez écrit une partie pendant la pandémie ?

BM : J’en ai écrit la plupart juste avant COVID, puis « Crazy Times » et « If You Wanna Go » sont les deux chansons que j’ai écrites pendant COVID, et nous les avons enregistrées par Zoom. C’était quelque chose. C’était la première session, c’était quand les gens rentraient tout juste dans les studios.

AVC : Et maintenant tu pars en tournée ! Ce qui aurait semblé totalement impossible il y a quelques années.

BM : Ouais, complètement. Même maintenant, cela semble compliqué. Mais les gens tournent, donc je vais essayer et prendre un big band. Nous faisons la Nouvelle-Zélande et nous arrivons aux États-Unis en octobre. Je ne peux pas attendre. Je suis sur Zooms et e-mails depuis des mois et des années maintenant. Je n’ai pas fait de concert depuis quatre ans. Mais ça n’a pas l’air d’être il y a quatre ans. Je veux que le spectacle soit vraiment amusant en direct, alors j’ai écrit quelques nouvelles chansons qui ont un peu plus d’énergie. Je travaille sur ce qu’est le spectacle en direct. Parce que c’est aussi une expérience différente pour moi. Le public attend de moi de la comédie, alors je cherche juste comment naviguer dans le public et ce que sera le spectacle. C’est un truc assez fou.

AVC : Alors tu vas débuter plus de nouvelles chansons en tournée ?

BM : Ouais. Donc, ce sont tous nouveaux, et je vais jouer quelques-uns Nouveau nouvelles chansons. Et je jouerai quelques anciens pour que le public puisse se détendre de temps en temps, comme, « D’accord, nous connaissons celui-ci. » Mais oui, j’en ai des nouveaux. J’ai commencé à enregistrer le prochain album. Mickey et moi avons commencé cette année. Nous verrons donc comment nous procédons.

Bret McKenzie – Ce monde…

SOURCE : Reviews News

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Photo : Kevin Mazur/Getty Images pour AK (Getty Images)

On y va encore une fois; un autre fan de musique violant l’espace des artistes alors qu’ils se produisent lors d’un spectacle en direct.

La dernière victime en date est Alicia Keys, qui s’en est prise à un fan qui a embrassé de force la chanteuse de R&B alors qu’elle se produisait au Canada. Lundi, la chanteuse «No One» a amené sa tournée Alicia + Keys Word à Vancouver au Rogers Arena.

Lors de l’exécution de « Empire State of Mind », Keys peut être vu marchant à côté du public pour saluer les fans, donner des high fives et prendre des selfies. Mais, un fan a décidé de se mettre un peu la main et d’attraper la chanteuse et de l’embrasser de force sur la joue pendant qu’elle chantait encore.

Regardez simplement le clip; elle embrasse Keys HARD.

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Plus tard, Keys a sauté dans les commentaires du clip partagé sur Instagram et a déclaré: « Croyez-moi, j’étais comme quoi FUCK !!!!!!!! Ne sait-elle pas quelle heure il est ???

Clairement malheureux, les sentiments de Keys sont valables.

Encore un autre exemple d’un fan qui pense que simplement parce qu’il a payé un billet, il a le pouvoir de faire ce qu’il veut. Vous ne le faites pas. Profitez simplement du spectacle, criez aussi fort que vous le souhaitez et chantez sans toucher les gens. Une situation similaire s’est produite lorsqu’un spectateur a jeté une bouteille sur Kid Cudi alors qu’il se produisait à Rolling Loud Miami, tout cela parce que Cudi avait remplacé le créneau horaire de Kanye West.

C’est aussi désagréable étant donné que le coronavirus est toujours très apparent et que la variole du singe se propage dans tout le pays et que vous, ici, embrassez des gens que vous ne connaissez pas.

Il en va de même pour les artistes. En avril, DaBaby a été vu essayant d’embrasser un fan et il était courbé.

Quand les artistes sont en compagnie de fans, l’espace de chacun doit être respecté. Cela signifie donc que les artistes ne peuvent tout simplement pas traiter les fans comme ils le souhaitent simplement parce qu’il y a des milliers de personnes payées pour les voir et que les fans ne peuvent pas traiter les artistes comme ils le souhaitent parce qu’ils ont payé un billet.

SOURCE : Reviews News

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Kesha et le Dr Luke Image : The AV Club, Photo : Frazer Harrison/Getty Images

Après plus d’une décennie de célébrité pop, Kesha connaît bien la gestion manipulatrice. Dans son différend juridique de longue date avec son ancien producteur Lukasz «Dr. Luke ” Gottwald – que Kesha a affirmé l’avoir droguée et agressée – la pop star a constamment repoussé toutes les tactiques qui écartent son histoire. Dans une nouvelle lettre adressée à un tribunal de New York obtenue par Pierre roulantel’avocate de Kesha, Leah Godesky, a affirmé que l’artiste était « plus que désireux » d’aller au tribunal avec Gottwald.

Gottwald et Kesha (nom complet Kesha Rose Sebert) sont entrés pour la première fois dans des troubles juridiques en 2014, lorsqu’ils se sont poursuivis le même jour. Sebert a accusé Gottwald de l’avoir droguée, agressée et agressée verbalement; Gottwald a affirmé que l’artiste avait fait des déclarations diffamatoires dans le but d’améliorer son contrat. En février 2020, un tribunal a conclu que Sebert avait en fait diffamé Gottwald en disant à Lady Gaga que Gottwald avait violé la chanteuse Katy Perry – Sebert a fait appel de la décision, mais a été rejeté au motif que Gottwald ne constituait pas une «personnalité publique».

La lettre accusait également le producteur de compromettre une date de procès prévue en février 2023 en rejetant les multiples pressions de Kesha pour avancer plus rapidement dans le processus d’appel préalable au procès. Selon la lettre, alors que Sebert a « fait tout ce qui était en son pouvoir » pour assurer un procès rapide et dans les délais, Gottwald a « entravé ses efforts à chaque instant ».

Bien que la propre avocate de Gottwald, Christine Lepera, ait écrit au tribunal il y a deux semaines déclarant que le producteur était « prêt et disposé à procéder à un procès », Godesky est plus que sceptique – elle soutient qu’il est « essentiel » de résoudre les deux appels en instance de Sebert avant tout procès.

« Kesha a un intérêt primordial à ce que le procès se déroule comme prévu le 20 février 2023, non seulement pour qu’elle puisse demander réparation, mais aussi pour qu’elle puisse mettre cette épreuve derrière elle et poursuivre sa vie », écrit Godesky.

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Dans une déclaration mardi à Pierre roulanteles avocats de Gottwald ont repoussé les affirmations de Godesky, insistant sur le fait que le producteur a tout intérêt à être jugé.

«Ce sont les avocats de Kesha qui ont retardé l’affaire pendant des années en déposant sans cesse des appels sans fondement, qu’ils ont perdus à maintes reprises. Si l’affaire n’est pas jugée en février, ce sera uniquement dû au fait que les avocats de Kesha ont décidé une fois de plus d’interjeter appel, cette fois de deux décisions qui se sont à nouveau prononcées contre elle devant la division d’appel », ont déclaré les avocats Lapera et Jeffery Movit. a écrit.

SOURCE : Reviews News

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Une photo similaire prise à cette époque l’année prochaine verra le nombre de bras de Lorde doublé. Photo : Kate Green (Getty Images)

Lorde est sur le point de s’élever au-delà des frontières de l’ancienne chair. Elle développera bientôt de nouvelles caractéristiques corporelles étonnantes jusque-là inédites pour l’humanité. Son art à venir, comme l’art de Crimes du futurSaul Tenser, sera choquant à regarder, repoussant les limites de la performance dans d’étranges territoires.

Au moins, c’est la seule explication que nous ayons pour expliquer pourquoi Lorde a annoncé hier soir lors d’un spectacle à Washington DC qu’elle avait passé la première partie de la journée d’hier à nager dans le Potomac.

Dans une vidéo publiée sur Twitter hier soir par @whyets, Lorde a fait une pause entre les chansons pour discuter directement avec le public. Après avoir parlé de la période étrange que cela a été de devenir adulte au cours des dernières années, elle dit: « Je pensais aujourd’hui … j’étais allongée dans la rivière Potomac. »

La foule applaudit mais il y a un courant convenablement mal à l’aise en dessous. « J’adore nager dans l’eau où je joue », poursuit Lorde alors que le public fait un bruit qui ne peut se résumer qu’à une sorte d’inquiétude désapprobatrice. « Cela me donne l’impression de te connaître un peu mieux d’une manière ou d’une autre. »

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La voix de quelqu’un se fait entendre : « Ne nage pas dans la rivière ! »

Nager dans le Potomac a, comme le Nouvelles de l’OMCP‘ Neal Augenstein écrit, a été interdit depuis « le début des années 1970 en raison du système d’égouts combiné vieillissant de la ville, qui déversait régulièrement 2 milliards de gallons d’eaux usées et d’eaux pluviales combinées chaque année dans les rivières Potomac et Anacostia, ainsi que Rock Creek ». Cela semble être une règle juste, étant donné qu’un article officiel sur le site Web sur la réévaluation de la qualité de l’eau de la rivière indique que « la sécurité peut changer de jour en jour en fonction de la pluie, de la température et d’autres facteurs ».

Dans le meilleur des cas, qui dépend de l’endroit où elle a nagé dans le Potomac, si elle a réussi à éviter « la prolifération d’algues… et les déchets », s’est assurée de ne pas avaler d’eau, n’a pas eu de coupures sur son corps et s’est bien lavée après qu’elle soit sortie, Lorde ira parfaitement bien. Sinon, elle pourrait atteindre l’objectif que nous avons prédit ci-dessus et se transformer en la première pop star post-humaine au monde.

Si c’est le cas, nous en profiterons tous. Imaginez, après tout, quelle beauté étrange naîtra de chansons chantées avec trois gorges et une bouche remplie de millions de minuscules langues préhensiles.

Envoyez Great Job, des conseils Internet à gji@theonion.com

SOURCE : Reviews News

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1. « Vogue » (1990) – Je suis à bout de souffle

Madonna – Vogue (Vidéo officielle)

Il est impossible d’exagérer l’impact que « Vogue » a eu en 1990, pas seulement sur la carrière de Madonna ou sur la musique pop, mais sur la culture populaire dans son ensemble. À ce moment-là, la musique house était devenue synonyme des communautés de danse gay et underground, mais en dehors de quelques percées, comme « Pump Up The Volume » de M/A/R/R/S, elle n’avait pas considérablement infiltré le marché de la pop. . Mais après seulement sept ans en tant qu’artiste d’enregistrement, Madonna était sur le point de sortir son premier album des plus grands succès, alors qu’elle s’attaquait à un rôle au cinéma en tant que femme fatale Breathless Mahoney face à la star de cinéma authentique et célèbre lothaire hollywoodien Warren Beatty dans Dick Tracy, chantant des chansons de Stephen Sondheim. La bande originale du film, je suis à bout de souffle, lui a offert un plein projecteur sur le genre de polyvalence qu’elle espérait mettre en valeur, juxtaposant le glamour des années 1930 de son cadre avec son propre sex-appeal avant-gardiste. Mais ces chansons n’allaient jamais être des singles pop – le genre qu’elle avait l’habitude de sortir, de toute façon.

Entrez Shep Pettibone, un remixeur et producteur avec un pied dans les communautés musicales que Madonna aimait ouvertement et n’hésitait pas à emprunter pour ses chansons. Avec 5 000 $ qu’il a reçus de Warner Music, Pettibone a rapidement enregistré une démo dont elle enregistrerait rapidement les multipistes dans un studio au sous-sol, pour la sortie de la chanson en tant que face B de son dernier single de Comme une prière, « Gardez-le ensemble. » Travailler ensemble sur la pièce maîtresse «rap», une vérification des noms de stars de cinéma qui évoque à nouveau Dick Tracymais propose également une liste de souhaits pour les icônes dont Madonna aspirait à rejoindre les rangs, le duo a créé un hommage au glamour hollywoodien classique qui présentait un regard sans effort cool, festif, voire instructif sur un aspect de la culture gay que peu d’étrangers connaissaient bien : salle de bal.

Qu’elle travaillait déjà avec les vedettes du documentaire de bal Paris brûle dans ses clips et en tournée n’était pas forcément connue ; mais de par ses subtilités musicales (un extrait du Salsoul Orchestra d’une chanson utilisée environ 10 fois dans Paris, qui a ensuite conduit à un procès) à son groove house raffiné et irrésistible, Madonna catapultait sa musique dans les années 90 et elle apportait la culture LGBT avec elle. Qu’ils sachent ou non ce qui se passait, les auditeurs étaient impuissants à résister. « Vogue » capture à la fois le passé, le présent et l’avenir de la pop, c’est pourquoi il sonne toujours aussi frais et excitant aujourd’hui qu’à l’époque. [Todd Gilchrist]

SOURCE : Reviews News

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Sturgill Simpson – Sing Along (vidéo officielle)

D’accord, je ne vais pas devenir poétique à propos de Sturgill Simpson Bruit et fureur, mais le fait est que cet artiste country est tombé amoureux de l’anime, puis est allé sur Netflix et s’est dit: « Et si on produisait un film d’anime épisodique de 40 minutes qui utilise mon dernier album comme bande originale. » Ce qui est sorti de la collaboration est un mashup cypberpunk/country qui est un délice à regarder et à écouter, et je n’ai pas vu assez de gens en parler. Le réalisateur japonais Junpei Mizusaki a pris en charge le projet, et tout y est étrange, merveilleux et travaille aux côtés des racines country hors-la-loi de Simpson qui ont fait germer des fleurs électroniques. Ainsi, bien que ce single soit disponible en Streaming, le tout est sur Netflix, et cela vaut bien votre temps. De plus, si vous voulez me lire de façon poétique à ce sujet, je suis là pour vous.

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SOURCE : Reviews News

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Divertissement

Nous partageons la playlist de la bande originale de la série Netflix Stranger Things 4, qui comprend des chansons de Metallica, Kate Bush et bien d’autres.

Par Jacqueline Arteaga

03/07/2022 – 22h27 HAC

03/07/2022 – 22h27 HAC

© Stranger Things 4 de NetflixBande originale de Stranger Things 4

Stranger Things 4 se positionne sur la liste de popularité de Netflixnotamment avec le Première du tome 2 et a battu des records dans le Listes de lecture Spotify. Les chapitres récents ont utilisé des thèmes emblématiques de la musique rock, métal et punk des années 80, qui ont été joués à plein volume dans Scènes de Max Eddie et d’autres personnages. Découvrez quels sont les choses étranges 4 chansons

Prenez quelles sont les chansons qui sonnent sur les meilleures scènes de Stranger Things 4 et ajoutez-les à votre playlist.

Quelle est la chanson que Max écoute dans « Stranger Things 4 » ?

Il y a des problèmes qui ont sans aucun doute donné une touche inoubliable à la quatrième saison de Stranger Things et l’un des plus remarquables est sans aucun doute « Running Up That Hill » de Kate Bush, qui devient la chanson de Max dans la série.

Max, un personnage joué par Sadie Sink, ne sait pas comment gérer le deuil de la mort de son frère Billy, alors se plonge dans la musique et « Running Up The Hill » est réglé sur sa chanson d’histoire car elle joue dans presque toutes ses scènes. Après avoir joué sur Stranger Things 4, le tube des années 80 de Kate Bush a refait surface et a atteint les charts du monde entier, sur Spotify a augmenté ses vues de 9 mille pour cent et la vidéo officielle sur YouTube a déjà dépassé 85 millions de vuesen plus du fait qu’il a battu plusieurs records au Royaume-Uni.

L’histoire de la chanson « Running Up That Hill » de Kate Bush

Au début, le thème s’appellerait ‘A deal with God’ (un accord avec Dieu), mais le label EMI a demandé qu’il soit changé pour éviter une sorte de censure des groupes religieux. La chanteuse britannique Kate Bush a sorti cette chanson en 1985 en tant que single de son cinquième album studio Hounds of Love et a expliqué que l’origine de la chanson parle d’une tentative de se mettre à la place de l’autre pour que les femmes et les hommes puissent mieux se comprendre.

Quelle chanson joue Eddie dans Stranger Things 4 et quelle est sa signification ?

Pour affronter Vecna ​​dans l’Upsidedown, le leader du Hellfire Club (Hellfire), Eddie, brandit sa guitare électrique et joue la chanson légendaire Master of Puppets de Metallicapour distraire les démo-chauves-souris gardant la maison Creel, qui est sans aucun doute devenue l’une des meilleures scènes de Stranger Things 4 et la manière parfaite dont la série a dit au revoir au fan de heavy metal qui a gagné le cœur du public, qui a également a une grande signification avec ce qui se passe dans la série, puisque Vecna ​​​​agit comme le maître des marionnettes, celui qui tire les ficelles.

L’histoire de la chanson « Master of Puppets » de Metallica

Master Of Puppets est l’une des meilleures chansons de l’histoire du métal, elle fait partie du troisième album de Metallica qui porte le même nom et c’était le dernier morceau mettant en vedette Cliff Burton à la basse, décédé la même année dans un terrible bus. accident.

Master Of Puppets est une étape importante du thrash metal qui a consolidé Metallica en tant que l’un des plus grands groupes exposants du genre. Master Of Puppets est une référence à la façon dont une personne est envahie par la drogue, quelque chose qui fait référence au chanteur de toxicomanie James Hetfield.

Quelle chanson joue à la fin du chapitre 8 de Stranger Things ?

La chanson Voies séparées (mondes à part) par voyagea été identifié par de nombreux fans de la série, puisqu’il a été joué dans la première bande-annonce du tome 1, un thème qui fait référence à une rupture.

Quelle chanson joue dans le générique de fin de Stranger Things 4 ?

La chanson est Spellbound, de Siouxsie et les Banshees, un groupe post-punk britannique composé du chanteur Siouxsie Sioux et du bassiste Steven Severin. Le thème est le single de l’album Juju de 1981.

Écoutez ici la bande originale : Liste complète des chansons de Stranger Things 4 :

• « Separate Ways (Worlds Apart) » (Bryce Miller / Alloy Tracks Remix) – Voyage avec Steve Perry
• «California Dreamin ‘» – Les Beach Boys
• « Psycho Killer » – Têtes parlantes
• « Courir sur cette colline (un accord avec Dieu) » – Kate Bush
• « Tu me fais tourner (comme un disque) » – Mort ou vivant
• « Fille mexicaine » – Mae Arnette
• « Jouez avec moi » – Extrême
• « Detroit Rock City (version unique) » – KISS
• « J’étais un loup-garou adolescent » – Les crampes
• « Pass the Dutchie » – Jeunesse musicale
• « Effacer » – Les Surfaris
• « Objet de mon désir (version unique) » – Starpoint
• « Rock Me Amadeus (Le mélange d’or) » – Falco
• « Homme voyageur » ​​- Ricky Nelson
• « Tarzan Boy » – Baltimore
• « Rêve un peu de moi » – Ella Fitzgerald & Louis Armstrong
• « Rock and Roll, Hoochie Koo » (version unique) – Rick Derringer
• « Feu et pluie » – James Taylor
• « Spellbound » – Siouxsie et les Banshees
• « Maître des marionnettes » – Metallica
• « Quand il fait froid, j’aimerais mourir (avec Mimi Goese) » – Moby
• « Separate Ways (Worlds Apart) » (Steve Perry & Bryce Miller Extended Remix) – Voyage avec Steve Perry

SOURCE : Reviews News

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Quel Chris, Mort renommée [May 13]

Comme cela a souvent été le cas tout au long de sa carrière, il semble que Quelle Chris ait une fois de plus décidé si vous voulez faire quelque chose de bien, faites-le vous-même. Nouvel album Mort renommée est en grande partie produit par le musicien aux multiples traits d’union, bien qu’il fasse appel à un vieil ami Chris Keys pour concevoir quelques morceaux, dont le premier single, « Alice Ain’t Always Living », un jam décontracté qui présente un BPM lent à la mélasse qui permet à Chris ‘ personnage sournois et pointu à déverser dans les volumes. Il y a aussi des apparitions d’as talentueux comme Pink Siifu, Moruf, Navy Blue, et plus encore, mais soyons honnêtes : comme toujours, le vrai tirage au sort est Quelle Chris et sa muse prévisible et imprévisible. [Alex McLevy]

SOURCE : Reviews News

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Def Leppard a partagé « Take What You Want », la dernière chanson de son prochain album Halos d’étoiles de diamant. La chanson s’ouvre à la manière classique de Def Leppard, avec des arpèges de guitare clairs et des batteries de construction laissant place à un riff de plomb massif et croustillant.

« De deux mondes différents / Nous arrivons en collision / C’est comme une tempête parfaite« , chante Joe Elliott. »Toujours épaule contre épaule / Soldat contre soldat / Alors apportez-le. »

Vous pouvez l’entendre ci-dessous.

« Take What You Want » est la deuxième chanson sortie avant Halos d’étoiles de diamant, après le premier single « Kick ». Le 12e album studio de la carrière de Def Leppard arrive le 27 mai.

Auparavant, Elliott a expliqué ce qui continue de motiver son groupe à sortir de nouveaux morceaux. « Nous avons toujours dit que ce que nous devons essayer de réaliser avant de tout botter dans la tête ou de partir, c’est d’être mis entre parenthèses parmi les plus grands : Lennon-McCartney, Jagger-Richards, Ray Davies, Pete Townshend « , a-t-il expliqué en 2021. « Nous ne le ferons probablement jamais, mais nous n’arrêterons jamais d’essayer.

« Nous ne sommes pas intéressés à essayer d’être un genre de deuxième division, ‘Oh, ça ira' », a-t-il poursuivi. « C’est comme si quelqu’un échoue à gravir l’Everest : s’il est si désespéré, il réessayera l’année prochaine. C’est ce que nous pensons de ce que nous faisons, alors nous allons faire de notre mieux, encore une fois, et continuer. » pour ça. »

Def Leppard prendra la route cet été pour leur tant attendu Stadium Tour aux côtés de Motley Crue, Poison et Joan Jett and the Blackhearts. Le trek, qui avait été reporté à plusieurs reprises en raison de la pandémie, devrait débuter le 16 juin à Atlanta. Des membres de Def Leppard ont déjà révélé que des chansons de Halos d’étoiles de diamant seront incorporés dans leurs listes de sets Stadium Tour.

Classement des albums de Def Leppard

De leurs débuts à la pointe du métal à leur percée pop en passant par les disques récents, nous classons chaque LP.

SOURCE : Reviews News

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