1. « Vogue » (1990) – Je suis à bout de souffle

Madonna – Vogue (Vidéo officielle)

Il est impossible d’exagérer l’impact que « Vogue » a eu en 1990, pas seulement sur la carrière de Madonna ou sur la musique pop, mais sur la culture populaire dans son ensemble. À ce moment-là, la musique house était devenue synonyme des communautés de danse gay et underground, mais en dehors de quelques percées, comme « Pump Up The Volume » de M/A/R/R/S, elle n’avait pas considérablement infiltré le marché de la pop. . Mais après seulement sept ans en tant qu’artiste d’enregistrement, Madonna était sur le point de sortir son premier album des plus grands succès, alors qu’elle s’attaquait à un rôle au cinéma en tant que femme fatale Breathless Mahoney face à la star de cinéma authentique et célèbre lothaire hollywoodien Warren Beatty dans Dick Tracy, chantant des chansons de Stephen Sondheim. La bande originale du film, je suis à bout de souffle, lui a offert un plein projecteur sur le genre de polyvalence qu’elle espérait mettre en valeur, juxtaposant le glamour des années 1930 de son cadre avec son propre sex-appeal avant-gardiste. Mais ces chansons n’allaient jamais être des singles pop – le genre qu’elle avait l’habitude de sortir, de toute façon.

Entrez Shep Pettibone, un remixeur et producteur avec un pied dans les communautés musicales que Madonna aimait ouvertement et n’hésitait pas à emprunter pour ses chansons. Avec 5 000 $ qu’il a reçus de Warner Music, Pettibone a rapidement enregistré une démo dont elle enregistrerait rapidement les multipistes dans un studio au sous-sol, pour la sortie de la chanson en tant que face B de son dernier single de Comme une prière, « Gardez-le ensemble. » Travailler ensemble sur la pièce maîtresse «rap», une vérification des noms de stars de cinéma qui évoque à nouveau Dick Tracymais propose également une liste de souhaits pour les icônes dont Madonna aspirait à rejoindre les rangs, le duo a créé un hommage au glamour hollywoodien classique qui présentait un regard sans effort cool, festif, voire instructif sur un aspect de la culture gay que peu d’étrangers connaissaient bien : salle de bal.

Qu’elle travaillait déjà avec les vedettes du documentaire de bal Paris brûle dans ses clips et en tournée n’était pas forcément connue ; mais de par ses subtilités musicales (un extrait du Salsoul Orchestra d’une chanson utilisée environ 10 fois dans Paris, qui a ensuite conduit à un procès) à son groove house raffiné et irrésistible, Madonna catapultait sa musique dans les années 90 et elle apportait la culture LGBT avec elle. Qu’ils sachent ou non ce qui se passait, les auditeurs étaient impuissants à résister. « Vogue » capture à la fois le passé, le présent et l’avenir de la pop, c’est pourquoi il sonne toujours aussi frais et excitant aujourd’hui qu’à l’époque. [Todd Gilchrist]

SOURCE : Reviews News

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Il est temps que j’injecte un peu d’octane dans mes jams, c’est pourquoi je choisis enfin une chanson de Porcupine Tree qui fera démarrer le week-end en fanfare.

En plus d’avoir le meilleur batteur de tous les groupes de rock progressif (Gavin putain d’Harrison !), Porcupine Tree est sans doute le groupe qui a rendu Steven Wilson célèbre. C’était avant qu’il ne se lance en solo, puis qu’il se lance dans l’une des meilleures musiques pop des années 2010. Et certaines des musiques les plus tristes de toutes les décennies.

L’homme a Portée, mais Porcupine Tree était la plus énergique et la plus naturelle de sa musique. Eh bien, peut-être que je m’en souviens de cette façon parce que je l’ai entendu pour la première fois quand j’étais enfant – juste un étudiant de première année au lycée – et je m’y suis mis depuis.

La musique de Wilson a calcifié mon amour pour la route ouverte et les trajets les plus longs. Non seulement parce que les chansons sont longues – comme tout bon rock progressif – mais parce que j’ai utilisé les concerts de Porcupine Tree et de Steven Wilson comme excuses pour faire des road trips en solo. Partout au Texas, en Arizona et au Nouveau-Mexique à destination de la Californie. Combien de kilomètres ai-je parcouru rien que pour entendre cette musique ? J’ai perdu le compte, mais ça valait le coup à chaque fois. En entendant ces chansons, j’ai l’impression d’être de nouveau sur la route.

Et ce morceau, « Arriving Somewhere But Not Here », est à l’origine de l’album de Porcupine Tree Aile morte (2005.) Cette version est un enregistrement live à Park West à Chicago, sorti pour la première fois dans un DVD de concert, et, plus tard, dans une compilation de deux disques nommée d’après le morceau. J’aime à penser que c’est parce que la chanson est si bonne, que tout l’album tourne autour d’elle.

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Allez faire exploser cette chanson en boucle et laissez ses couches s’infiltrer en vous. Les cymbales vers 03:46 décomptent la distorsion de la guitare à 04:16, et à 06:22, des riffs qui sonnent comme Tool et Radiohead s’effondrant l’un sur l’autre dans la gravité d’un trou noir. Tout cela menant à la batterie de Gavin Harrison à 07:09, vous battant sur la tête pendant plus d’une minute d’affilée. Pendant ce temps, un synthétiseur flotte au-dessus. Dieu, j’adore cette chanson – même si elle parle de mourir dans un accident de voiture.

SOURCE : Reviews News

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WeezerCrédit photo : Kevin Winter (Getty Images)

L’année dernière, Weezer a annoncé son intention de créer une série d’EP basés sur chaque saison, chacun portant son propre thème musical. On a dit que l’un était «inspiré de Weezer» pour l’été; un autre est censé adopter un son influencé par Strokes pour l’automne. Mais, lorsque Weezer a sorti celui du printemps, les fans ont remarqué que Printemps ressemblait beaucoup au vieux Weezer, ce qui rendait les choses confuses. De plus, le groupe n’avait pas précisé comment Franz Ferdinand, une autre influence mentionnée pour l’un des albums, s’intégrerait à un disque qui est aussi inspiré de The Strokes.

Pour clarifier le processus et les thèmes, Rivers Cuomo a partagé une feuille de calcul sur Twitter qui explique tout en détail. Il s’avère que nous avions raison dans la critique : bien qu’il n’ait pas été initialement décrit comme étant également un album « inspiré de Weezer » par le groupe, le « genre » du premier EP, Printempsoù « Island In The Sun » rencontre D’accord Humain, avec un «bonbon auditif» d’acoustique, 12 cordes, mandoline, flûte à bec, percussions de l’âge du fer et «glock». Cuomo décrit également le « personnage lyrique » comme « Puck mais bon cœur et innocent ». (Peut-être que cet écrivain est trop en phase avec Weezer, parce que le Songe d’une nuit d’été le personnage a été mentionné dans la critique comme quelqu’un dont l’essence a été ressentie tout au long du disque.)

Quant à ce que le groupe taquine Étél’influence est « Album bleu au 21ème siècle. » Cela semble assez prometteur, mais là encore, c’est Weezer… alors qui sait comment ça va se passer. Mais curieusement, Cuomo écrit que le «personnage lyrique» est… Marc Anthony? Sauvage. Il décrit également l’esthétique comme « Marc Anthony habillé en MGMT à Burning Man ». Cela n’a aucun sens, mais c’est déjà assez sauvage pour obtenir deux disques « inspirés de Weezer » par Weezer.

Pour Automnel’émotion est « l’anxiété », avec des influences de Sortez-moi-époque Franz Ferdinand et The Strokes. Cuomo écrit que l’album comportera « des synthés ? échantillons » et le look sera « Jésus » (bien sûr, pourquoi pas ?). Enfin, pour L’hiverle disque inspiré d’Elliot Smith, le son sera « acoustique au doigt » avec un « personnage lyrique » de « King Lear et/ou Romeo ».

SOURCE : Reviews News

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