🎶 2022-04-14 20:52:08 – Paris/France.
Cette interview avec Ritchie Blackmore de Deep Purple est parue dans le numéro de février 1991 de Monde de la guitare.
C’est une nuit froide et pluvieuse dans le Connecticut. Le rédacteur en chef Brad Tolinski et moi sommes dans le hall d’un bel hôtel, attendant de rencontrer Ritchie Blackmore.
Le guitariste vétéran nous a, dans son infinie miséricorde, accordé une rare interview. (Peut-être la sortie imminente du nouvel album de Deep Purple, Esclaves et maîtresmettant en vedette le dernier membre de Purple, Joe Lynn Turner, a quelque chose à voir avec cela.)
En ce moment, Blackmore dîne avec des amis ; il doit nous rejoindre à la fin de son repas. Tolinski et moi sommes un peu inquiets. L’irascibilité de Blackmore est légendaire, tout comme son antipathie envers la presse. Pour aggraver les choses, même certains proches de la star ont averti qu’il pourrait devenir « gênant ».
J’ai l’impression d’être sur le point de rencontrer Dark Vador. Alors que j’examine mon magnétophone pour m’assurer que tout fonctionne (j’ai toujours peur qu’il tombe en panne), un sombre scénario se répète dans ma tête : l’entretien a commencé. Je pose ma première question – « En quoi cette version de Deep Purple diffère-t-elle des formations passées? » Blackmore me fixe, ses traits noircissant de rage. « Comment oser tu me demandes ça ? il aboie.
« Prend ça! » Il me tape sur la tête avec une Strat blanche, qui tombe tout autour de moi en éclats. L’homme en colère se lève et sort. Fin de l’entretien. Je reviens à une réalité inquiète, mais me calme en pensant que mon guitar hero ne peut pas être un tel ogre.
Ensuite, je me souviens que dans sa jeunesse, Blackmore avait un penchant pour jeter des œufs, des tomates et des sacs de farine de quatre livres à partir de véhicules en mouvement sur les passants (avec une préférence particulière, vraisemblablement, pour les femmes âgées en fauteuil roulant.)
Enfin, un membre de l’entourage de Blackmore passe pour dire que le grand est prêt. Nous entrons dans la salle à manger faiblement éclairée au son d’une douce musique de piano, des bavardages des convives et des claquements de vaisselle, et nous nous asseyons. Après quelques instants, nous sommes rejoints par Ritchie Blackmore.
Il a fière allure – mieux qu’il y a 10 ans, ce qui est bien plus que ce que l’on peut dire de la plupart des rockers de longue date. Comme d’habitude, il est vêtu de noir, à l’exception d’une chemise blanche à volants qui le fait ressembler à un noble français. Il saisit nos mains tendues (un bon signe, je pense) et nous nous présentons.
Blackmore s’assied et commande une bière. « Es-tu prêt? » je demande, et Blackmore acquiesce. Mais avant que je puisse poser la première question, il pointe du doigt mon magnétophone et d’un ton britannique épais dit : « Au fait, ce n’est pas allumé. « Oh non, » je pense. « La bande est cassée ! » Mes pires craintes, réalisées.
Brad me fixe, l’horreur gravée sur ses traits. J’examine l’engin, mais il semble bien fonctionner. Je me tourne vers Blackmore, un peu perplexe, et j’insiste : « Ça bouge. C’est parti. » « Je vérifie juste, » dit-il sournoisement Et avec ça, l’interview commence.
(Crédit image : futur)
En quelques instants vertigineux, il démontre que, nonobstant sa réputation, c’est un sacré gars sympa, marrant – un mec super avec qui traîner. Il réalise même un tour de magie, transformant un nickel en un quart sous nos yeux très reconnaissants. Deux heures passent.
Le propriétaire du restaurant s’arrête pour annoncer « l’heure de fermeture ». Je remercie de tout cœur Ritchie d’avoir été si coopératif.
« Merci d’avoir été si attentif », lance cet aimable fléau des journalistes rock.
En quoi cette édition de Deep Purple diffère-t-elle des formations passées ?
« Musicalement, je dirais que le chanteur ne boit pas autant. [laughs] Mais sérieusement, plus je vieillis, plus j’ai envie d’entendre des mélodies. Nous avons vraiment travaillé dur pour construire de bonnes chansons mémorables et des progressions d’accords intéressantes. C’est ce qui m’excite en ce moment.
« Cela a également aidé notre nouveau chanteur, Joe Lynn Turner, à écrire et à chanter de superbes mélodies. Avec Joe, nous n’avions pas à compter autant sur des riffs lourds. Quand j’avais 20 ans, je me fichais complètement de la construction des chansons. . Je voulais juste faire le plus de bruit et jouer aussi vite et aussi fort que possible. »
En tant que guitariste, que cherchiez-vous à faire différemment sur ce nouvel album ? Par exemple, le solo sur Roi des rêves a une teinte exotique qui n’apparaît dans aucun de vos travaux précédents.
« Je voulais que ce solo évoque une certaine humeur. Ce n’est pas censé être un exercice de vitesse inutile; c’est pourquoi il est très clairsemé. J’essayais d’en faire une extension de la mélodie vocale et de lui faire exprimer quelque chose qui était lié à la putain de chanson. Je ne voulais pas simplement montrer un truc que j’avais appris au magasin de musique le samedi matin.
Lorsque vous écrivez ou lorsque vous êtes engagé dans la préproduction d’un album, préparez-vous des solos à l’avance ?
« Je ne travaille jamais sur mes pistes. Tout ce que je fais est généralement totalement spontané. Si quelqu’un dit: » C’était bien, rejouez-le « , je ne suis pas capable de le faire. Le seul solo que j’ai mémorisé est Étoile de l’autoroute [from 1972’s Machine Head]. J’aime jouer ce demi-ton au milieu. »
[Keyboardist] Jon Lord joue plus de textures, plutôt que de lignes réelles, sur ce nouvel album.
« Jon aime voir ce que je vais faire et il améliore cela. Ce n’est pas un leader, il aime suivre. »
Est-ce pour cela que votre relation a duré si longtemps ?
« Oui, parce qu’on ne se marche pas sur les pieds. »
Revenons au début de Deep Purple. Comment vous et Jon vous êtes-vous rencontrés ?
« Je l’ai rencontré dans un bar de travestis en 1968, à Hambourg, en Allemagne. [laughs] À la fin des années 60, peu d’organistes pouvaient jouer comme Jon. Nous partagions les mêmes goûts musicaux. Nous avons adoré Vanilla Fudge – ils étaient nos héros.
« Ils jouaient au Speakeasy de Londres et tous les hippies y allaient pour traîner – Clapton, les Beatles – tout le monde y allait pour poser. Selon la légende, la conversation de la ville à cette époque était Jimi Hendrix, mais ce n’est pas vrai C’était Vanille Fudge.
« Ils ont joué des chansons de huit minutes, avec de la dynamique. Les gens ont dit : ‘Qu’est-ce qui se passe ici ? Comment se fait-il que ce ne soit pas trois minutes ?’ Timmy Bogert, leur bassiste, était incroyable, tout le groupe était en avance sur son temps.
« Donc, au départ, nous voulions être un clone de Vanilla Fudge. Mais notre chanteur, Ian, voulait être Edgar Winter. Il disait : ‘Je veux crier comme ça, comme Edgar Winter.’ Alors c’est ce que nous étions – Vanilla Fudge avec Edgar Winter ! »
(Crédit image : Jorgen Angel/Redferns)
Après votre record de percée, Concerto pour groupe et orchestre [1970] avec The Royal Philharmonic Orchestra, votre jeu a pris une tournure plus agressive. Dans le rock [1970] est presque devenu le modèle de tous les disques violets ultérieurs.
« Je suis devenu fatigué de jouer avec des orchestres. Dans le rock était ma façon de me rebeller contre un certain élément classique du groupe. Ian Gillan, Roger Glover et moi voulions être un groupe de hard rock – nous ne voulions jouer que du rock and roll. Nous sommes donc partis dans cette direction.
« J’avais l’impression que tout l’orchestre était un peu docile. Je veux dire, vous jouez dans le Royal Albert Hall, et le public est assis là , les bras croisés, et vous êtes debout là à jouer à côté d’un violoniste qui tient ses oreilles chaque fois que vous prenez un solo. Cela ne vous donne pas l’impression d’être particulièrement inspiré.
Vous avez commencé à utiliser la barre de vibrato intensivement sur Dans le rock.
« Oui, c’est vrai. J’avais vu le James Cotton Blues Band au Fillmore East, et le guitariste du groupe jouait avec la barre de vibrato. Il avait les sons les plus incroyables. Juste après l’avoir vu, j’ai commencé à utiliser la barre. Hendrix m’a inspiré aussi. »
Vous aviez l’habitude de donner à la barre whammy un véritable entraînement.
« Je suis devenu fou avec ça. J’avais l’habitude de me faire fabriquer des barres d’un quart de pouce parce que je continuais à casser le genre normal. Mon réparateur me regardait étrangement et disait: » Qu’est-ce que tu fais avec ces barres de trémolo?
« Finalement, il m’a donné ce gigantesque bras de trémolo fait d’un demi-pouce de fer solide et a dit : ‘Tiens. Si tu casses ce truc, je ne veux pas le savoir !’ Environ trois semaines plus tard, je suis retourné au magasin. Il m’a regardé et m’a dit :  » Non, vous pas.’ Et j’ai dit : ‘Oui, j’en ai.’
« Dans les détails graphiques, je lui ai expliqué comment je ferais tournoyer la guitare près du bar, la jeter par terre, mettre mon pied dessus et retirer le bar à deux mains. C’était un peu un puriste, alors il n’était pas amusé. »
Il y a beaucoup de bruit inhabituel pendant le solo final de Hard Lovin’ Man [In Rock]. C’est toi, jetant ta guitare dans le studio ?
« Si je me souviens bien, je cognais ma guitare contre une porte dans la salle de contrôle. L’ingénieur m’a regardé bizarrement. C’était l’un de vos ingénieurs typiques de la vieille école. Comme mon réparateur, il n’était pas amusé. , Soit. »
Avez-vous déjà essayé un système de trémolo à écrou de blocage ?
« Non. Je n’utilise plus la barre twang. C’est devenu trop populaire. »
Entre Dans le rock et Boule de feu [1971], vous êtes passé de Gibsons à Fender Strats. Comment cela a-t-il affecté votre style de jeu ?
« C’était difficile, car il est beaucoup plus facile de traverser les cordes d’une Gibson. Les Fenders ont plus de tension, il faut donc les combattre un peu. J’ai passé un sacré moment. Mais je suis resté avec les Fenders parce que j’étais tellement pris par leur son, surtout quand ils étaient associés à une wah-wah. »
Environ Boule de feu et Tête de la machine [1972], votre jeu a pris un côté blues et funk. Hendrix avait-il quelque chose à voir avec ça ?
« J’ai été impressionné par Hendrix. Pas tant par son jeu que par son attitude – ce n’était pas un grand joueur, mais tout le reste en lui était brillant. Même sa façon de marcher était incroyable. Son jeu de guitare, cependant, était toujours un peu bizarre. Hendrix m’a inspiré, mais j’étais encore plus dans Wes Montgomery. J’étais aussi dans les Allman Brothers à l’époque de ces albums.
Qu’est ce que tu pense deStevie Ray Vaughan?
« Je savais que cette question allait venir. Sa mort a été très tragique, mais je suis surpris que tout le monde pense qu’il était un joueur si brillant quand il y a des gens comme Buddy Guy, Albert Collins, Peter Green et Mick Taylor – Johnny Winter, qui est un des meilleurs bluesmen du monde, est aussi très sous-estimé, son vibrato est incroyable.
« Stevie Ray Vaughan était très intense. C’est peut-être ce qui a attiré l’attention de tout le monde. En tant que joueur, il n’a rien fait d’extraordinaire. »
(Crédit image : Brian Rasic/Getty Images)
Comment avez-vous développé votre propre style de vibrato au doigt ?
« A mes débuts, je n’utilisais jamais du tout le vibrato au doigt. J’ai à l’origine forgé ma réputation comme l’un des guitaristes « rapides ». Puis j’ai entendu Eric Clapton. Je me souviens lui avoir dit : ‘Tu as un style étrange. jouer avec ce truc de vibrato?’ Vraiment une question idiote, mais c’était un gars sympa à ce sujet.
« Juste après cela, j’ai commencé à travailler sur mon vibrato. Il m’a fallu environ deux ou trois ans pour développer une technique. Vers 1968 ou 1969, vous l’entendez soudainement dans mon jeu. »
J’ai remarqué que vos parties rythmiques ne sont pas toujours jouées au médiator.
« C’est parce qu’il est paresseux. C’est comme Jeff Beck – quand il ne trouve pas de médiator, il joue simplement avec ses doigts. Vous savez ce que c’est. Vous regardez la télévision et vous ne trouvez pas de médiator, alors vous jouez avec vos doigts.
« Même sur quelque chose d’aussi simple que le riff à De la fumée sur l’eau, vous seriez surpris du nombre de personnes qui jouent cela avec des coups bas, comme s’il s’agissait d’accords. Je pince le riff, ce qui fait toute la différence. Sinon, vous frappez juste le tonique avant le cinquième. »
Pourquoi pensez-vous que, de tout votre travail, De la fumée sur l’eau est si endurant ? Le riff est l’équivalent rock de l’ouverture de la Cinquième Symphonie de Beethoven.
« La simplicité est la clé. Et c’est simple – vous pouvez encore entendre des gens en jouer dans les magasins de musique. Je n’ai jamais eu le courage d’écrire jusqu’à ce que j’entende Je ne peux pas expliquer et Ma génération. Ces riffs étaient si simples que je me suis dit : « Tous…
SOURCE : Reviews News
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