🎵 2022-04-01 15:59:44 – Paris/France.
LISTES Les meilleurs albums de l’hiver 2022 Par Bandcamp Daily Staff · 01 avril 2022
Ce sont nos choix pour les meilleurs albums des trois derniers mois.
Lisez l’édition de l’année dernière des « Meilleurs albums de l’hiver ».
Kee Avil
Pli
Peut-on qualifier la musique de cronenbergienne ? La productrice et guitariste montréalaise Vicky Wagner, alias Kee Avil, évoque certainement le penchant de la réalisatrice pour l’horreur corporelle sur son premier album, avec sa voix rapprochée soulignant les aspects les plus troublants de l’ASMR. Parfois, elle prononce des mots comme si elle les soulevait lentement (« saf »); parfois, sa voix est si sèche qu’elle n’évoque rien de plus qu’une sensation collante inconfortable. Parfois, ils sifflent des chuchotements ; d’autres fois, des soupirs contre nature discordants avec son travail de guitare (« And I »). Les rythmes sont clairsemés et les paroles abstraites, enchaînant des images qui ressemblent à la terreur constante d’un esprit tourné uniquement vers lui-même. Les phrases sont répétées et étirées jusqu’à ce qu’elles sonnent comme des menaces – voir « Okra Ooze » pour un bel exemple. « I too, bury » est le côté obscur d’une ballade au piano traditionnelle, les éléments du romantisme fracturés et dépassant sous des angles terribles. Des couches vaporeuses de bruit nauséabond imprègnent « HHHH », peut-être le morceau le plus maximaliste ici, mais c’est la retenue de Wagner, sa guitare et son piano précis qui caractérisent vraiment toute l’expérience. Et c’est la raison Pli me colle tellement à chaque fois que je l’écoute aussi; tout l’espace que Wagner permet donne une impression d’échelle humaine et donc beaucoup plus terrifiante que n’importe quel type de gestes grands et larges. Vous oubliez les peurs du saut après avoir quitté le théâtre, mais les petits détails horribles d’un film d’horreur sont ce qui reste dans vos cauchemars. Écoute maladroite – et j’adore ça.
Lisez notre album du jour sur Pli.
–Jes Skolnik
Nid de bête
Malade
Sharmi Basu d’Oakland, alias Beast Nest, fait de la musique expérimentale qui semble à la fois immense et intime. Ils sont décrits par leurs contemporains comme l’un des pionniers de la scène de la Bay Area, quelqu’un qui a brisé de nombreuses portes pour les personnes qui ne sont pas blanches et traditionnellement accréditées. Leur dernier, Malade, est une méditation sur le chagrin, une façon pour Basu de traiter les pertes de l’incendie du vaisseau fantôme ; des années plus tard, cette horrible tragédie continue d’avoir un impact sur les communautés artistiques de ceux qui ont été perdus de multiples façons. Bien sûr, le deuil et la guérison ne sont pas des processus linéaires, et Malade reflète cela. Le sombre et minimal « Jsun », du nom de Jsun McCarty, dont Basu était proche, gonfle et devient le drone de danse pulsé « Kim, People Are Dying », qui offre un sentiment de libération suffusive et extatique. (Deux morceaux portent le nom des mèmes de Kardashian; l’humour est également nécessaire à la guérison.) « Into the Tangerine » résume à nouveau ces rythmes, enveloppant le bourdonnement des basses et le pouls dans des synthés diaphanes pour un voyage dans le royaume de l’ombre, tandis que le presque héraldique l’appel qui ouvre la belle « Grenouille » naturiste se sent comme une invitation à se réveiller. Malade est brut et magnifique, un album qui donne l’impression de capturer la complexité de la vie réelle plutôt que de la réduire à des gestes auditifs trop simplifiés.
–Jes Skolnik
Pays noir, nouvelle route
Fourmis de là-haut
À la lumière du départ soudain du chanteur, guitariste et auteur-compositeur principal Isaac Wood de Black Country New Road pour des raisons de santé mentale quatre jours avant la sortie de cet album très attendu, le tour de victoire potentiel du groupe britannique les a conduits à un carrefour inattendu , et vraisemblablement, une pause dans leur carrière prolifique et ascendante. En attendant, nous devrons nous contenter de Fourmis de là-haut, une source de mash-ups étranges et de catharsis prête pour les festivals qui non seulement répond à nos attentes, mais les dépasse. Ici, les éléments centraux du son de BCNR (post-punk, art rock, prog, klezmer) s’affrontent beaucoup plus fréquemment qu’ils ne fusionnent, produisant un courant de friction sous-jacent que le groupe exploite dans certains des crescendos les plus spectaculaires de l’histoire du rock contemporain. Lorsqu’il s’agit de canaliser la tension dynamique dans le tour de force rock, le BCNR dispose de nombreuses armes, allant des explosions de mesure à mesure (vérifiez les rudes rafales de saxophone qui démarrent « Chaos Space Marine »); aux suites collaboratives à construction lente qui explosent sept minutes plus tard (« Basketball Shoes »); aux paroles chimériques et conscientes de Wood (« Cet endroit n’est pas pour n’importe quel homme / Ni particules de pain », il chante sur « Bread Song »). Le résultat final est une preuve indéniable que le battage médiatique autour de ce groupe est 100% mérité, un album que nous jouerons pendant des années.
Lisez notre guide Pour les fans de sur les fourmis d’en haut.
–Zoé Camp
Amour croate
Rappelez-vous le pont arc-en-ciel
L’un des albums les plus désarmants des trois derniers mois, le magnifique nouvel album de Loke Rahbek prend pour sujet la nostalgie de la jeunesse révolue et la douloureuse connaissance qu’en vieillissant, le temps commence à s’accélérer. Quand j’ai écrit à ce sujet pour notre rubrique Essential Releases, j’ai invoqué le terme « setsunai », et c’est toujours la seule façon que je peux penser pour encapsuler le sentiment de douce mélancolie qui imprègne chaque seconde de cela. Pour la plupart, Rahbek garde la musique feutrée et à la dérive, de douces couvertures de synthé posées sur des pistes rythmiques silencieuses. Même sans paroles, il y a un sentiment de mélancolie difficile à ébranler. Sur la piste titre, une voix calme chante encore et encore un crochet sans paroles à deux notes, et la façon dont elle dérive à travers les pads éthérés semble à la fois solitaire et satisfaite. Avec pont arc-en-cielRahbek a créé le genre rare d’album, un rêve éveillé dont le sens est aussi profondément ressenti qu’il est impossible à articuler.
–J. Edouard Keyes
Hamid El Shaeri
Le SLAM ! Années (1983-1988)
Cette fantastique compilation du label Habibi Funk met en lumière le tout début de la carrière de la pop star égyptienne Hamid Al Shaeri, rassemblant des morceaux remarquables de ses cinq premiers albums solo. Al Shaeri était à l’avant-garde du mouvement Al Jeel dans les années 70 et 80 ; il s’agissait d’artistes qui fusionnaient le disco occidental, le boogie et la nouvelle vague avec la musique populaire égyptienne existante, centrant tout autour de basses rebondissantes et de synthés élégants. Au cours de ses dernières années, plus réussies sur le plan commercial, Al Shaeri continuerait à se tailler une signature sonore moins influencée par l’Occident. Ici, on peut absolument entendre la combinaison du R&B/funk occidental et de la technologie musicale moderne de l’époque qui s’est avérée irrésistible dans le monde entier (en tant que fan des claquements de mains, je dois recommander plus près « Weyn Ayamak Weyn »), mais la voix douce d’Al Shaeri est déjà confiant, et les éléments de la pop égyptienne et libyenne alors contemporaine sont tout aussi forts. Pour ceux qui connaissent ses succès ultérieurs, cette compilation aide à compléter son histoire et pourrait ajouter un nouveau favori ou deux à la rotation. (Ces chansons sont entraînant, et pourrait encore jouer sur de nombreuses pistes de danse.) Et c’est aussi une très bonne introduction pour ceux qui ne sont pas familiers.
Lire notre article sur Hamid El Shaeri.
–Jes Skolnik
Empathique
Visiteur
Empath ne veut probablement pas être qualifié de groupe psychédélique, mais il y a quelque chose d’assez galactique dans leur approche de la musique rock sur Visiteur, sur lequel le groupe crée une clameur élégante caractérisée par un courant sous-jacent d’agressivité créant une tension agréablement dynamique entre les impulsions les plus heureuses du groupe de Philadelphie et leurs cœurs punk rock. Bien que le son soit gros et parfois presque écrasant, l’énergie à bout de souffle du groupe correspond à l’intensification de la production et l’ambiance reste brillante et séduisante alors que le groupe spirale un arc-en-ciel de crochets ensoleillés dans le cosmos.
Lisez notre album du jour sur Visiteur.
–Mariana Timony
Aldous Harding
Chaleureux Chris
Au Chaleureux Chris, Aldous Harding se rapproche plus que jamais du milieu de la route de la musique pop pour adultes, même si sa démarche reste délicieusement latérale. Ce n’est pas une insulte; Harding n’a jamais hésité à son ambition. Dès 2017 Fête, Harding fantasmait ouvertement sur ce que cela signifierait de faire un disque à succès. Elle se rapproche Chaleureux Chris, qui est la collection de chansons la plus superficiellement accessible de Harding à ce jour. La musique est une itération dépouillée de la pop ensoleillée des années 60 qui rappelle le baroque dramatique de Fête combiné avec l’amabilité mousseuse de 2019 Designer; rien de trop difficile, tout copacétique. Là où le drame se produit, c’est dans la façon dont Harding utilise sa voix – de manière élastique, libre et souvent spongieuse qui confère à ses histoires d’amour et de romance une absurdité sombre qui semble réelle et moderne au milieu de la familiarité de la vitrine musicale.
Lisez notre album du jour sur Chaleureux Chris.
–Mariana Timony
Kaina
C’était une maison
Kaina revient avec un magnum opus éblouissant sur la famille, l’amour et l’appartenance. Alors que son projet précédent s’appuyait davantage sur un son pop et R&B de chambre, la chanteuse de Chicago fait entrer la soul des années 1970 dans la modernité sur C’était une maison. Sur le titre principal, Kaina brosse le tableau de sa maison d’enfance pour les auditeurs : « J’avais l’habitude de vivre dans la petite pièce/Dans la petite maison avec une vue tordue », chante-t-elle. La chanson titre se transforme en douceur dans le délicieux « Good Feeling » qui met en vedette un autre artiste de Chicago, Sen Morimoto. Ailleurs, elle plonge dans le désir d’amour sur « Sweetness », soulful et fumante au son vintage. L’avant-dernière piste est autant un message pour les auditeurs qu’un mantra pour Kaina. « Je voudrais me donner / Autant que je donne à tout le monde », déclare-t-elle. L’album de Kaina illustre les liens entre l’amour du foyer, de la famille et des amis. Qui sommes-nous sans la communauté demande C’était une maison.
Lisez notre album du jour sur C’était une maison.
–Diamant pointu
Nyokabi Kariuki
lieux de paix : souvenirs kenyans
La compositrice Nyokabi Kariũki est actuellement basée aux États-Unis, mais sa dernière version est fermement enracinée au Kenya, où elle est née et a grandi. lieux de paix est une belle petite collection de pièces qui capturent les atmosphères des lieux où Kariũki et ses amis et sa famille trouvent sérénité et grâce. Des voix multicouches, des instruments à percussion et des cloches, des créations orales, des enregistrements sur le terrain et des boucles délicatement pulsées et bourdonnantes sont combinés à une utilisation judicieuse de l’espace pour créer des environnements enveloppants qui véhiculent un sentiment de sécurité d’un autre monde, comme s’il s’agissait de bandes sonores du meilleur des rêves. Plus libres que la plupart de ses autres travaux, ces pièces restent…
SOURCE : Reviews News
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