🎶 2022-04-25 21:03:18 – Paris/France.
Le groupe de rock australien King Gizzard the Lizard Wizard est souvent sonné pour son niveau parfois incroyable de production enregistrée – 20 albums studio depuis 2012, dont cinq rien qu’en 2017 (chacun dans un style musical différent), une multitude de sorties live officielles et non officielles, une tournée bande-son documentaire, collections de raretés, singles uniques et vidéoclips méchamment créatifs. Mais à mesure que le catalogue du groupe s’agrandit, son audience mondiale augmente également, ce qui devrait faire de 2022 la plus grande année de l’histoire de Gizzard.
En effet, le groupe franchit un certain nombre de nouveaux jalons dans les semaines à venir, allant de la vente de deux spectacles de Red Rocks huit mois à l’avance (un troisième vient d’être ajouté), à la tenue de leur plus grand concert dans la région de New York à ce jour en octobre au Le stade de tennis Forest Hills d’une capacité de 13 000 places et atteint les meilleurs niveaux des programmations de festivals internationaux sans aucune diffusion radio ou promotion traditionnelle. La dynamique groupe-fan de Gizzard a emmené les deux entités dans des endroits dont elles n’avaient jamais rêvé, où les fans sont encouragés à presser et à vendre leurs propres t-shirts et vinyles Gizzard contrefaits et à créer leur propre musique à partir de la session d’enregistrement multipiste de Gizzard. stems, qui sont postés gratuitement sur le site du groupe.
Rien de tout cela ne signifierait grand-chose si Gizzard ne continuait pas à améliorer son jeu musical, comme il l’a fait sur le tout nouveau double LP de 16 chansons et 80 minutes. Omnium Gatherum. Sorti le 22 avril via le label Flightless du groupe, la suite de l’album étonnamment optimiste et axé sur les synthés de l’année dernière Papillon 3000, était à l’origine conçu comme un moyen de rassembler des éléments qui ne semblaient jamais tout à fait corrects sur les versions précédentes de Gizzard. Mais les membres du groupe ont rapidement commencé à écrire de nouvelles chansons une fois que les protocoles australiens COVID-19 ont été assoupli et qu’ils ont pu se rassembler dans la même pièce, ce qui a donné lieu à un projet comprenant tout, du déchiquetage super lourd (« Predator X », « Gaia ») à la hanche réelle -hop (« The Grim Reaper », « Sadie Sorceress »), psych-rock immersif (« Kepler-22b », « Magenta Mountain ») et pop vintage décalée (« Presumptuous », « Ambergris »).
Après avoir tué le public de Coachella avec des sets de minuit au cours des deux derniers week-ends, Gizzard traverse maintenant l’Amérique du Nord lors d’une tournée qui se déroule jusqu’à la fin du mois de mai. En juin, il jouera cinq spectacles en six nuits au Primavera Sound de Barcelone, suivis d’une tournée européenne et nord-américaine jusqu’au début novembre. Le leader de Gizzard, Stu Mackenzie, a téléphoné avec TOURNOYER de quelque part près de San Luis Obispo pour parler du vers vivant et respirant de Gizzard et de la façon dont lui et ses camarades de groupe (le batteur Andrew « Cavs » Cavanagh, les multi-instrumentistes Ambrose Kenny-Smith, Joey Walker, Cook Craig et Lucas Harwood) continuent de trouver de nouveaux façons de l’habiter.
(Crédit : Jason Galéa)
SPIN : Bienvenue aux États-Unis Comment étaient les deux sets de Coachella ?
Stu McKenzie : Il a été malade. Nous avons fait un bon voyage. Nous sommes sur ce road trip de vacances dans le désert de Cali/Las Vegas/Arizona. Nous avons fait le créneau de minuit à Coachella et joué quelques spectacles entre les deux. Nous sommes dans une camionnette en ce moment pour des vacances folles. Peut-être que la machine à sous Coachella de fin de soirée correspond un peu à notre ambiance, en fait. Cela semble correct. Je serais plus inquiet si nous jouions de la musique vraiment relaxante parce que je pense que les gens s’endormiraient. Il s’agit d’exciter les gens après qu’ils ont déjà passé une grosse journée là -bas. Il y a eu de bonnes vibrations.
La façon dont vous servez la base de fans de Gizzard est assez unique, du bootlegging autorisé à la création de musique exclusive pour des émissions spéciales spécifiques, comme vous l’avez fait avec Timeland et le réveillon du Nouvel An. Quelles sont les leçons que vous avez apprises qui vous ont aidé non seulement à construire cette relation, mais aussi à l’élargir ?
Merci. J’apprécie que tu remarques tout ça. C’est vraiment pourquoi nous le faisons. Avec le truc du bootlegger, c’était une idée que nous avions dans le bus ou quelque chose comme, est-ce que c’est fou de laisser les fans faire leurs propres versions des trucs de Gizzard ? Parfois, nous voyons des gens vendre des t-shirts qu’ils ont fabriqués, et c’est comme, c’est un peu malade ! Tant qu’ils ne sont pas une grande entreprise ou quelque chose comme ça, laissez-les faire. Tout découle de cela — laissons les gens le faire et voyons ce qui se passe. C’est peut-être une version plus du 21e siècle de ce que Deadheads a fait et fait encore – une version de cela qui semble basée sur Internet. Nous avons toujours essayé d’être libres et de faire ce qui nous semblait juste. Il a été important que nous ayons toujours eu une très petite équipe. Personne n’a essayé de changer le groupe ou même de nous encourager à faire autre chose que ce que nous voulons faire musicalement, créativement ou autre. Avec le truc du bootleg, tous les labels avec lesquels nous travaillons pour aider à distribuer nos disques à travers le monde ont dit, vous êtes fous, mais d’accord [Laughs]. Nous avons des gens formidables autour de nous qui aident à faciliter beaucoup de ces choses, et cela vaut vraiment la peine d’être mentionné.
La meilleure partie est qu’il se perpétue et grandit. De plus en plus de gens partagent la musique entre eux et plongent vraiment dans le monde que vous avez créé.
Ouais! C’est obscène. C’est si étrange. C’est vraiment bizarre. Nous n’avons également pu le construire là où il est que parce que nous avons été soutenus par tant de fans incroyables qui continuent à venir aux spectacles. C’est notre travail maintenant, ce dont je suis extrêmement reconnaissant. Nous sommes juste ici en train de jouer. Mais c’est quelque chose qui se perpétue. Il s’autoalimente. Je pense qu’au cours des dernières années, le groupe a encore changé, et j’espère qu’il continuera à changer toutes les quelques années. La philosophie avec les spectacles maintenant est que chacun doit se sentir unique, et que tout le monde expérimente que la musique live est éphémère. Le but d’y aller, c’est que vous verrez quelque chose que les gens n’avaient pas vu la nuit précédente. J’ai roulé avec ça ces derniers temps, ce qui a été bon pour nous en tant que groupe pour rester créatifs et se sentir comme des musiciens, plutôt que comme des interprètes qui montent sur scène et se produisent. Nous ne pouvons le faire que parce que les gens viennent nous regarder pour une raison quelconque [Laughs]. Nous sommes très chanceux pour cela.
Omnium Gatherum est différent pour Gizzard en ce sens qu’il rassemble des morceaux de différentes époques, mais dans l’ensemble, qu’est-ce qui vous semble spécial?
Lorsque nous entrons dans la création d’un disque, ce que j’ai toujours ressenti est différent dans notre processus, c’est qu’il est similaire au processus d’écriture d’une chanson de la plupart des gens. Nos albums sont comme une chanson géante. C’est juste la façon dont nous l’avons toujours fait. C’est la troisième fois que nous essayons de nous libérer des chaînes de cela et d’essayer de considérer les chansons comme des morceaux de musique individuels, où une chanson n’est qu’une chanson, vous savez ? Cela nous a permis de parcourir des chemins qui n’auraient pas été pertinents pour la valeur d’un album entier, ou peut-être que nous n’avions pas la valeur d’un album entier d’idées dans un type particulier d’ambiance ou de sensation. Il y avait des chansons qui traînaient que nous avions choisies pour cet album – des choses sur lesquelles nous voulions terminer et sur lesquelles nous travaillions depuis un moment et qui n’ont jamais trouvé de place. Mais pour la plupart, cela a fini par être des chansons fraîchement frappées avec ce sentiment libérateur de, peu importe à quoi cela ressemble. Il n’a pas besoin de tenir sur l’album. Le tout c’est que ça ne rentre pas. Le but est de le laisser déployer ses ailes et voler dans une direction folle. Cela a permis à chaque chanson d’être différente l’une de l’autre, ce que les gens normaux font quand ils font un album, mais pour une raison quelconque, nous ne le faisons pas habituellement [Laughs].
Pouvez-vous donner des exemples de la lignée de certaines de ces chansons ? Certains d’entre eux avaient-ils juste besoin d’une légère retouche pour être terminés ? Lesquels ont été construits à partir de rien ?
« The Dripping Tap » est étrange. C’était en fait une idée qui traînait depuis longtemps. Nous en avons plusieurs enregistrements remontant à 2018 lorsque nous enregistrions Pêche aux poissons. Nous pensions que ça allait être ce genre de chose boogie-ish qui irait sur Pêche aux poissons, mais c’était bien trop rock ou quelque chose comme ça. Cela n’a tout simplement pas vraiment fonctionné pour cela, alors nous l’avons laissé tomber. Cela n’a pas fonctionné sur Infester le nid du rat, bien sûr. Ensuite, nous avons fait quelques enregistrements microtonaux, puis Papillon 3000. C’était comme, merde. Cette chanson est douce et nous devons la finir. Celui-là était comme ça, mais c’était un truc nouvellement enregistré. Il y avait une ambiance. Nous ne savions pas que cela allait être aussi long.
Une activité pandémique à laquelle nous nous sommes essayés était d’essayer de faire de la musique à partir d’échantillons. Je faisais l’achat de LP de musique du monde à un dollar. Je ne devais pas savoir ce que c’était. Il fallait que ce soit un dollar ou deux dollars, et non en anglais. J’essayais de comprendre comment découper des échantillons et être créatif avec ça. Cookie, Joey et moi-même avons tous joué avec ce genre de choses, ce qui a conduit à la création de « Sadie Sorceress », « The Grim Reaper » et « Kepler-22b ». Ceux-ci ont été construits à partir d’échantillons extraits de disques que nous n’avions jamais entendus auparavant. Ils étaient tous très frais de cette façon.
« Grim Reaper » et « Sadie Sorceress » sont les premières chansons hip-hop à part entière de Gizzard, ce qui surprendra probablement certains auditeurs. Qui savait qu’Ambrose pouvait rapper comme ça ?
Amby a toujours eu un pied dans ce monde et a été très désireuse de poursuivre cela avec Gizz un jour. C’était faire de la musique à partir d’échantillons, ce qui est un élément de la culture hip-hop. Cela a naturellement évolué et la prochaine étape logique était de mettre des barres de crevettes là -bas. C’était une chose très naturelle. En fait, nous avons fait beaucoup plus de morceaux de type hip-hop et rap, mais nous cherchons toujours à le faire, en particulier en utilisant une platine comme instrument.
Pourrait-il y avoir un disque hip-hop complet de Gizzard dans le futur ?
Je ne l’exclurais pas, mais comme je le disais, la chose libératrice à propos de ce disque est que nous n’avons pas fait cela. Nous ne nous sommes pas contraints à faire tout un disque dans un style. Le but était que ce ne soit pas un album de chansons à base d’échantillons, ou de chansons hip-hop, ou quoi que ce soit. Peut-être que nous le ferons un jour, mais à ce stade, ce ne sont que des expériences.
Y a-t-il des chansons qui ont vraiment changé une fois que vous avez mis vos griffes dessus en studio ?
« Evilest Man » est un peu plus ancien. Il a en fait été enregistré dans notre ancien studio, dans lequel nous ne sommes pas allés depuis 2019. Après avoir fait Papillon, nous avons compris comment utiliser un peu mieux les synthés modulaires analogiques, et celui-ci est devenu plus lourd. C’était plus une chanson rock directe pour commencer. « Présomptueux » a beaucoup grandi aussi. C’est celui où Amby commence avec un truc clavier/voix. Il m’a envoyé une démo de ça quand nous étions en confinement, et je me suis dit, c’est malade. C’est l’enregistrement. Il a dit quoi? C’est la démo. J’étais comme, non! C’est l’enregistrement. Cela a fini par être la partie d’introduction, et nous avons ajouté le jam plus tard.
En parlant de Papillonl’album n’a même pas un an mais la plupart de ce matériel n’a toujours pas été joué en live.
Ce n’est pas faute d’avoir essayé. Nous sommes un groupe dans le sens démodé de, à part Joey, qui vient d’un monde de DJ, je ne sais pas comment utiliser le MIDI ou quoi que ce soit d’autre. Je suis comme un homme des cavernes qui utilise du matériel analogique. Papillon a été fait avec des synthés analogiques qui étaient maladroitement synchronisés avec des boîtes à rythmes, comme, dans le mauvais sens. Nous n’avons vraiment atteint Kraftwerk que dans le continuum de la musique électronique – c’est tout ce que nous avons fait. Traduire ces chansons en direct, parce qu’elles ont été faites au coup par coup, a été très difficile. Ce n’est pas comme ça qu’on sait faire de la musique. Fondamentalement, chaque chanson est dirigée par un synthé arpégé, ce qui signifie qu’elle doit être synchronisée sur une grille ou un clic. Il ne nous reste plus qu’à trouver de nouveaux…
SOURCE : Reviews News
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