🎵 2022-03-16 18:00:22 – Paris/France.
Superlatifs
Une série Vulture dans laquelle les artistes jugent le meilleur et le pire de leur propre carrière.
« C’est l’une des raisons pour lesquelles c’est un groupe de trois musiciens – nous avions tous les trois de grandes attentes que le groupe soit là où nous mettions toutes nos puces artistiques. » Photo-Illustration : Vautour ; Photo de Fin Costello/Redferns/Getty Images
« C’est le Sacred Grove, où mes amis fantaisistes viennent jouer », me dit Stewart Copeland dans la minute qui suit la connexion à Zoom. Non, il ne rayonne pas d’un bois magique rempli de cymbales et de caisses claires: je reçois une visite impromptue du studio ensoleillé de sa maison de Los Angeles, qui accueillait fréquemment son carrousel de «copains rigolos» avant le début de la pandémie deux il y a des années. « Depuis l’apocalypse, je n’ai pas fait grand-chose. Avant cela, j’avais ici Snoop Dogg, Neil Peart, Ben Harper et Stanley Clarke, car la pièce est magnifique », a-t-il expliqué. « J’ai la plus grande collection d’instruments les moins chers que l’argent puisse acheter, et tout est micro. » Il y a quelques caméras à droite ; un peu plus à gauche. Derrière lui, une timbale et une batterie. « Chaque pied carré de la pièce, il y a un micro sur tout », a-t-il ajouté. « Alors j’ai ces confitures, puis je les coupe toutes et les mets sur YouTube. »
Copeland, un type très aimable, se repose entre quelques dates de tournée nationale en tant que compositeur d’orchestre symphonique. Il célèbre également une nomination aux Grammy pour le meilleur album New Age, le kinetic Marées divines avec Ricky Kej. («Je serais le premier batteur de l’histoire à recevoir un prix New Age», a-t-il plaisanté.) Mais soyons francs: vous connaissez Copeland pour son travail avec la police aux côtés du guitariste Andy Summers et de ce type nommé Gordon, un batteur dont la croix -la maîtrise du genre et le style dynamique ont en quelque sorte réussi à faire sonner le power trio comme un sextuor de puissance tout en les soutenant comme l’un des plus grands groupes – sinon la plus grand groupe – des années 80. « Roxanne » a un côté tango à cause de lui, « Every Little Thing She Does Is Magic » un groove fringant. Et ne nous lancez même pas sur « Walking on the Moon », qui a été envoyé du ciel par le dieu des charlestons. Mais pourquoi blablater quand Copeland lui-même peut en parler, ce qu’il fait dans nos nouveaux superlatifs.
C’est un choix difficile, car j’ai des favoris personnels que j’aime le plus jouer et qui comptent pour moi. Ensuite, il y a ceux avec les compositions les plus immaculées et les plus intelligentes, où Sting l’a vraiment sorti du sac et l’a cloué. Puis d’autres où la chanson n’était pas la meilleure chanson qu’il ait jamais écrite, mais le groupe l’a rendue géniale. Il existe différentes façons de choisir un gagnant. Je vais donc me baser uniquement sur mes goûts personnels. « Bring on the Night » est la plus belle chanson jamais écrite par Sting. L’arrangement du groupe est correct. Ce n’est même pas celui que j’aime particulièrement jouer parce que c’est assez compliqué rythmiquement – ça vacille sur le bord. Mais c’est une chanson tellement belle et poignante. C’est celui qui me touche le plus émotionnellement – la musique, l’émotion dans la progression des accords, le message de la chanson, ce sentiment d’amener la nuit. Cette journée a été un enfer, mais laissez-moi prendre mon shot de tequila et changeons de sujet. Je connais ce sentiment. Je suis sûr que tout le monde connaît ce sentiment.
Un soir après le dîner, Andy grattait ses accords de jazz et Sting a dit : « Hé, c’est intéressant. Ils aiment tous les deux les accords de jazz. Sting a dit: « Je pense que j’ai des paroles pour ça. » Ils sont assis à table, et Sting sort ses paroles et les adapte à la progression d’accords d’Andy. Ils travaillent en quelque sorte là-bas. Vingt pieds plus loin se trouve ma batterie, car la salle à manger avait un super son sur Montserrat – ma batterie était installée dans un bâtiment séparé du studio dans la salle à manger. Andy était dans la grande salle d’enregistrement principale avec tous ses amplificateurs, et Sting était dans la salle de contrôle avec juste sa basse et un pied de micro. Alors ils travaillent dessus, et je réfléchis un peu à ce que devrait être le rythme. Ils ont dit : « enregistrons ça », et ils sont descendus et ont emprunté le chemin menant au studio. Au moment où ils arrivent là-bas avec l’ingénieur, j’ai parcouru 20 pieds et je suis déjà sur la batterie en train de frapper, mais ils peuvent entendre mes micros ouverts passer par les haut-parleurs. Ils démarrent la chanson, et ils la jouent. La chanson s’appelle « Murder By Numbers ». Cette performance était la première fois que nous avons même écouté la chanson, et c’est sur le disque.
Mais la spontanéité a été l’un des germes de la destruction du groupe. Dans les premières années, nous étions co-dépendants et nous avons prospéré grâce aux contributions des uns et des autres. Andy m’avait donné des idées sympas pour la batterie, et j’ai sauté dessus avec enthousiasme, ce qui a en fait traversé l’expérience du groupe. Chaque fois que Sting sortait une chanson, nous sautions dessus. C’étaient juste de superbes chansons. Quelle que soit la guerre mondiale 18 qui se déroulait à l’époque, ces chansons étaient toujours géniales. Mais la partie spontanée est devenue plus difficile lorsque Sting est devenu de plus en plus confiant pour être frappé après coup. Comme tout musicien ou artiste, à mesure que vous mûrissez, vous apprenez le métier de votre don et vous vous améliorez. Alors il écrivait des chansons, et elles étaient entièrement formées dans son esprit – une perfection immaculée. Soit dit en passant, c’est un très bon arrangeur. Les arrangements dans son esprit étaient parfaits pour lui. Maintenant, si j’y arrivais avec un rythme différent ou si Andy y arrivait avec une partie de guitare différente, cela devenait de plus en plus difficile à gérer pour Sting, l’idée que la collaboration équivaut à un compromis, alors qu’il avait une vision si parfaite dans sa tête. Cette spontanéité va à l’encontre de la cathédrale immaculée de la perfection. Je dis cela avec respect, car il est si talentueux. Les chansons étaient parfaites dans son esprit et auraient été parfaites dans le monde de cette façon.
Donc, je ne le regrette pas du tout, mais cela a rendu très frustrant pour Andy et moi d’avoir un mot sur le bord. Ou pour pouvoir utiliser le groupe comme un exutoire créatif, c’est pourquoi les musiciens jouent dans des groupes, parce que vous jouez dans un groupe ou devenez musicien pour exprimer ce que vous avez. C’est devenu de plus en plus une bataille pour travailler et collaborer. Nous comprenons tous ces facteurs maintenant et n’en tenons aucune rancune. Nous comprenons de quoi il s’agit. Il s’agissait de la façon dont chacun de nous avait une très forte envie de s’exprimer dans le médium du groupe. C’est l’une des raisons pour lesquelles c’est un groupe de trois musiciens – nous avions tous les trois de grandes attentes que le groupe soit là où nous mettions toutes nos puces artistiques.
Oui, mais personne n’est d’accord avec moi. « Enroulé autour de votre doigt. » Comme toutes les chansons de Police – contrairement au premier album et à certaines parties du deuxième album – j’entendais une chanson et j’enregistrais ma partie de batterie environ 20 minutes plus tard. Sting et Andy ont eu la chance de refaire toutes leurs guitares et voix et tout le reste. Mais les parties de batterie que j’ai jouées 20 minutes après avoir entendu la chanson parce que Sting ne les révélait qu’une à la fois. Technique très astucieuse. Il dirait: « J’en ai un de plus pour toi. » [Laughs.] Donc ces parties de batterie sont toutes très spontanées. Dans beaucoup d’endroits, je pensais que nous allions au refrain, mais il y a un autre couplet, donc cela affecte le son. Je changerais le rythme en pensant que nous allions dans cette autre partie, mais pas ainsi. Ou ça va dans le refrain, mais je joue toujours ce que je pensais être le couplet parce que je n’entends pas toute la chanson. J’entends seulement Andy et Sting taper sur leurs instruments, s’ennuyer, attendre à nouveau la batterie, et Sting chanter quelques paroles sans grand engagement parce qu’ils savent tous les deux qu’ils vont tout refaire. Ils jouent juste leur rôle pour que je puisse arriver au mien. Une fois que j’ai ma part, le plaisir commence. Ensuite, nous sortons et le planifions en tournée, et je trouve comment passer du refrain au couplet. C’est comme ça que je devrais faire ça.
J’aurais aimé faire des choses différentes sur « Wrapped Around Your Finger », mais ça a quand même fonctionné. Peut-être que j’aurais tout foiré. Les gens disent : « Non, c’est une grande performance », mais je peux entendre mon hésitation. J’entends que je n’étais pas très à l’aise dans ce rythme là-bas, mais mes copains batteurs me disent que c’est ce qui est si cool à ce sujet, qu’il a une sensation exploratoire, alors allez comprendre. J’en ai un autre pour toi. La fin de « Message dans une bouteille ». J’ai mis trop d’overdubs de batterie à la fin. Je suis devenu un peu fou à la fin. Trop de crashy-bashy à la fin de « Message in a Bottle », je pense de nos jours. J’aurais nettoyé ça. Mais là encore, mes goûts ne sont pas forcément dans l’air du temps. Sting avait une bien meilleure idée de ce que les gens normaux aiment.
Vous connaissez la réponse à cela. Tout le monde connaît la réponse à cela. « Every Breath You Take » est le plus effrayant. Qui n’aimerait pas voir une telle chanson jouée lors de mariages comme sa chanson de mariage ? Qu’est-ce qu’il n’y a pas à aimer là-dedans ? « Don’t Stand So Close to Me » est assez effrayant aussi. Mais vous supposez que j’écoute les mots. Je ne. Je tape juste de la merde au fond de la scène. [Laughs.]
« Marcher sur la lune. » C’est là que j’ai aussi utilisé les lignes à retard et l’écho de répétition, qui crée ces rythmes. J’entendais ceux-là pendant que je jouais sur l’écho répété – le slap back, qui est un rythme différent. C’est à une noire pointée de ce que je joue. Je jouerais avec ça et interagirais avec ça. Les batteurs aiment cet endroit.
Le charleston est le niveau supérieur du rythme. Il y a deux couches de rythme : la première est constituée des doubles croches, ou les notes rapides, que vous entendrez normalement sur les cymbales ou le charleston. L’autre moitié du rythme est la relation contre-temps et coup de pied, ou le temps fort et le contre-temps. La caisse claire et la grosse caisse interagissent pour créer la viande du rythme. Mais le niveau supérieur, le charleston et les cymbales faisant ces doubles croches – les motifs les plus rapides – sont le tissu conjonctif pour la viande et les pommes de terre de la caisse claire. C’est l’interaction de ces éléments qui fait d’un rythme ce qu’il est. Le charleston contribue au niveau supérieur. C’est un instrument particulièrement utile parce qu’il s’agit de deux cymbales pressées l’une contre l’autre, et la force avec laquelle elles sont pressées l’une contre l’autre est contrôlée par votre pied gauche. Si vous relâchez un peu votre pied, il l’ouvre complètement. Ainsi, votre pied gauche contrôle la texture de ce rythme de niveau supérieur avec un haut degré d’expression. Il y a toute une sorte de vocabulaire que vous pouvez mettre dans ce niveau supérieur des rythmes.
En fait, je dirais « Murder by Numbers ». Parce que c’était une face B. Chaque fois que nous faisions des concerts, c’était très populaire. Je le joue maintenant avec mon spectacle d’orchestre et c’est très populaire. J’en suis très fier. Il n’a pas eu de chance, mais il a en quelque sorte atteint le statut de culte. Remarquez, j’oublie la chanson d’Andy, « Friends ». Mais mon cœur et mon âme ne reposent pas sur le destin d’une seule chanson.
« Spirits in the Material World » est celui où tout le monde dit : « Putain, comment fais-tu ça ? » Je suis…
SOURCE : Reviews News
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