🍿 2022-11-12 05:30:00 – Paris/France.
Au mois de mars, nous avons commencé une série de pièces dans EL PAÍS dans le but de sauver une série de grands films cachés de l’énorme contenu des plateformes cinématographiques, qui ne sont normalement pas celles que l’algorithme propose à la première occasion. Et, après avoir proposé une sélection de 10 titres de chacune des principales plateformes, nous revenons sur Netflix pour continuer à enquêter sur sa programmation la plus cachée. Encore une fois, nous avons trouvé des joyaux, des surprises et quelques justifications nécessaires.
un homme intervient (1953), par Carol Reed.
quatre ans après le troisième homme, Reed est revenu sur un espace, une situation, un ton et des sous-textes similaires : après-guerre, ville divisée -en l’occurrence Berlin-, environnement d’espionnage, touches de film noir, personnalités équivoques et manigances diverses autour des blocs de l’Ouest et de l’Est. Les plans inclinés caractéristiques de Reed pour montrer l’inconfort du spectateur, déjà ressenti dans Longue est la nuit et le troisième homme, trouvent leur zénith dans l’enlèvement spectaculaire de la femme principale, aussi perdue que le personnage de Joseph Cotten dans le chef-d’œuvre qui se déroule à Vienne. Pendant ce temps, le sinistre axe d’Orson Welles est exécuté cette fois par James Mason. Ce n’est pas le troisième homme, et il serait injuste de demander, mais les fascinantes scènes nocturnes enneigées d’une ville encore détruite valent bien sa récupération, ou sa découverte, puisqu’il s’agit d’un film assez méconnu.
thérèse raquin (1953), par Marcel Carné.
Carné a déplacé le décor du roman original d’Émile Zola de la seconde moitié du XIXe siècle à sa contemporanéité dans les années 1950, sans perdre un brin d’amertume dans le portrait de la vie grise et mélancolique d’une femme mariée à son pamphlétaire et malingre cousin, qui trouve l’étincelle de passion qu’il n’a jamais eue chez un camionneur coriace qui visite son magasin de tissus. Le charisme sans fin de Simone Signoret et Raf Vallone, interprète de l’amant, regards fébriles, chaleur dans leurs gestes, habitants d’une société arriérée et méchante. L’enthousiasme amoureux qui mène au crime et, plus tard, au remords. Et le tourment intérieur de deux êtres humains voués à l’autodestruction. Face au naturalisme et au psychologisme de l’écrivain, Carné mise sur le suspense, le crime et l’émotion sentimentale. Les bêtes humaines de Zola, main dans la main avec l’auréole poétique de Carné.
Nola chérie (1986), par Spike Lee.
Avec la nouvelle vague et le New Hollywood comme référents formels, surtout le Martin Scorsese de Qui frappe à ma porte, bien qu’emmenant ces essences sur son propre terrain, Lee a fait ses débuts dans le long métrage avec le portrait stylé d’une femme libre : la Nola Darling du titre, qui a trois amants, chacun plus infâme et possessif malgré le fait qu’ils soient les adultères . Bien sûr, elle les domine déjà tous depuis la mise en scène du réalisateur afro-américain, marquant un territoire dans un dîner culminant dans une communauté sexuelle et affective, dans lequel les plans de son point de vue sont en plongée, avec la caméra plus haut de leurs regards, et les leurs en contre-plongée, éclipsés par la situation et la fille. Dans un beau noir et blanc, sur un ton comique et avec une explosion de couleurs saisissante dans une séquence musicale. En 2017, Lee lui-même a transformé son héroïne féministe en une série télévisée beaucoup plus grand public.
Parrains de Tokyo (2003), par Satoshi Kon.
Kon, maître de anime, avec des films aussi formidables et influents que Bleu parfait Oui Paprika, composé une variante inhabituelle du western trois parrains, de John Ford, dans lequel des voleurs occidentaux qui ont dû traverser le désert avec un bébé orphelin sont remplacés par trois vagabonds sans-abri qui recherchent dans toute la ville les parents d’un bébé abandonné à la poubelle. Le portrait du triangle de personnages, un alcoolique hargneux, un travesti extraverti et un adolescent paumé, exposé à travers des flashbacks qui expliquent comment ils se sont retrouvés dans la rue et dans cette situation d’impuissance, c’est magnifique. Et, avec les beaux dessins nocturnes d’une ville aigre et amère, festive et sans frein, le ton très original du film (pour adultes) accroche la séduction : touches de comédie noire brutale, nuances de critique sociale et drame personnel poignant. .
Joe Kidd (1972), par John Sturges.
Un film plein de grands noms. Sturges, directeur de La grande évasion et la conspiration du silence, et l’un des grands du cinéma occidental. Elmore Leonard, scénariste solo et romancier prestigieux, dont les dialogues sentencieux offrent un plan à bout portant dans chaque séquence : « Cligne des yeux, tes yeux vont tomber. Lalo Schifrin, compositeur. Robert Duvall, redoutable méchant. Et, bien sûr, Clint Eastwood, star et producteur à travers sa société Malpaso, créée cinq ans plus tôt. Le personnage de Luis Chama s’inspire de Reies López Tijerina, un leader révolutionnaire texan des années soixante (ndlr, du XXe siècle, et non du XIXe siècle du milieu occidental), qui en 1967 avait fait irruption dans un palais de justice du Nouveau-Mexique prenant des otages et exigeant le retour aux familles d’origine mexicaine des terres expropriées dans le passé. Quelque chose de très similaire à ce qui se passe dans l’histoire de Leonard filmée par Sturges.
la fille d’allumette (1928), par Jean Renoir.
Probablement la grande perle cachée de cette pièce, puisqu’il s’agit d’un moyen métrage de 32 minutes rarement vu jusqu’à présent, sauf sur les chaînes de projection plus spécialisées. Toujours dans le muet de Renoir, et avec la coréalisation de Jean Tédesco, la fille d’allumette Il s’agit d’une libre adaptation de l’histoire d’Andersen, sur la solitude et les épreuves d’une jeune femme entre le froid et la neige d’une nuit en plein air. D’une beauté suprême à chaque plan, presque sans intertitres et avec la force expressive à la fois de l’actrice Catherine Hessling, au regard fascinant puis épouse de Renoir, et de la mise en scène, le film explose surtout dans son onirisme particulier. Les hallucinations de la jeune femme sont visualisées par Renoir avec un catalogue d’effets spéciaux artisanaux, d’astuces et de superpositions qui laisse sans voix.
la vie de famille (1971), par Ken Loach.
En 1967, un homme de 29 ans qui signait à l’époque ses œuvres en tant que Kenneth Loach réalisa un téléfilm bouleversant pour la BBC intitulé Dans deux esprits. Il traitait, sur un ton quasi documentaire, des problèmes mentaux d’une jeune femme, à partir de la thèse du psychiatre écossais RD Laing, alors en vogue et proche de l’antipsychiatrie : le lien entre la schizophrénie et un environnement familial qui favoriserait son déchaînement . Quatre ans plus tard, il tourne une nouvelle version pour les salles de cinéma, avec un récit un peu plus conventionnel, évitant quelque peu la thèse finale, bien que montrant le même environnement oppressant pour la jeune fille. La religion, la pression de ses parents pour qu’elle se fasse avorter lorsque la fille tombe enceinte, l’aggravation de ses problèmes, le traitement médical par électrochocs et l’internement en institution. De la prison du mauvais foyer, à la prison médicale. choquant
Cédez à la nuit (1956), par J. Lee Thompson.
Avant de partir à Hollywood pour réaliser, entre autres, cap terreur, certaines des suites de la première série de La planète des singes, et culminant sa carrière en filmant les sous-produits de la vengeance sur mesure de Charles Bronson, Lee Thompson a créé une poignée de films granuleux à petit budget dans son Angleterre natale débordant de talents de mise en scène. Les premières minutes de Cédez à la nuit, Lors de la séquence pré-générique, on reste scotché au canapé par la variété des angles de caméra, les perspectives fascinantes et la rondeur de chacun de ses plans : le meurtre d’une femme en pleine rue par des coups de feu tirés par l’imposant blonde fatale interprétée par Diana Dors. Dès lors, des relents de film noir dans le des flashbacks et, dans le présent de l’histoire, un plaidoyer non négociable contre la peine capitale, en montrant les jours dans le couloir de la mort immédiatement avant son exécution. dans son album Simple, de l’année 1995, le groupe The Smiths a placé sur sa couverture une image expressive de Dors, pâle et sans maquillage dans la prison du film.
le ballon rouge (1956), d’Albert Lamorisse.
Lors de la cérémonie des Oscars de 1958, Federico Fellini et Tullio Pinelli, pour la route, et William Rose, pour l’hilarant le quintette de la mort, étaient les grands favoris du meilleur scénario original. Cependant, un troisième prétendant a donné la surprise dans un jalon inhabituel, puisqu’il s’agissait d’un moyen métrage d’un peu plus d’une demi-heure et pratiquement muet : le ballon rouge, Récit historique de Lamorisse sur l’amitié entre un garçon de six ans et un énorme ballon trouvé au milieu de la rue. Pascal, le fils du réalisateur, arpente les rues du Paris automnal avec la spontanéité enfantine de celui qui est prêt à tout pour être auprès de son précieux trésor. Et, si vous vous plongez un peu dans l’histoire, vous pourrez même saisir l’allégorie chrétienne du Calvaire, de la mort et de la résurrection du Christ.
La dernière tentation du Christ (1988), par Martin Scorsese.
Maintenant que suffisamment d’années se sont écoulées depuis sa première controversée, il est peut-être temps de revendiquer l’apogée de cette œuvre de la décennie vraisemblablement moindre des années quatre-vingt dans le cinéma de Scorsese. Paul Schrader, son scénariste, si féru de théologie chrétienne et de symbolisme tout au long de sa carrière (avec Scorsese et sans lui), a eu l’occasion d’expliquer une bonne partie de ses sous-textes habituels dans l’adaptation du roman Kazantzakis de Nikos. La culpabilité, la rédemption et, bien sûr, la tentation. La double nature de la figure du Christ se déploie en profondeur au point de marquer les doutes compréhensibles de celui qui, malgré son statut divin, était aussi un homme dans toute son extension. Et ce casting merveilleux, avec Willem Dafoe dans le rôle de Jésus, Barbara Hershey dans le rôle de Marie-Madeleine, Harvey Keitel dans le rôle de Judas et même David Bowie dans le rôle de Ponce Pilate.
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SOURCE : Reviews News
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