🎶 2022-08-16 17:51:00 – Paris/France.
Appeler le spectacle tant attendu de Lady Gaga dans un Wrigley Field à guichets fermés lundi une production de haut niveau serait un euphémisme grossier. Dans une performance pour les âges, le phénomène pop a présenté un spectacle en plusieurs parties dans lequel chaque acte tournait autour d’un thème tacite et contribuait à un récit lâche qui a vu le chanteur passer de littéralement pris au piège à devenir libéré.
Gaga a eu beaucoup de temps pour élaborer des stratégies. La pandémie a fait dérailler la date initialement prévue du chanteur en 2020 aux Friendly Confines; elle a reporté sa sortie reprogrammée en 2021 pour des raisons connexes. Ces hoquets ont suivi la tournée précédente de Gaga en 2018, où des douleurs chroniques déclenchées par la fibromyalgie l’ont incitée à annuler plusieurs concerts.
Non pas qu’elle ait été sous les projecteurs. Au milieu d’une résidence acclamée à Las Vegas qui a débuté en 2018, Gaga a sorti son cinquième album studio solo, « Chromatica », qui a dominé le set de lundi. Elle a également prononcé l’hymne national lors de l’investiture du président Joe Biden ; a fait équipe avec le légendaire crooner Tony Bennett pour un deuxième album collaboratif et plusieurs performances télévisées ; a joué dans le film « House of Gucci »; et a contribué à la chanson thème et co-composé la partition de « Top Gun: Maverick ».
Gaga a abordé chaque instant à Wrigley avec un mélange similaire d’énergie à bout de souffle et de passion sans bornes. Présenté comme la tournée « The Chromatica Ball » – un concept pris à cœur par d’innombrables fans qui se sont présentés vêtus d’une gamme colorée de cuir, de maille, de perruques, de talons, de paillettes et plus encore – l’événement visait apparemment à redéfinir ce qu’un concert de stade pourrait être . Pour s’assurer que chaque chanson soit sa propre expérience, Gaga a fait appel à beaucoup d’aide.
Un système audio incroyable, une plate-forme tournante, une grande deuxième scène, des écrans haute définition, d’énormes panaches de flammes et des vidéos d’interlude préenregistrées ont complété un entourage de danseurs qualifiés, des routines chorégraphiées et les costumes scandaleux désormais emblématiques de Gaga. Un autre détail tout aussi important que tous les grands artistes pop devraient prendre en compte mais qu’ils oublient souvent : un groupe d’accompagnement polyvalent.
Explorant le sort et la joie, le spectacle théâtral de 130 minutes a commencé sur une scène éclairée par une architecture brutaliste et des séquences vidéo trempées de noirs, de gris et de blancs. Le cadre d’inspiration noire s’est étendu à un éclairage ombragé et à un engin enveloppant en forme de cercueil qui empêchait initialement Gaga de tout bouger sauf sa tête et ses bras. C’est devenu la première contrainte de beaucoup qui a cédé à ses mouvements de danse vibrants et à sa personnalité dynamique.
Gaga dégageait une confiance plus grande que nature tout en faisant preuve à plusieurs reprises de généreux degrés de sincérité et d’humilité. Elle injectait à volonté des remarques spontanées dans les couplets et les refrains et, à d’autres occasions, encadrait des chansons en rappelant l’histoire ou en se moquant d’une version passée d’elle-même. Bien qu’il évite la politique et reconnaisse les divisions, une grande partie de son commentaire aborde plusieurs principes principaux : l’espoir, l’accord, le courage et l’amour.
Gaga a également fait une série d’hommages brefs et subtils à d’autres artistes. Les grooves de synthé, les crochets mécaniques et les mouvements austères de « Poker Face » ont fait un signe de tête à Annie Lennox pendant son mandat avec les Eurythmics. Enfilée vers l’apogée de « Monster » et utilisée en combinaison avec les motifs zombies de la routine de danse et des paroles, une veste rouge surdimensionnée reconnaissait Michael Jackson de l’ère « Thriller ». La jambe de force palpitante, les livraisons chantées et les looks de combinaison de puissance affichés sur « Babylon » ont salué la période « Vogue » de Madonna. Quand elle a fait clignoter le signe des cornes sur les deux mains, a roulé la tête en arrière et a tiré la langue à la fin de « Shallow », Gaga a évoqué le bassiste de Kiss, Gene Simmons.
Debout sur un banc de piano tout en vous cambrant pour atteindre les touches de « Fun Tonight » ? Elton John serait fier. Idem Bruce Springsteen si le Boss l’a vue s’effondrer sur le dos sur le sol de la scène à cause de l’épuisement simulé avant de trouver une sixième vitesse pour sortir un banger de club.
À travers tout cela, Gaga est restée complètement elle-même : une interprète brillante avec une identité singulière dont la musique, les paroles et les images véhiculaient des messages universels. Alors qu’elle avançait de l’obscurité vers la lumière – endurant diverses luttes, s’ouvrant à la vulnérabilité, embrassant l’indépendance, osant être elle-même et trouvant finalement la catharsis – tout revenait à une question posée par Gaga à mi-chemin de l’événement : « Avez-vous déjà eu se battre pour sa vie ? »
On n’aurait pas dû demander la même chose à Gaga; la réponse était évidente par le sentiment et l’intensité qu’elle investissait dans chaque note et pas. Ses cheveux blonds lissés en arrière, ses lèvres peintes en rouge écarlate et ses paupières encadrées par un maquillage qui ressemblait à des ailes de papillon, Gaga a chanté la plupart des « Alice » dures allongées sur une dalle surélevée et portant un collier orné de clous. Ce désespoir s’est transformé en douleur sur l’agressif « Replay », pour lequel elle portait une combinaison transparente qui semblait maculée de sang – pour mieux correspondre aux cicatrices et à la torture décrites dans la chanson.
Quand elle l’a découvert, Gaga a traité l’évasion avec un objectif connexe. « LoveGame » comportait des rythmes disco qui correspondaient à l’enjouement taquin des paroles et des guitares grinçantes qui ont transformé la mélodie en un hybride de dance-pop et de heavy metal. Pour l’édifiante « Free Woman », Gaga s’est appuyée sur une création autrefois underground de Chicago – la house music – et a rapidement apporté de l’intimité à un environnement de stade en défilant lentement à travers la foule en route vers la deuxième scène. Une fois là -bas, et au piano, elle s’est révélée être une force de la nature.
Laissant ses instincts de jazz prendre le contrôle, elle a improvisé sans effort des lignes mélodiques et changé le phrasé. Dépourvue d’accompagnement, Gaga communiquait avec conviction et sensibilité nue. Grit formé sur son registre inférieur; sa voix de fausset a voyagé dans de belles régions. Elle a géré des passages envolés avec autant de compétence que des souches qui exigeaient de la délicatesse et de la retenue.
Alors qu’elle sondait et retraçait les contours de chansons familières, des interprétations ballades de « Always Remember Us This Way » et « The Edge of Glory » ont révélé une autre facette de Gaga : celle d’une chanteuse de gospel en cachette.
Existe-t-il un type de musique que Gaga ne peut pas conquérir ? Elle est née comme ça, en effet.
Bob Gendron est critique indépendant.
SOURCE : Reviews News
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