Avis | Pourquoi nous ne pouvons pas arrêter le solo de guitare

🎶 2022-04-02 17:00:01 – Paris/France.

Il est facile de rejeter la guitare
solo comme une institution obsolète et machiste.
La guitare solo déchiquetée, une fois
omniprésent dans la musique rock, peut maintenant sentir
comme une relique d’un temps révolu.

Il est facile de rejeter le
solo de guitare comme dépassé,
établissement machiste. le
déchiqueter la guitare solo, une fois
omniprésent dans la musique rock,
peut maintenant se sentir comme une relique de
un temps révolu.

Le trope musical est devenu moins
d’un incontournable du rock grand public. En effet, la plupart
des nominés aux Grammy dans le rock
catégories de chansons et de performances* cette année
n’incluait même pas les solos de guitare. *y compris la meilleure performance rock et la meilleure chanson rock

Le trope musical
est devenu moins incontournable
dans le rock grand public.
En effet, la plupart des Grammy
nominés dans la chanson rock
et catégories de performances*
cette année n’a même pas
inclure des solos de guitare. *y compris la meilleure performance rock
et meilleure chanson rock

Mais le pouvoir émotionnel de la
la forme perdure. Un solo de guitare n’est pas qu’un
démonstration de mise en scène musicale,
maîtrise technique et bravade. A sa
mieux, c’est un moment d’exquis
vulnérabilité, dans laquelle le joueur ouvre
entièrement aux auditeurs.

Mais l’émotionnel
le pouvoir de la forme perdure.
Un solo de guitare n’est pas seulement
un spectacle musical
mise en scène, technique
maîtrise et bravade.
À son meilleur, c’est un moment
d’une exquise vulnérabilité,
dans lequel le joueur
s’ouvre entièrement à
les auditeurs.

Le solo de guitare n’est pas mort. Ce
a évolué, et cela se voit dans certains
des genres et des lieux inattendus.

Le solo de guitare
n’est pas mort. Il a évolué,
et ça se voit
dans certains inattendus
genres et lieux.

Cette histoire comprend des extraits de musique de Spotify.

Lorsque j’ai récemment vu l’auteur-compositeur-interprète Adrianne Lenker du groupe Big Thief se produire devant une foule de 1 200 personnes à guichets fermés à Londres, son solo de guitare acoustique a été un moment fort en émotions. Ses harmoniques percussives et ses courbes de cordes, sur la chanson « Simulation Swarm », étaient aussi physiques qu’audibles. Certains membres du public – qui s’étaient assis en silence et avec appréciation pendant son set, attendant la fin de chaque chanson avant d’applaudir – ne pouvaient pas se contenir, applaudissant bruyamment et brisant le charme de la musique pendant un instant.

Ce n’était pas la première fois que j’étais témoin de ce phénomène lors des spectacles de Mme Lenker – je suis cadre dans sa maison de disques, donc je ne suis pas un observateur désintéressé. Mais j’étais fasciné par la contrainte du public autrement respectueux d’intervenir, de faire partie du moment, de soutenir la joueuse alors qu’elle sortait sur une branche musicale. Il ne s’agissait pas de bouffonneries flashy ou de la vitesse à laquelle Mme Lenker jouait les notes; il s’agissait de l’augmentation des enjeux émotionnels qui se produisaient lorsqu’elle donnait plus. En s’éloignant du micro, elle a braqué les projecteurs sur son jeu de guitare. Le public l’a ressenti, et ils voulaient que Mme Lenker sache qu’ils l’ont ressenti.

C’est, pour moi, la puissance du solo de guitare. C’est un moment de risque pour le joueur, une tentative démonstrative de connexion sonore, physique et émotionnelle avec le public, même si ce n’est que pour un instant. La précarité fait partie de ce à quoi le public réagit, a expliqué Vernon Reid, le guitariste de Living Colour, quand je l’ai interrogé sur son expérience avec le solo de guitare. (Comme beaucoup de musiciens cités dans cette pièce, c’est un ami.)

« Dans toutes les performances, » m’a-t-il dit, « quand quelqu’un est prêt à aller à l’extrême, et que le public est saisi par le drame de la tentative, c’est une chose électrisante. »

Depuis l’apogée de sa popularité dans les années 1980, le solo de guitare a été présenté comme une démonstration arrogante et inutile de prouesses, le plus efficacement ridiculisé dans le faux documentaire de 1984 « This Is Spinal Tap ». Monter l’ampli « à 11 » était un bâillon du film, mais la volonté de déchiqueter de plus en plus vite, de plus en plus fort, de plus en plus fort était très réelle.

Led Zeppelin « Whole Lotta Love » Jimi Hendrix « Voodoo Child (Slight Return) » Lita Ford « Out for Blood » Prince « Let’s Go Crazy » Yngwie Malmsteen « Plus vite que la vitesse de la lumière »

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Déplacez le choix pour découvrir les niveaux de déchiquetage

Après les excès de la culture de la guitare des années 1980, beaucoup ont reculé devant le solo et tout ce qu’il représentait. « J’ai dit très clairement que je détestais les solos de guitare », se souvient le guitariste des Pixies Joey Santiago en disant à son coéquipier Charles Thompson (connu sous le nom de Black Francis) dans un récent numéro du magazine Guitar Player. « Je le fais encore. Vous entendez ces gars s’agiter et jouer vite. C’est comme écouter quelqu’un taper. Ce n’était pas pour moi, et Charles a convenu que nous ne l’aurions pas dans notre groupe.

M. Santiago n’était pas seul. Dans les années 1990, la bravade des solos de guitare arrogants et virtuoses sur tant de disques rock des années 1980 a commencé à se sentir en décalage avec son temps. Les projecteurs se sont détournés des compétences techniques et ont plutôt braqué sur l’impact émotionnel d’un artiste, que ce soit à travers les paroles, les performances, les clips vidéo ou la personnalité hors scène. Des artistes tels que Björk, Alanis Morissette et Beck ont ​​émergé comme un nouveau type de rock star ouvertement sensible.

Le solo de guitare est bien plus qu’une démonstration des compétences d’un musicien. Comme l’a réaffirmé le spectacle de Mme Lenker, il existe dans un solo de guitare la capacité d’évoquer une humanité viscérale en nous : nous reconnaissons quelqu’un qui prend un risque, peu importe à quel point il peut sembler confiant. Dans un cadre de spectacle vivant, nous voulons contribuer à l’échange. Nous voulons nous sentir connectés avec les autres qui apprécient le pouvoir du moment.

« Les chansons et les voix peuvent sembler identiques nuit après nuit, mais chaque soir, j’attends avec impatience le solo de guitare », m’a dit par e-mail le chanteur, auteur-compositeur et guitariste de Dinosaur Jr. J Mascis. «Ils sont ma façon de communiquer ce que je ressens et comment cette nuit, ce spectacle, est différent de toutes les autres nuits. La réaction de la foule m’inspire à jouer différentes choses de différentes manières. Je canalise mes sentiments dans le solo de guitare, espérant me divertir afin que les autres soient, espérons-le, divertis.

M. Mascis fait partie d’une longue lignée de guitaristes, au fil des décennies et à travers les genres, pour établir ce lien.

Le solo de guitare comme nous
sais que ça a commencé comme un intermède musical
par le blues, le jazz et la country
joueurs – présentés ici par Sister
Rosetta Tharpe, jouant un
solo complexe sur « This Little Light of
Mien. » Dans les années 40 et 50,
Mme Tharpe a embrassé le déformé
son qui a contribué à
l’attrait primordial du solo de guitare.

Le solo de guitare comme
nous savons que cela a commencé comme une comédie musicale
intermède de blues, jazz et
joueurs nationaux — présentés
ici par Sœur Rosetta Tharpe,
jouant un solo complexe sur
« Cette petite lumière qui est la mienne. » Dans
les années 40 et 50, Mme.
Tharpe a embrassé le déformé
son qui a contribué à
l’attrait primordial du solo de guitare.

Sœur Rosetta Tharpe « Cette petite lumière qui est la mienne »

Dans les années 1960 et 1970,
le solo de guitare était un pilier du rock
la musique. Jimi Hendrix et autres
commencé à jouer (et parfois à improviser)
des solos longs, forts et complexes, comme celui-ci
un de « Purple Haze », qui serait
rayonner comme une pierre de touche pérenne pour
futurs guitaristes de rock.

Dans les années 1960 et 1970,
le solo de guitare était un pilier de
musique rock. Jimi Hendrix et
d’autres ont commencé à jouer (et
parfois improviser) long, fort,
solos complexes, comme celui-ci de
« Purple Haze », qui serait
rayonner comme une pierre de touche pérenne
pour les futurs guitaristes de rock.

Jimi Hendrix « Purple Haze »

Quand le punk a émergé dans les années 1970
et des années 80, le solo de guitare a été accéléré et
dégrossi. Certains groupes de-
a mis l’accent sur la compétence, jouant des solos qui
étaient moins axés sur les compétences et la musicalité,
comme cet anti-solo à deux notes dans le
« Ennui » de Buzzcocks.

Lorsque le punk a émergé dans
les années 70 et 80, la guitare
solo a été accéléré et
dégrossi. Quelques groupes
compétence désaccentuée,
jouant des solos moins
sur le talent et la musicalité,
comme cet anti-solo à deux notes dans
« L’ennui » des Buzzcocks.

Les Buzzcocks « Ennui »

Dans les années 1980, les guitaristes amplifiaient
jusqu’à la précision, la vitesse, la maîtrise et l’ego.
Le dieu du rock qui déchire la guitare est
représenté ici par Eddie Van Halen dans
1986 avec son doigté habile
technique sur le solo emblématique de « Eruption »,
qui a élevé la barre pour les aspirants
guitaristes du monde entier.

Dans les années 1980, les guitaristes
amplifié la précision, la vitesse,
maîtrise et ego. La guitare-
le dieu du rock déchiqueté est représenté
ici par Eddie Van Halen dans
1986 avec sa dextérité
technique du tapotement des doigts sur
solo emblématique pour « Eruption »,
qui a élevé la barre pour les aspirants
guitaristes du monde entier.

L’album « Nevermind » de Nirvana en 1991
avec les recréations vocales de Kurt Cobain
mélodies et coups de gueule émotionnels
a marqué le début d’une ère d’innovation et d’expression
solos de guitare. Ici, Rage Against
le Tom Morello de la Machine utilise un pitch-
déplacer la pédale Whammy pour donner son
guitare d’un autre monde, semblable à un synthétiseur
sonner sur « Killing in the Name ».

L’album de 1991 de Nirvana
« N’importe quoi », avec Kurt Cobain
recréations de mélodies vocales
et les diatribes de bruit émotionnel ont inauguré
à l’ère de l’innovation et de l’expression
solos de guitare. Ici, Rage Against
le Tom Morello de la Machine utilise un
Pédale Whammy à changement de hauteur
donner à sa guitare un côté surnaturel,
son de synthétiseur
sur « Tuer au nom. ».

Rage Against the Machine « Tuer au nom »

À la fin des années 1980 et 1990, un nouveau récit a émergé : si vous étiez vraiment bien, vous n’auriez pas besoin de montrer autant. Des satires telles que « Wayne’s World » et « Bill & Ted’s Excellent Adventure » ont commencé à faire du déchiquetage le domaine des adolescents maladroits.

« Peut-être était-il inévitable que le solo de guitare survive à son utilité », écrivait David Browne dans Rolling Stone en 2019. « Après toutes ces années et innovations, que peut-il offrir ? Qu’est-ce qui n’a pas déjà été fait, de Hendrix à Stevie Ray Vaughan ? Mais la montée du hip hop, de la musique dance et de la pop moderne a cimenté la non-pertinence du solo.

L’époque où les solos de guitare figuraient dans presque toutes les chansons des ondes radio rock est révolue, mais ils sont loin d’avoir disparu. Il est vrai que le nouveau millénaire a mis l’accent sur d’autres genres, mais il convient également de noter que les artistes de certains de ces genres, la musique électronique par exemple, ont trouvé des moyens inventifs d’inclure le solo de guitare. La chanson « Aerodynamic » de Daft Punk en 2001 utilisait un son de guitare pour son solo d’influence classique, et d’autres…

SOURCE : Reviews News

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